Lumière! L'aventure commence

Was für ein subtiler Blick zurück in eine andere Epoche. Bretagne, man schreibt das Jahr 1770. Die Malerin Marianne wird beauftragt, die adelige Braut Héloïse zu porträtieren. Diese verwehrt sich jedoch dem Erstellen eines Hochzeitsporträts und damit indirekt der Hochzeit selbst. So muss Marianne einen Weg finden, die rebellische Héloïse im Geheimen zu malen. Nach «Tomboy» und «Bande de filles» hat Céline Sciamma eine malerische Liebesgeschichte geschaffen. Die Regisseurin und Drehbuchautorin, die unter anderem auch am erfolgreichen Animationsfilm «Ma vie de Courgette» mitgewirkt hatte, erhielt in Cannes 2019 für das stimmige «Portrait de la jeune fille en feu» den Preis für das beste Drehbuch. Viel Lob bekamen auch die beiden Hauptdarstellerinnen Adèle Haenel und Noémie Merlant, die zum malerischen Bild aus dem 18. Jahrhundert beitragen. Wer den Film verpasst hat, sollte diese subtile doppelte Betrachtung der Betrachteten nachholen. Und wer ihn gesehen hat: Wieder schauen.

Stéphane ist neu bei einer Polizei-Sondereinheit des Pariser Vororts Montfermeil. Mit Chris und Gwada stehen ihm erfahrene Teamkollegen zur Seite. Schon an Stéphanes erstem Arbeitstag wird klar, dass die drei sehr unterschiedlich auf die Spannungen unter den verschiedenen Gruppen im Ort reagieren. Dann gerät die Situation bei einer Verhaftung ausser Kontrolle – und dabei filmt eine Drohne jede Bewegung der völlig überforderten Polizisten. Regisseur Ladj Ly führt uns ins pulsierende Leben von Montfermeil bei Paris, wo er selbst aufgewachsen ist. Ein Ort, laut, bunt, wild und roh. Hier liess Victor Hugo 1862 seinen Roman «Les Misérables» («Die Elenden») spielen. Hier muss man, um zu bestehen, die Regeln der Strasse kennen. Ladj Ly kennt sie, das spürt man vom ersten Bild seines Spielfilms an. Am Festival in Cannes wurde er mit dem Jury-Preis ausgezeichnet, Frankreich schickt ihn ins Rennen um die Oscars 2020. «Les Misérables» ist einer der stärksten französischen Filme seit dem Kult gewordenen «La Haine»: Ein Hochspannungs-Thriller, der vor Dringlichkeit vibriert - authentisch, eindringlich, explosiv.

Yvonne arbeitet als Polizistin in einer südfranzösischen Stadt am Meer. Ihr noch nicht lange verstorbener Ehemann Santi war Polizeichef. Er gilt nach wie vor als Held, wird gefeiert und verehrt. Alles Lüge – per Zufall findet Yvonne heraus, dass Santi in Wirklichkeit durch und durch korrupt war. Wegen ihm ist der unschuldige Antoine für acht Jahre hinter Gittern gelandet. Als Antoine entlassen wird, heftet sich Yvonne an seine Fersen. Sie will unbedingt dazu beitragen, seinen guten Ruf wiederherzustellen. Doch Antoines Anpassungsschwierigkeiten an sein neues Leben in Freiheit sorgen für jede Menge Turbulenzen. Pierre Salvadori bringt mit seiner ziemlich schrägen Komödie «En liberté!» ein Feuerwerk von witzigen Pointen auf die Leinwand. Die schnelle Story nimmt durch Missverständnisse, Irrungen und Wirrungen immer wieder überraschende Wendungen und überzeugt durch herausragende Schauspielerinnen und Schauspieler wie Adèle Haenel («Portrait de la jeune fille en feu»), Pio Marmaï («Santa & Cie») und Audrey Tautou («Amélie de Montmartre»). Anschnallen, die Fahrt ist kurvenreich und Genres variierend.

Was braucht eine junge Frau für eine erfolgreiche Zukunft? Paulette Van der Beck weiss es! Zusammen mit der Schwester ihres Mannes und einer Angestellten führt sie Ende der 1960er-Jahre eine Haushaltsschule in der französischen Provinz. Die drei bringen ihren Schülerinnen bei, was sie als perfekte Gattinnen und Hausfrauen können müssen. Natürlich befasst sich Paulette nicht mit den Finanzen, sowas ist schliesslich Männersache. Das aber erweist sich als fatal, denn eines Tages muss sie feststellen, dass ihr Institut vor dem Ruin steht. Und als wäre das nicht genug, weht jetzt, im Mai 1968, plötzlich auch noch eine Brise aufständischer feministischer Ideen aus Paris Richtung Paulettes Schule… Die Spielfilme «Séraphine», «Sage Femme» und nun «La Bonne Épouse»: Der französische Drehbuchautor und Regisseur Martin Provost versteht es, stimmige und stimmungsvolle Geschichten mit Frauen im Mittelpunkt zu erzählen. In den Hauptrollen seiner neuen Komödie glänzen Juliette Binoche, Yolande Moreau und Noémie Lvovsky mit ihrem herausragenden schauspielerischen Können. «La Bonne Épouse» überrascht mit einer vergnüglichen Story, liebevollen Details, köstlichen Dialogen – französisches Kino voller Esprit und Humor.

Gemeinsam mit ihrer Mutter und ihren beiden Kindern begleitet Mai Hua im Jahr 2013 ihre todkranke Grossmutter von Vietnam nach Frankreich, wo diese auf spektakuläre Weise wiederauflebt. Zugleich bricht die unbewältigte Familienvergangenheit auf Mai herein: Sie sieht sich als Erbin dieses komplizierten und schmerzhaften Familienvermächtnisses, das sie auf keinen Fall an ihre eigene Tochter weitergeben will.

Schauspielerin Fabienne (Catherine Deneuve) gilt als Ikone des französischen Kinos. Als ihre Memoiren veröffentlicht werden, kehrt ihre Tochter Lumir (Juliette Binoche), selbst erfolgreiche Drehbuchautorin, mit Ehemann Hank (Ethan Hawke) und dem gemeinsamen Kind von New York nach Paris zurück. Das Wiedersehen von Mutter und Tochter ist mit grossen Spannungen verbunden. Pikante Wahrheiten werden ausgesprochen und verschiedenste Geheimnisse kommen ans Licht. Nach dem preisgekrönten «Shoplifters» ist «La vérité» Kore-edas erster ausserhalb von Japan inszenierter Spielfilm. Er wollte, sagt der Japaner Hirokazu Kore-eda, der hier zum ersten Mal ausserhalb seiner Heimat einen Film gedreht hat, «dass sich die Geschichte im Herbst abspielt; ich wollte das, was die Heldin in der Dämmerung ihres Lebens durchmacht, mit den Landschaften von Paris in der Nebensaison überlagern. Ich hoffe, dass man wahrnimmt, wie das Grün des Gartens, dessen Farbtöne sich mit dem nahenden Winter verändern, die Beziehung zwischen Mutter und Tochter begleitet und diesem Moment in ihrem Leben Farbe verleiht. Während der Dreharbeiten sagte mir Ethan Hawke: ‹Das Wichtigste beim Filmemachen ist nicht, die gleiche Sprache zu sprechen, sondern die gleiche Vision des Films zu teilen.› Diese Worte waren sehr unterstützend und halfen mir, den Kurs zu halten, ohne das Vertrauen in mich zu verlieren.» Entstanden ist weniger ein Kore-eda-Film als vielmehr ein amüsantes und nicht nur fiktives Porträt über einen französischen Altstar und ein jüngeres Talent des gleichen Fachs.

Agnès Jaoui glänzt mit Witz und Wärme als Frau im besten Alter, die sich nicht unterkriegen lässt. Ohne Mann und ohne Arbeit, aber mit höllischen prämenopausalen Hitzewallungen und demnächst auch bereits mit Enkelkind: in einer von Produktivitätswahn geprägten Gesellschaft fühlt sich Aurore mehr und mehr aufs Abstellgleis gedrängt. Doch sie verliert den Humor nicht, erlangt ihr Selbstbewusstsein und ihre Unternehmungslust zurück, erfindet sich neu, weil sie an sich glaubt. Wird sie auch das Herz ihrer unverhofft wiedergetroffenen Jugendliebe erobern? Blandine Lenoir, die als Schauspielerin arbeitet und auch eine Reihe Kurzfilme realisiert hat, sagt sehr treffend über ihre Figur: «Sie nimmt ihr Leben in die Hand, ist eine starke Persönlichkeit, die im Kampf gegen die Diskriminierung die Solidarität anderer Frauen entdeckt und erkennt, dass noch alles möglich ist. Ich wollte diese Geschichte wie immer mit Humor erzählen, über Dinge lachen, die eigentlich gar nicht lustig sind.» Das Ziel hat sie erreicht, «Aurore» ist ein Film voll von köstlichen Szenen über eine Frau, die sich selber nicht aufgeben will und gewinnt. Ein Mutmacher. Die Regisseurin sagt denn auch: «Ich glaube sehr an die weibliche Solidarität. eine Solidarität die mich täglich und durch alle Altersstufen hindurch begleitet. Da war es natürlich essenziell, dass dies im Film zur Geltung kommt.» Gedreht hat sie ihren Film in La Rochelle, also in der Provinz, weil es ihr wichtig war, dass man viel Himmel sieht und dass die Heldin trotz allem eine relativ angenehme Lebensqualität hat.

Die Psychotherapeutin Sibyl beschliesst, sich wieder ihrer eigentlichen Leidenschaft zu widmen: dem Schreiben. Inspiration findet sie bei ihrer neuen Patientin Margot, einer jungen Schauspielerin am Rande des Nervenzusammenbruchs. Sibyl taucht immer tiefer in Margots turbulentes Leben ein, bricht alle professionellen Regeln und wird dabei mehr und mehr mit ihrer eigenen Vergangenheit konfrontiert. Als Sibyl an ein Filmset direkt am Vulkan Stromboli reist, um Margot psychologisch zu unterstützen, gerät ihr mühsam geordnetes Leben völlig aus den Fugen. In «Sibyl» verbindet die französische Regisseurin Justine Triet eindrucksvoll Drama und schwarzhumorige Komödie. Die Star-Schauspielerin Virginie Efira, mit der Triet bereits in ihrem letzten Film «Victoria» zusammenarbeitete, brilliert erneut in der Hauptrolle. Zum hochkarätigen Cast gehört neben Adèle Exarchopoulos auch Sandra Hüller («Toni Erdmann»). Premiere feierte der Film im Wettbewerb des internationalen Filmfestivals von Cannes.

Nachdem ihre Mutter aufgrund einer Überdosis Tabletten ins Koma gefallen ist, kommt die 13-jährige Eve Laurent (Fantine Harduin) erst einmal zu ihrem Vater Thomas (Mathieu Kassovitz) und Anaїs (Laura Verlinden), seiner Frau aus zweiter Ehe. Die wohnen in einem grossen Anwesen in Calais, zusammen mit einigen anderen Familienmitgliedern. Da wäre Thomas’ Schwester Anne (Isabelle Huppert), deren Sohn Paul (Franz Rogowski) sowie Georges (Jean-Louis Trintignant), der Vater von Thomas und Anne. Sonderlich friedlich gestaltet sich das Zusammenleben jedoch nicht, da sie alle mit eigenen Problemen zu kämpfen haben. So gab es beispielsweise einen tödlichen Unfall bei der von Anne geleiteten Baufirma. Und auch das Verhältnis untereinander war schon einmal besser. Michael Haneke erzählt mit vielen Bezügen aufs eigene Werk von den Abgründen innerhalb einer Unternehmerfamilie in Calais.

Heute ist Pierres und Helenas grosser Tag: Ihre Trauung findet in einem prächtigen Schloss aus dem 17. Jahrhundert statt. Wie immer hat Max - passionierter Hochzeitsplaner und seit 30 Jahren Inhaber einer Catering-Firma - alles organisiert und bis ins kleinste Detail durchgeplant. Service-Personal, Köche und Tellerwäscher sind rekrutiert, der Fotograf gebucht, die Band inklusive Sänger verpflichtet, Blumenarrangements bestellt: Alles wäre bereit für das perfekte Hochzeitsfest. Doch als plötzlich der erste Kellner wegen Übelkeit ausfällt, nimmt das Chaos seinen Lauf und bringt den eng getimten Ablaufplan endgültig durcheinander. Die Regisseure von «Intouchables» sind zurück mit einer Hochzeitskomödie, die aus Sicht des Personals aufzeigt, was an einer Feier wirklich alles schiefgehen kann.

Dem Langzeitarbeitslosen Alexandre bleiben zwei Monate Zeit, um seiner Frau zu beweisen, dass er gleichzeitig auf die beiden kleinen Kinder aufpassen und finanziell unabhängig werden kann. The Box, ein ultra-nices Start-up, möchte ihn auf Probe einstellen. Doch das unabdingbare Firmencredo – keine Kinder! und seine zukünftige äusserst reizbare Chefin lassen Alexandre keine andere Wahl, als zu lügen. Wird ihm die Zufallsbekanntschaft mit Arcimboldo, einem temporär etwas aus der Bahn geworfenen «Unternehmer seiner selbst» und König der kleinen Jobs auf Abruf aus der Patsche helfen können?

Die 23-jährige Delphine verlässt den Bauernhof ihrer Eltern, um sich in Paris eine selbständige Existenz aufzubauen – für eine junge Frau vom Land ein fast undenkbares Vorhaben in Frankreich zu Beginn der 70er Jahre. Carole dagegen stammt aus Paris, ist mit Manuel liiert und engagierte Feministin der ersten Stunde. Bald nachdem sich die beiden Frauen begegnen, entwickelt sich eine leidenschaftliche Liebe zwischen ihnen, die ihr ganzes bisheriges Leben auf den Kopf stellt. Als Delphine zurück muss aufs Land, folgt Carole ihr ohne Umschweife. In der idyllisch anmutenden Spätsommer-Kulisse müssen Delphine und Carole ihre Amour fou plötzlich im Heimlichen und in ständiger Angst vor Entdeckung leben, denn Delphines Mutter begegnet der Städterin von Beginn weg mit Misstrauen. Regisseurin Catherine Corsini lotet in ihrem Spielfilm LA BELLE SAISON das Toleranzgefälle innerhalb einer Gesellschaft aus, zwischen Stadt und Land, aber auch zwischen den Generationen. Vor dem Hintergrund der Frauenbewegung in den 70er Jahren ist ihr dabei ein so unterhaltsames wie tiefberührendes Liebesdrama gelungen. Das Publikum in Locarno zeigte sich hingerissen und LA BELLE SAISON wurde mit dem «Variety Piazza Grande Award 2015» ausgezeichnet.

Maria (Chiara Mastroianni) lebt seit 20 Jahren glücklich mit Richard zusammen, doch der entdeckt zufällig, dass sie sich ab und an mit jüngeren Männern amüsiert. Während sie ihre Seitensprünge als bedeutungslose Vergnügungen abtut, bricht für ihn eine Welt zusammen. Maria entscheidet sich für eine Auszeit und bezieht im Hotel gegenüber das Zimmer 212, von wo aus sie ihre langjährige Beziehung Revue passieren lässt. Christophe Honorés «Chambre 212» ist eine leichtfüssige Ehekomödie, die mit einem atemraubenden Soundtrack und tollen Darstellenden aufwartet. Ein Film wie ein Chanson aus den Sechzigern: sentimental und bewegend.

Ein Schiffbrüchiger kämpft sich durch den stürmischen Ozean. Er strandet auf einer einsamen Insel, auf der nur Vögel und einige neugierige kleine Krebse leben. Der Mann baut ein Floss. Doch es gelingt ihm nicht, damit aufs Meer hinauszufahren. Es dauert eine Weile, bis er herausfindet, welche geheimnisvolle Kraft ihn am Verlassen der Insel hindert: Eine majestätische rote Schildkröte – die bald einen überraschenden Wandel durchmacht… Der Oscar-prämierte Regisseur Michael Dudok de Wit erzählt eine zauberhafte Geschichte über den Kreislauf des Lebens und der Liebe. Sein in Cannes ausgezeichneter «La Tortue Rouge» ist der erste europäische Film, der vom berühmten japanischen Ghibli-Studio («Spirited Away – Chihiros Reise ins Zauberland») mitproduziert wurde. Anders als viele aktuelle Animationsfilme wurde er teilweise von Hand gezeichnet, was seinen Bildern eine ganz besondere Magie verleiht. «La Tortue Rouge» ist ein einzigartiges Kino-Juwel, vielschichtig und wunderschön.

Paula, eine junge Frau Anfang 30, irrt mit einer Katze auf dem Arm und nichts in den Taschen ziellos durch Paris. Von ihrem langjährigen Freund wurde sie rausgeworfen, ihre Mutter will sie nicht sehen und Freunde scheint sie keine zu haben. Doch Paula lässt sich nicht unterkriegen: Sie organisiert sich einen Job als Kindermädchen und findet so, quasi als Bonus, noch eine Unterkunft in einem bescheidenen Dachzimmer. Als sie zusätzlich als Verkäuferin für Damenunterwäsche eingestellt wird, scheint sie ihr Leben vollends wieder in den Griff zu kriegen. Wenn nur nicht schon wieder neue Probleme vor der Tür stehen würden. JEUNE FEMME ist eine ungewöhnliche Dramödie, eine furiose One-Woman-Show der jungen Schweizerin Laetitia Dosch, die den Film von der ersten Szene an trägt.

Adrien steckt in der Klemme – er sitzt beim Familienessen fest. Der Vater gibt die gleiche Anekdote wie immer zum Besten, die Mutter serviert die altbewährte Lammkeule und die Schwester hängt ihrem zukünftigen Ehemann an den Lippen als wäre er ein Genie. Und Adrien wartet. Er wartet darauf, dass Sonia auf seine Textnachricht antwortet und die «Beziehungspause» beendet, die nun schon einen Monat dauert. Aber sie antwortet nicht. Zu allem Überfluss bittet ihn sein Schwager in spe, bei der Hochzeit eine Rede zu halten... Oha, das hat er nicht kommen sehen! Adriens Nervosität schlägt in Panik um. Aber was, wenn diese Rede das Beste ist, was ihm passieren konnte? Ein traditionelles Familienessen, Sticheleien wegen einer misslungenen Kinderbastelei und ein langweiliges Gespräch über Fussbodenheizungen… Wer hätte in einer solchen Situation nicht das Bedürfnis, sich an einen anderen Ort zu träumen? Wer hat sich nicht schon einmal aus seinen sozialen Pflichten ausgeklinkt und stattdessen fieberhaft auf eine Versöhnungs-Nachricht gewartet? Und wen hat noch nie die Angst gepackt bei dem Gedanken daran, eineRede halten zu müssen? Auf Adrien treffen an diesem Abend alle drei Kriterien zu. Und sozögert er nicht, die imaginäre vierte Wand zu durchbrechen und seine Mordgelüste undanderen Gemütszustände direkt mit dem Publikum zu teilen.

Von einem Tag auf den anderen steht Claires (Catherine Frot) Leben auf dem Kopf. Die Klinik, in der sie seit Jahren mit Leib und Seele als Hebamme arbeitet, schliesst. Claires einziger Sohn eröffnet ihr, dass er Vater wird und sein Medizinstudium abbricht. Dann verliebt sie sich noch in Paul (Olivier Gourmet), den humorvollen Nachbarn aus der Kleingartenkolonie. Und als wäre das alles noch nicht genug, platzt Béatrice (Catherine Deneuve) in ihr Leben. Béatrice ist die ehemalige Geliebte ihres verstorbenen Vaters und genau das Gegenteil der gewissenhaften und zurückhaltenden Claire. Sie ist extravagant, laut, egoistisch und lebenslustig: Welten prallen auf einander. Doch Béatrice wäre nicht Béatrice, wenn sie nicht auch noch ein paar Überraschungen auf Lager hätte. Überraschungen, die Claires Leben für immer verändern...

Der zwanzigjährige Far’Hook (Sadek) ist ein junger aufstrebender Rapper aus Paris. Nach einem Zusammenstoss mit einer verfeindeten Gang muss er die Stadt verlassen und untertauchen. Sein Produzent Bilal, ein zum Islam konvertierter Franzose, überredet ihn, seinen pensionierten Vater Serge (Gérard Depardieu) durch Frankreich zu chauffieren. Dieser will die von Joseph Vernet gemalten Häfen besuchen und im Stile des Künstlers eine zeitgenössische Version der Bilder anfertigen. Serge, der mürrische und konservative Christ, der seinen Sohn erwartet hat, begegnet dem muslimischen Sänger mit grossem Misstrauen. Widerwillig begibt sich das ungleiche Paar auf die gemeinsame Reise durch Frankreich … Nicht nur das Publikum in Cannes, auch die Presse geriet im Angesicht des zweiten Spielfilms von Romanautor Rachid Djaïdani ins Schwärmen. Und Altstar Gérard Depardieu meldet sich mit einer Rolle, die ihm auf den Leib geschrieben ist, als ernstzunehmender Schauspieler im Kino zurück.

Sie sind mutig, klug und kämpfen mit Energie und Fantasie für ihr Anliegen. Der beruflich erfolgreiche Familienvater Alexandre ist einer von ihnen. Per Zufall hat er entdeckt, dass der Priester, der ihn einst missbraucht hatte, nach wie vor im Amt ist. Doch was Alexandre auch unternimmt, um die Kirche zu veranlassen, den fehlbaren Priester seiner Ämter zu entheben: Er erreicht nichts. Erst als sich immer mehr andere Betroffene mit Alexandre zusammentun, sie das Tabu des Schweigens brechen und ihre Aktionen gemeinsam planen, beginnt sich das Blatt zu wenden… Eindringliche Melodramen wie «Frantz», spritzige Komödien wie «Potiche», spannende Krimis wie «Dans la maison»: Mit Leichtigkeit wechselt François Ozon die Genres und versteht es dabei immer wieder, zu überraschen. Jetzt greift der französische Regisseur erstmals eine aktuelle, wahre Begebenheit auf: Den Fall des Priesters Preynat, der die Justiz und die Öffentlichkeit nicht nur Frankreich seit einiger Zeit beschäftigt. Dabei fokussiert Ozon, der in seinem Film keineswegs die Kirche als Ganzes in Frage stellt, auf die Situation der Betroffenen. «Grâce à Dieu» ist aufrührendes, facettenreiches und herausragend gespieltes Kino, das zeigt, wie man gemeinsam mit Mut und Kraft auch festgefahrene Strukturen bewegen kann.

Ein Mann und eine Frau lieben sich heimlich in einem Zimmer. Sie begehren einander, wollen einander, beissen einander mitunter. Süsse flüchtige Momente in der Abenddämmerung. Mindestens ist es das, wofür der Mann sie hält. Der Schauspieler und Regisseur Mathieu Amalric adaptiert für seinen fünften Spielfilm den aufregenden Kriminalroman LA CHAMBRE BLEUE von Georges Simenon. Spielt die Geschichte von Simenon in den 60er Jahren, hat Amalric seine Fassung davon ganz und gar im Heute angesiedelt.

Alles hängt mit allem zusammen in den Filmen des georgisch-französischen Regisseurs Otar Iosseliani, so auch hier in seinem Alterswerk: Die Französische Revolution und die Räumung von Flüchtlingslagern, neureiche Russen und verarmte Adelige, die Tochter des Polizeichefs und die kleine Gangsterin. CHANT D' HIVER ist ein skurriler Film mit tollen Slapstick-Einlagen, der an die Werke von Jacques Tati oder Buster Keaton erinnert. Filmkritiker Michael Sennhauser hat notiert: «Chant d’hiver ist randvoll mit kulturellen Referenzen, Niedergangsmetaphern, satirischen Elementen und Figuren, die einem durchaus ans Herz wachsen können. Man sitzt im Kino und hat das Gefühl, in einem Album zu blättern, das immer wieder neue Dinge zeigt. Man kann weiterblättern, man kann es aber auch hinlegen und später wieder aufnehmen – so man wieder Lust darauf verspüren sollte.»

François ist Lehrer in einem Vorort von Paris. Die Jugendlichen, die er unterrichtet, sind zwischen 13 und 15. Im Klassenzimmer prallen unterschiedlichste Meinungen und Kulturen aufeinander. François will nicht bloss den Stoffplan durchziehen. Vielmehr möchte er den Jugendlichen auf gleicher Augenhöhe begegnen. Das ist alles andere als einfach. «Entre les murs» geht auf die lebhafte Reise durch die grossen und klei­nen Dramen ei­nes Schuljahrs. Laurent Cantet erzählt von Lust und Frust des Lehrens und Lernens. Er verhandelt dabei brennende gesellschaftliche Fragen wie diejenige nach Zukunftsperspektiven – und das mit herzerfrischender Ehrlichkeit, mit viel Mut und funkeln­dem Humor. Viele Eltern haben erst mit dem Lockdown begreifen können, was es heisst, ihre Lieblinge den ganzen Tag zu betreuen und auf dem Weg ins Leben zu begleiten. Der Film zeigt auf unterhaltsame und fesselnd gespielte Art, dass Schule heute kein Honiglecken ist. Für die Brillanz dieses Einblicks erhielt er 2008 die Goldene Palme am Festival in Cannes.

Die US-Amerikanerin Maureen (Kristen Stewart) hat ein Flair für Mode und einen ungewöhnlichen Job: Sie ist die persönliche Einkäuferin einer arroganten Society-Lady. Eigentlich mag sie ihre Arbeit nicht, doch sie ermöglicht es ihr, in Paris zu sein. Denn Maureen, die sich als Medium versteht, hofft, hier ein Zeichen ihres verstorbenen Zwillingsbruders Lewis zu empfangen. Plötzlich bekommt sie Textnachrichten von einer unbekannten Nummer und gerät in einen Strudel mysteriöser Ereignisse. Olivier Assayas verbindet in seinem Film das Genre der Geister­geschichte mit einer Analyse unserer digitalen Gegenwart und ihrer geisterhaften Kommunikationsformen. Kristen Stewart brilliert als selbsterklärtes Medium.

Sie ist ein international gefeierter Star. Jetzt erhält Maria Enders das Angebot, noch einmal in dem Stück zu spielen, das sie vor zwanzig Jahren berühmt gemacht hat: «The Maloja Snake». Sie sagt zu – und sieht sich mit dem unaufhaltsamen Verrinnen der Zeit konfrontiert. Denn die Rolle, in der Maria einst brillierte, wird nun von einem jungen Hollywood-Sternchen verkörpert, während sie selbst für die ältere Hauptfigur vorgesehen ist. Um sich vorzubereiten reist Maria mit ihrer Assistentin nach Sils Maria ins Engadin, wo der Nebel sich vom Maloja her hineinkriecht wie eine Schlange. Realität und Fiktion beginnen sich zu durchdringen. Der Franzose Olivier Assayas gehört zu den grossen Namen des europäischen Kinos. Hier erzählt er eine doppelbödige Geschichte mit Juliette Binoche und Kristen Stewart und schönen Aufnahmen der magischen Landschaft des Engadins.

Marcel Marx (André Wilms), früher Autor und wohlbekannter Bohémien, hat sich vor längerer Zeit in sein frei gewähltes Exil, die französische Hafenstadt Le Havre, zurückgezogen. Hier geht er inzwischen der ehrenwerten, aber nicht sonderlich einträglichen Tätigkeit eines Schuhputzers nach. Den Traum vom literarischen Durchbruch hat er längst begraben, und trotzdem führt er ein zufriedenes Leben mit seiner Frau Arletty (Kati Outinen). Doch plötzlich erkrankt Arletty schwer, gleichzeitig kreuzt das Schicksal seinen Weg in Gestalt des minderjährigen Flüchtlings Idrissa (Blondin Miguel) aus Afrika. Und so ist Marcel gezwungen, sich noch einmal gegen die menschliche Gleichgültigkeit zu erheben. Als Waffen stehen ihm einzig sein unerschütterlicher Optimismus und die ungebrochene Solidarität der MitbewohnerInnen seines Quartiers zur Verfügung. Mit ihrer Hilfe tritt er gegen den blinden Machtapparat des Staates an, der die Schlinge um den Flüchtlingsjungen immer enger zieht. Es wird Zeit für Marcel, seine Schuhe zu polieren und die Zähne zu zeigen. «Le Havre» ist Aki Kaurismäkis poetisch stilles Aufbegehren gegen die Gleichgültigkeiten unserer Zeit. Thomas Allenbach schrieb: «In seinem bislang letzten abendfüllenden Spielfilm erweist Aki Kaurismäki erneut dem französischen Kino die Reverenz. Schauplatz ist Le Havre in der Normandie, das durch Marcel Carnés Le quai des brumes in die Filmgeschichte eingegangen ist. Le Havre, das ist bei Kaurismäki aber nicht bloss eine konkrete Stadt – der Hafen spielt in seinem Werk als Ort der Passage und als Chiffre für die Möglichkeit des Aufbruchs eine zentrale symbolische Rolle.»

Auch nach fünf Jahren Studium in Paris hat sich Arash noch immer nicht an das Leben in Frankreich gewöhnt und will zurück in den Iran. In der Hoffnung, dass er seine Meinung ändert, überreden ihn seine beiden Freunde Hossein und Ashkan zu einer letzten Reise durch Frankreich. Eine dokumentarische Fiktion.

Sebastião Salgados Bilder bewegen die Menschen seit Jahrzehnten. Hinter dem, was sie zeigen, leuchten Geschichten und mitunter ganze Universen auf. Der Fotograf arbeitet auf allen Kontinenten, für seine Reportagen verbringt er jeweils Monate an einem Ort. Im Lauf der Zeit wurde er Zeuge von zahlreichen wichtigen und düsteren Ereignissen der Menschheitsgeschichte. Schliesslich reiste Sebastião Salgado an von der Zivilisation unberührte Orte und realisierte «Genesis»: eine atemberaubend schöne fotografische Liebeserklärung an unseren Planeten. Der vielfach ausgezeichnete Kino-Poet Wim Wenders («Pina») hat «Das Salz der Erde» zusammen mit Juliano Ribeiro Salgado – dem Sohn des Fotografen – realisiert. Die beiden Regisseure finden einen sehr persönlichen Zugang zu Sebastião Salgado. Das Charisma dieses Ausnahmetalents und seine die Seele berührenden, von einem ganz speziellen Leuchten durchdrungenen Bilder beeindrucken nachhaltig. «Das Salz der Erde» ist eine grossartige Hommage – aufwühlend, magisch, unvergesslich.

Zwei Tage und eine Nacht, in denen für Sandra alles auf dem Spiel steht: achtundvierzig Stunden hat sie Zeit, um ihre Arbeitskollegen zu überreden, auf ihre begehrten Bonuszahlungen zu verzichten, damit sie selbst ihren Job behalten kann… Jean-Pierre & Luc Dardenne werden an den Filmfestspielen in Cannes regelmässig mit den renommiertesten Preisen geehrt. Die beiden Brüder haben über die Jahre ein filmisches Werk geschaffen, das sie nicht nur zu den wichtigsten Vertretern des belgischen Kinos sondern auch zu den anerkanntesten Regisseuren weltweit aufsteigen liess. DEUX JOURS, UNE NUIT von Jean-Pierre & Luc Dardenne mit der Oscar-Gewinnerin Marion Cotillard in der Hauptrolle feierte im Wettbewerb der internationalen Filmfestspiele von Cannes seine Weltpremiere.

Nina und Madeleine wohnen seit Jahrzehnten im obersten Stockwerk Tür an Tür. Alle glauben, dass sie einfach Nachbarinnen sind. Sie kommen und gehen zwischen den beiden Wohnungen hin und her, geniessen und teilen die Freuden des täglichen Lebens, bis ein unvorhergesehenes Ereignis ihre Beziehung auf den Kopf stellt. Dieses Ereignis bringt Madeleines Tochter dazu, nach und nach die Wahrheit über die beiden Liebenden zu enthüllen.

Das ist der Film zur Zeit - und über sie hinaus. Denn: Was, wenn es die Formel gäbe, die Welt zu retten? Was, wenn jeder und jede von uns dazu beitragen könnten? Als die französische Schauspielerin Mélanie Laurent («Inglourious Basterds») und der Aktivist Cyril Dion in der Wissenschafts-Zeitschrift «Nature» eine Studie gelesen haben, die den wahrscheinlichen Zusammenbruch unserer Ökosysteme innerhalb der nächsten 80 Jahre voraussagt, wollten sie sich nicht mit diesem Horror-Szenario abfinden. Sie machten sich zusammen auf den Weg, sprechen mit Experten, besuchen weltweit Projekte und Initiativen, die alternative ökologische, wirtschaftliche und demokratische Ideen verfolgen. Was sie finden, sind Antworten auf die dringendsten Fragen unserer Zeit. Und die Gewissheit, dass eine andere Zukunft möglich ist. «Demain - Tomorrow» zeigt: Sobald Menschen aktiv werden, kann aus einem Traum die Realität von morgen werden. Der inspirierende Film von Mélanie Laurent und Cyril Dion trifft den Nerv der Zeit. Wo auch immer er in den Kinos gelaufen ist, wurde er zum absoluten Publikumsliebling. So war in der Westschweiz seit vielen Jahren kein Dokumentarfilm so erfolgreich wie der mit dem renommierten César prämierte «Tomorrow». Und jetzt ist er weiter zu sehen, zu geniessen, zu entdecken, zu empfehlen, denn: Wir haben nur eine Welt, und für sie sollten wir uns alle engagieren. Mahatma Gandhi hat auf den Punkt gebracht, was das heisst: «Be the change that you wish to see in the world.»

Alexis in Handschellen in einem spärlich beleuchteten Gang. Was ist passiert im kleinen Küstenort in der Normandie? Die Geschichte beginnt ein paar Wochen zuvor. Alexis fährt allein aufs Meer hinaus, ein überraschend aufziehendes Unwetter lässt sein kleines Boot kentern. Der 16-Jährige wird vom selbstbewussten, etwas älteren David aus der stürmischen See gerettet. So beginnt eine grosse, leidenschaftliche Sommerliebe. Eines Tages jedoch muss Alexis feststellen, dass sein Liebster die halbe Nacht mit einer neuen Bekanntschaft am Strand verbracht hat. Und bald steht eine Bootsfahrt mit der lebenslustigen Kate an, mit der David heftig flirtet. François Ozon («Grace à Dieu», «Frantz») erzählt in «Été 85» eine flirrende, abgründige Liebesgeschichte. Inspiriert ist der Film von Aidan Chambers Roman «Tanz auf meinem Grab». Für die beiden Hauptfiguren hat Ozon mit Félix Lefebvre und Benjamin Voisin zwei herausragende junge Schauspieler gefunden. An ihrer Seite brilliert Valeria Bruni Tedeschi in der Rolle von Davids Mutter. «Été 85» ist ein Film von eleganter Raffinesse, mit dem der Franzose an seine grossen Erfolge wie «Swimming Pool» oder «Sous le Sable» anknüpft und die Atmosphäre der 1980er-Jahre aufleben lässt, dabei so zeitlos wie universell ist – und alles hat, was den typischen «Ozon-Touch» ausmacht.

Dheepan flüchtet mit einer jungen Frau und einem Mädchen aus Sri Lanka. Die drei kennen sich nicht und hoffen, leichter Asyl zu erhalten, wenn sie sich als Familie ausgeben. In Paris angekommen schlagen sie sich irgendwie durch, bis Dheepan in einem Vorort einen Job als Hauswart bekommt. So rückt ihr Ziel, sich ein neues Leben aufzubauen, näher. Doch bald reisst die tägliche Gewalt im Quartier beim ehemaligen Tamil Tiger Dheepan alte Wunden auf – sein Instinkt, zu kämpfen und seine «neue» Familie zu verteidigen, erwacht… Jacques Audiard («Un prophète») ist einer der bedeutendsten Regisseure des aktuellen Kinos. Für «Dheepan» wurde er mit dem international wichtigsten Festivalpreis ausgezeichnet: der Goldenen Palme von Cannes. Sein schauspielerisch herausragender, souverän inszenierter Film ist eine so aussergewöhnliche wie packende Mischung aus eindringlichem Sozialdrama, wuchtigem Thriller und zarter Liebesgeschichte – überraschendes, starkes Kino!

Alain (Guillaume Canet) ist vierzig und betreibt einen renommierten Pariser Verlag, bei dem sein langjähriger Freund Léonard seine Romane veröffentlicht. Doch die Branche befindet sich im Wandel und Alain hat Schwierigkeiten, sich der Digitalisierung anzupassen. Alains Frau Selena (Juliette Binoche) ist der Star einer beliebten Fernsehserie und Léonards Partnerin Valérie unterstützt als engagierte PR-Agentin einen Politiker. Nun will Alain Léonards neues Manuskript ablehnen. Damit wird das ohnehin schon vertrackte Beziehungsgeflecht zwischen den Paaren zunehmend komplizierter.

Eine französische Schauspielerin (Emmanuelle Riva), glücklich verheiratet, lernt bei Dreharbeiten in Hiroshima vierzehn Jahre nach Kriegsende einen japanischen Architekten (Eiji Okada) kennen, auch er glücklich verheiratet. Die beiden lieben sich für 24 Stunden - im Bewusstsein dessen, was sie trennt und trennen wird. Die Erinnerungen der Frau an ihre erste grosse Liebe zu einem deutschen Besatzungs-Soldaten im französischen Nevers ebenso wie der Schauplatz Hiroshima vergegenwärtigen den Kontrast zwischen persönlicher Erfahrung und historischem Umfeld. Ein Meisterwerk und einer der grossen Liebesfilme der Filmgeschichte, geschrieben von Marguerite Duras, filmisch umgesetzt von Alain Resnais.

Léo ist 22, lebt in Strassburg und verkauft seinen Körper. Nachts lässt er sich durch die Stadt treiben, tagsüber schläft er irgendwo für ein paar Stunden. Wenn es Ärger mit Freiern gibt, hilft ihm sein bester Freund Ahd. Aber der Partner, nach dem Léo sich sehnt, der Mann, in dessen Armen er einschlafen darf, kann Ahd nicht für ihn sein. Léos rastlose Suche geht immer weiter. Sein Herz schlägt wild dabei. Regisseur Camille Vidal-Naquet hat für seinen Debütfilm SAUVAGE drei Jahre bei Pariser Sexarbeitern recherchiert. Entstanden ist ein intensives, zutiefst berührendes Porträt. Für seine kompromisslose Darstellung eines jungen Mannes zwischen Verlorenheit, körperlicher Selbstausbeutung und einer unstillbarer Sehnsucht nach menschlicher Nähe wurde Léo-Darsteller Félix Maritaud («120 BPM») bei dem Filmfestspielen in Cannes mit dem Rising Star Award der Louis Roederer Foundation ausgezeichnet und als neue Hoffnung des französischen Kinos gefeiert.

Er hat so ziemlich alle wichtigen Preise abgeholt, von der Goldenen Palme bis zum Fremdsprachen-Oscar: «Amour» des Österreichers Michael Haneke, bei dem allein schon das Schauspieltrio Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva und Isabelle Huppert das Schauerlebnis lohnt. Erzählt wird das Ende einer Liebesgeschichte, deren Schönheiten und Dauer in die Wohnung eingeschrieben sind, in der sich die Gegenwart abspielt. Das kammerspielartige Drama handelt von einem pensionierten Pariser Musikprofessoren-Ehepaar, dessen Liebe auf die Probe gestellt wird, nachdem die Frau einen Schlaganfall erlitten hat. Das Drehbuch zu «Liebe» wurde durch eigene Erlebnisse in der Familie des Regisseurs inspiriert.

Ann ist eine berühmte Opernsängerin, Henry ein polarisierender Stand-Up Comedian. So unterschiedlich die beiden sind, so tief ist ihre Liebe. Als mediengefeiertes Star-Pärchen brausen sie auf Henrys Motorrad durch die Häuserschluchten von Los Angeles, vorbei an strahlenden Leuchtreklamen, und singen in ihrem idyllischen Haus am Waldrand «we love each other so much». Doch die Geburt ihrer Tochter Annette, eines ungewöhnlichen Mädchens, wird ihr Leben vollständig auf den Kopf stellen. Nach «Les Amants du Pont-Neuf» und «Holy Motors» präsentiert der virtuose französische Regisseur Leos Carax mit «Annette» einen rauschaften Film mit subtilen Zwischentönen und der Musik der Art-Pop-Pioniere Sparks als treibende Kraft. Mit Adam Driver und Marion Cotillard herausragend besetzt, eröffnete «Annette» das Festival in Cannes und wurde mit dem Preis für die beste Regie ausgezeichnet.

«Kein Mensch ist eine eigene Insel, sondern ein Teil des Ganzen» schrieb der englische Poet John Donne und inspirierte den Filmemacher Dominique Marchais zu dieser dokumentarischen Reise, die in Sizilien mit der Kooperative Galline Felici beginnt und ihn über Frankreich ins Lugnez und in den Bregenzer Wald im Vorarlberg führt. Er betrachtet Gegenwärtiges und zeigt mögliche Zukunftsperspektiven anhand von Beispielen diesseits und jenseits der Alpen. Das Lokale als Perspektive und letzter Ort für Utopien. Im bündnerischen Vrin etwa besuchen wir den regional wirkenden Architekten Gion Caminada, im Bregenzer Wald betrachten wir Projekte, die von der Gemeinschaft ermöglicht und getragen wurden und lauschen mit Gewinn Beteiligten zu: «Ab und zu ist es ganz gut, wenn die Sachen etwas schlafen, wenn nicht zuviel passiert.» Es geht um das, was hier ist, um den Raum dazwischen auch und die Lebenskunst, aus dem Ort das zu machen, was er in sich birgt. «Gesunde Grösse, würde auch der Welt gut tun», dazu gilt es, Sehnsucht zu wecken nach einer erstrebenswerten Zukunft. Ein Film, der weit weg beginnt, um nahe zu münden.

Sie ist jung, wunderschön – und eigentlich sollte sie längst weg sein. In ihrem Viertel in Kabul kommt es nämlich ständig zu Scharmützeln. So bringt sie ihre beiden Kinder in einen ruhigeren Teil der Stadt, zu einer erfrischend energischen Tante. Sie selbst kehrt jeden Tag in ihr Haus zurück, zu ihrem Ehemann, der aufgrund einer Verletzung in tiefer Bewusstlosigkeit liegt. Ohne zu wissen, ob er sie hören kann, beginnt die Frau zu erzählen: von ihren Träumen, von ihren geheimsten Gedanken. Und auch davon, dass ein anderer Mann, der zunächst gewaltsam in ihr Leben eingedrungen ist, sie emotional immer mehr bewegt. Atiq Rahimi erzählt die Geschichte einer Frau, die sich nach und nach von den Regeln eines fundamentalistisch ausgelegten Islams befreit. Dargestellt wird sie von der mit «Poulet aux prunes» bekannt gewordenen Golshifteh Farahani, basierend auf seinem gleichnamigen Roman, für den er mit dem «Prix Goncourt» ausgezeichnet wurde. Das Drehbuch hat er zusammen mit Jean-Claude Carrière verfasst.

Der Fotograf Gilles Caron verschwand 1970 spurlos in Kambodscha. Er war kaum 30 Jahre alt und einer der wichtigsten Zeugen seiner Zeit, berichtete über den Sechstagekrieg, den Mai 68, Belfast, Biafra, Vietnam. Mariana Otero machte sich auf die Suche nach dem Menschen hinter den Bildern. Ein Film für alle, die gerne fotografieren. Und ein Stück Zeitgeschichte, vermittelt über Bilder, die sich, wie das nebenstehende mit Daniel Cohn Bendit in Paris im Mai 68, ganzen Generationen einprägten und für ihre Zeit stehen.

Max ist in sein Haus am Meer gefahren, um neue Kraft zu schöpfen. Doch unverhofft ist es mit seiner Ruhe vorbei. Freunde, die er seit drei Jahren nicht mehr gesehen hat, stehen unangemeldet vor der Tür. Sie wollen mit Max seinen 60. Geburtstag feiern. Die Überraschung ist perfekt – der Rest nicht so ganz. Max sieht sich gedrängt, in der glücklichen Komödie mitzuspielen, in der es jedoch ständig zu Misstönen kommt. Die Zeit ist schliesslich nicht stillgestanden: Kinder sind gewachsen, weitere Kinder wurden geboren, die Prioritäten der Eltern haben sich verschoben, es kam zu Trennungen und auch Schicksalsschläge sind nicht ausgeblieben. Erst wenn jeder sagt, was er wirklich denkt, entdeckt man das Wesen wahrer Freundschaft. Nach dem erfolgreichen «Les petits mouchoirs» finden die Freunde in «Nous finirons ensemble» wieder zusammen. Guillaume Canet, den man sonst als Schauspieler vor der Kamera sieht, hat sich erneut auf den Regiestuhl gesetzt. Eine warmherzige Komödie, welche geschickt die heiteren Momente des Lebens mit der Melancholie über deren Verstreichen verbindet und sie auf das letztlich Wichtigste kondensiert: die Freundschaft.

Tanzen Sie? Tanzen Sie gern? Eigentlich spielt die Antwort auf diese beiden Fragen gar keine Rolle, denn der Film «Le grand bal» lässt es uns in den Beinen jucken, wenn wir nur schon zuschauen, wie fröhlich Tanzen stimmen kann, wie beschwingt sich Körper bewegen. Laetitia Carton erzählt die Geschichte eines wahren Balls, eines grossen und absolut einzigartigen Balls. Jeden Sommer strömen mehr als 2000 Menschen aus ganz Europa in einen kleinen französischen Ort auf dem Land. Sieben Tage und acht Nächte lang tanzen sie, immer wieder, verlieren die Vorstellung von Zeit, trotzen ihrer Müdigkeit und ihren Körpern. Alles dreht sich, es lacht, es wirbelt, es weint, es singt. Und das Leben pulsiert. Ein Film voll purer Lebensfreude. Über und mit Menschen, die sich der Musik und dem Tanz hingeben und über MusikerInnen, die diese Menschen in den Tanz spielen.

Der Staat hält das Monopol auf die Anwendung legitimer Gewalt. Doch was ist legitime Gewalt? Im Herbst 2018 flammen in ganz Frankreich Proteste auf, als die „gilets jaunes” gegen den Reformkurs der Regierung zu demonstrieren beginnen. Proteste, denen Polizisten zunehmend mit äusserster Brutalität begegnen. Die Französische Republik sieht sich wie nie zuvor mit Fragen zur Polizeigewalt konfrontiert. Anhand von umfangreichem Archivmaterial geht UN PAYS QUI SE TIENT SAGE dem Thema auf den Grund und lässt verschiedenste Menschen ins Gespräch kommen. Es entsteht ein aktuelles Sittengemälde Frankreichs.

Comiczeichnerin Raphaela (Valeria Bruni-Tedeschi) und Verlegerin Julie (Marina Foïs) sind seit zehn Jahren ein Paar, doch nun scheint ihre Beziehung am Ende zu sein. Bei einem ihrer aufreibenden Streits stürzt Raphaela, bricht sich den Arm und die beiden landen unversehens in einer Pariser Notaufnahme. Draussen toben heftige Proteste, das Krankenhaus füllt sich mit verletzten Demonstrierenden, das Personal ist am Ende mit den Nerven und die Lage droht zu eskalieren. Als der wütende LKW-Fahrer Yann (Pio Marmaï) zu Raphaela ins Zimmer verlegt wird, knallen Vorurteile und Klassen-Ressentiments aufeinander. Doch im Laufe der ereignisreichen Nacht werden sich auch viele Gemeinsamkeiten finden. Catherine Corsini greift in LA FRACTURE brandaktuelle Themen wie den Pflegenotstand und die Spaltung der Gesellschaft auf. Dabei ist ihr Film, der auf den letzten Filmfestspielen von Cannes seine Weltpremiere feierte, so bitter wie komisch, so energiegeladen wie berührend. Mit Valeria Bruni-Tedeschi und Marina Foïs als brillante Hauptdarstellerinnen, liefert der Film eine emotionale Achterbahnfahrt, die uns atemlos zurücklässt.

"Es gibt zwei Personen in mir, Maria und die Callas..." Die da spricht ist eine reflektierte Künstlerin, und sie kehrt ihr Innerstes nach aussen, um selber zu begreifen, wie sie vom braven Teenager zur absoluten Weltikone werden konnte: MARIA BY CALLAS erzählt die Geschichte eines einzigartigen Lebens. Aus Interviews, privaten Aufnahmen und Briefpassagen mit grosser Sorgfalt montiert, enthüllt der Film eine so leidenschaftliche wie kluge und sensible Persönlichkeit. Hier ist grosse Künstlerin auf der Suche nach Wahrhaftigkeit, Schönheit, Liebe - so nah war man der grossen Operndiva noch nie.

Picasso! So wie ein Matador den Stier konfrontiert, stellt sich der Künstler mit leuchtenden Augen seinen Bildern. Während er seinen Pinsel führt, sehen wir, wie sich das Kunstwerk entfaltet und vor unseren Augen zum Leben erwacht. Pablo Picasso, der wohl wichtigste Künstler des 20. Jahrhunderts, malt Gemälde, während der französische Regisseur Henri-Georges Clouzot (Le corbeau, Quai des orfèvres, Le salaire de la peur) ihre Entstehung dokumentiert. Das Raffinierte daran: Er filmt durch Glas und lässt uns damit am Prozess ganz direkt teilhaben. Der 1956 mit dem Spezialpreis der Jury in Cannes ausgezeichnete Film «Le Mystère Picasso» ist eines der eindrücklichsten und berühmtesten Dokumente zur Kunst im 20. Jahrhundert.

Malik El Djebena, gerade 19 Jahre alt, wird zu einer sechsjährigen Haftstrafe verurteilt. Der Franzose maghrebinischer Abstammung landet in einem Gefängnis, das von einer korsischen Mafiagruppe unter der Führung von Cesar Luciano kontrolliert wird. Luciano bietet dem Analphabeten Malik seinen Schutz an, allerdings nur unter einer Voraussetzung: Malik muss einem Mitgefangenen die Kehle durchschneiden. Aus Angst begeht Malik die Tat widerwillig und steigt dadurch in der Hierarchie innerhalb der Gefängnismauern schnell auf. Als Vertrauter von Luciano geniesst er immer mehr Privilegien, wird aber von den Korsen dennoch nie als einer der ihren akzeptiert. Während er Botengänge und Aufträge für die Korsen ausführt, erfährt er von dem Mafiaboss Cesar Respekt und Demütigung zugleich. Malik lernt schnell, sich mit der Situation zu arrangieren, und gewinnt innerhalb der Gefängnismauern auch bei seinen nicht-korsischen Mitgefangenen immer mehr Ansehen. Doch er verbirgt vor Allen, dass er im Geheimen ganz eigene Pläne schmiedet.

Nach dem Unfalltod ihrer beiden Kinder im April 1913 choreografierte Isadora Duncan, die als Begründerin des modernen Tanzes gilt, ein Solo mit dem Titel «La Mère», in dem sie dieses traumatische Erlebnis in einem zarten Bewegungszauber zu exorzieren versuchte. Ein Jahrhundert später konfrontieren sich vier sehr unterschiedliche Tänzerinnen mit dem künstlerischen Erbe einer persönlichen Tragik. Der Film versteht sich nicht als choreografisches Spektakel, sondern als behutsame Annäherung an ein Monument der klassischen Avantgarde. Auf subtile Weise evoziert er die utopische Vorstellung von einem Tanz, in dem jeder seine eigene Bewegung findet.

Die achtjährige Nelly fährt mit ihren Eltern zum Haus der geliebten Grossmutter, das es zu räumen gilt. Neugierig erkundet sie Haus und Umgebung, entdeckt Spuren und Geschichten einer Zeit, in der Mutter Marion selbst noch ein Kind war. Als sie beim Spielen im Wald ein gleichaltriges Mädchen kennenlernt, spüren beide sofort eine grosse Verbundenheit. Nellys neue Freundin trägt den Namen Marion. Nach dem grossen Erfolg von «Portrait de la jeune fille en feu» kehrt Kult-Regisseurin Céline Sciamma zurück zum Thema der Kindheit, das sie bereits als Filmemacherin («Tomboy») und Drehbuchautorin («Ma vie de Courgette») so poetisch erkundete hatte. «Petite maman» wurde im Wettbewerb der Berlinale uraufgeführt und seither überall als fabelhafte Ode an das einzigartige Band zwischen Müttern und Töchtern gefeiert.

Der ausgefuchste Chefkommissar Daoud, eine emphatische Vaterfigur, leitet mit Hilfe des unerfahrenen und christlich-gläubigen Louis die Untersuchung des Mordfalls an einer alten Frau. Die Ermittlungen konzentrieren sich bald auf Claude und Marie (Léa Seydoux, Sara Forestier), die drogen- und alkoholabhängigen Nachbarinnen der Ermordeten. Arnaud Desplechin erzählt die Geschichte eines auf wahren Begebenheiten beruhenden Kriminalfalls und zeichnet nebenbei in quasi dokumentarischem Stil das Porträt einer Stadt, die sich nie vom Kollaps ihrer einst so blühenden Textilindustrie erholt hat. Getragen von seinem herausragenden Cast, untermalt von einem elegisch-jazzigen Soundtrack und von der Kamera in melancholisches Licht getaucht, entwickelt der Film eine sogartige Spannung.

In seinen filmischen Essays hat der Franzose Chris. Marker aufgezeigt, welches Potential an Fiktion in jedem Dokument steckt. Auch Lyrik gibt es, im Kino, und die Erinnerung, das sind Bilder. Eine von Chris. Markers wunderbaren Erinnerungsarbeiten heisst «Sans Soleil», ist 1983 herausgekommen und hat ihren Titel von Mussorgski entlehnt. Denn Filme sind wie Musik: Sie entfalten sich in der Zeit. Sich Zeit nehmen, das ist eine Kunst, erst recht im Zeitalter der digitalen Hektik und Beliebigkeit. Auf japanische Art beten, beschreibt Marker in «Sans Soleil»: Ein Gebet, das sich ins Leben einfügt, ohne es zu unterbrechen. Wie ein guter Film. Marker nimmt sich Zeit für die Bilder, begleitet sie in seinen Filmessays mit Kommentaren, die literarisches Format haben, und bindet uns ein in einen Prozess der Wahrnehmung. Seine Texte schaffen die unterschiedlichsten Spannungen, indem sie das Bild, zu dem sie gehören, mal ganz direkt begleiten, mal sind sie vorausgeeilt, mal liefern sie die Erklärung hintennach. Mal heben sie unmerklich ab, mal graben sie sich ein. «Wie kann man sich an Durst erinnern?» fragt der Kommentar, und im Bild sehen wir eine Afrikanerin auf einem Flussboot. Das Bild wird angehalten, eingefroren. Von Anfang an war ein Tropfen hörbar, ein Geräusch, das auch später immer wieder aufgenommen wird. In einer zunächst kühnen Assoziation schneidet Marker auf den japanischen Penner, der den Verkehr an einer vielbefahrenen Kreuzung regelt und sich damit «an der Gesellschaft rächt». Auch er kennt den Durst, aber in seiner «Erinnerung» ist es das Verlangen nach Sake. «Hitchcock hatte nichts erfunden, alles war da.» Zu dieser Erkenntnis kommt der «Vertigo»-Bewunderer Marker in «Sans Soleil». Auch die Fiktion war immer schon das, was da ist - erst in den vergangenen Jahren hat sie begonnen, in virtuelle Räume vorzudringen, und wenn es eine neue Entwicklung gibt, dann jene technische: Im virtuellen Raum ist materiell nichts Existent und doch alles da. Marker hat 1983 bereits über die elektronisch generierten und verfremdeten Bilder nachgedacht, anhand des Computerkünstlers Hayao Yamaneko, der die existierenden Bilder elektronisch bearbeitet: «Wenn die Bilder der Gegenwart sich nicht ändern, die Bilder der Vergangenheit ändern.» Mit der Zone in Andrei Tarkowskis «Stalker» hat Marker die Computerarbeit damals verglichen. Bewegen wir uns am Ende aus Zeit und Raum? Ein grossartiges Essay zur Wahrnehmung und zur Erinnerung. Geben wir Chris. Marker das letzte Wort: «Die Sache, die den meisten von uns fehlt, und vor allem den Cineasten, ist die Zeit. Die Zeit zu arbeiten, aber auch vor allem, nicht zu arbeiten. Die Zeit zu reden, zuzuhören und vor allem, zu schweigen. Die Zeit zu Filmen und nicht zu filmen, zu verstehen und nicht zu verstehen, erstaunt zu sein und zu warten aufs Erstaunen, die Zeit zu leben.» Walter Ruggle

Die Regisseurin Sonia Kronlund begleitet in ihrem Film Nothingwood den afghanischen Regisseur, Schauspieler und Drehbuchautor Salim Shaheen. In seinem Heimatland ist er eine bekannte Grösse in der Filmszene, im Ausland hingegen kaum bekannt. Etwa hundert Kilometer von Kabul entfernt findet sich Salim Shaheen hier ein, um einige seiner 110 Filme zu zeigen und dabei den 111. zu drehen.

Miriam und Antoine haben sich scheiden lassen. Während sie sich mit den beiden gemeinsamen Kindern zurückzieht und ihren aktuellen Wohnort verheimlicht, will er um jeden Preis Teil der Familie bleiben. Die Tochter ist bald volljährig und geht ihren eigenen Weg. Doch Julien ist erst zwölf, und deshalb kämpft Antoine umso verbissener um das gemeinsame Sorgerecht. Obwohl er zu Gewalttätigkeit neigt, entscheidet die Richterin zu seinen Gunsten. Jedes zweite Wochenende soll der Junge mit seinem Vater verbringen. Von dessen Spielchen eingeschüchtert und unter Druck gesetzt, versucht Julien, eine Eskalation zu verhindern. Der französische Schauspieler Xavier Legrand präsentiert ein vielschichtiges Spielfilmdebüt. Er wurde am Filmfestival von Venedig unter anderem mit dem Silbernen Löwen für die beste Regie ausgezeichnet.

Leid und Sterben machen auch vor den Mächtigsten, ja Absoluten nicht Halt: Der Sonnenkönig Ludwig XIV. – eine Paraderolle für die Truffaut-Ikone Jean-Pierre Léaud – verspürt im August 1715 nach einem Spaziergang plötzlich Schmerzen im Bein. Die nächsten Tage verbringt er in seiner Kammer, führt die Regierungsgeschäfte bestmöglich weiter und gleitet allmählich seinem Tod entgegen. Ein Historienfilm als Kammerspiel, Opulenz auf engstem Raum, der Totentanz eines Bettlägerigen – während um den Kranken herum schon so eifrig wie eifersüchtig an der Zukunft ohne ihn gebastelt wird.

Vor 120 Jahren wurde der Franzose Robert Bresson geboren, am 25. September 1901. Er war im Kino der Meister der Reduktion aufs Wesentliche. Wir präsentieren in Hommage an den Meister eines seiner schönen Schwarzweissstücke, «Au Hasard Balthazar», in dem ein Esel eine zentrale Rolle spielt. In Landes wird in den 1960er Jahren ein junger Esel von den beiden Kindern Marie (Anne Wiazemsky) und Jacques (Walter Green) auf den Namen Balthazar getauft. Die ersten Jahre von Balthazar sind glücklich mit dem Mädchen aus dem Baskenland und dem Jungen aus Paris. Danach erduldet Balthazar als stumme Kreatur als Lastesel, Zirkusattraktion und von einem Verbrecher geschlagenes Erbe Eselsqualen und wird schliesslich von Schmugglern benutzt. Bressons elliptische Geschichte über den Niedergang zweier Unschuldiger wird auf wunderbare Weise zu einer Abhandlung über das Menschsein und zu einer Allegorie über Leiden und Transzendenz.

Was haben die Bilder von Tizian und William Turner, von Caravaggio und Van Gogh uns heute noch zu erzählen? Wie werden die Meisterwerke den BesucherInnen vermittelt, was steckt hinter einem Museumsbetrieb, und wie lässt sich eine solche Institution vermarkten? «Das grosse Museum» bietet einen spannenden Einblick in den Mikrokosmos des Kunstmuseums. Eine Restauratorin ist der Geschichte eines mehrfach bearbeiteten Rubens-Gemäldes auf der Spur; ein anderer verzweifelt ausdrucksstark an der Reparatur eines Modellschlachtschiffs. Eine Frau vom Publikumsdienst fühlt sich am Haus nicht integriert; ein verdienter Sammlungsleiter wird in den Ruhestand verabschiedet. Es entsteht nicht nur das Portrait einer staatlichen Kultureinrichtung, die ihre Integrität mit Budgetvorgaben und Konkurrenzdruck ausbalancieren muss. Unangestrengt stellt «Das grosse Museum» auch weiter reichende Fragen: Wie lässt sich vermitteln zwischen der Bewahrung der Werke und ihrer zeitgemässen Präsentation? Welche Zwecke hat Kunst für die Selbstdarstellung einer Nation in Politik und Tourismus zu erfüllen? Frederick Wiseman ist einer der wichtigsten Pioniere des US-amerikanischen Direct Cinema. Er verbrachte mehrere Wochen in der National Gallery in London. In seinem unverkennbaren Stil, der sich an ‚reiner Beobachtung’ orientiert, zeigt uns Wiseman, was er als Zeuge im Museum alles wahrnimmt: Die weltbekannten Kunstwerke in monumentalen Grossaufnahmen, aber auch alles andere, was einen Museumsbetrieb ausmacht: Führungen, Vorträge, Konzerte, die Kuratoren und Kunstvermittler, die Museumsleitung oder Marketingspezialisten bei der Arbeit und die Besucher und deren Blick auf die Bilder.

Im Louvre inszeniert der Russe Alexander Sokurow einen Spiegel der Geschichte. «Francofonia» ist kein historischer Film im klassischen Sinne, er nähert sich den Themen, die er setzt, nicht wissenschaftlich – auch wenn er viel Wert auf wahrheitsgemässe Details legt. Er verfolgt auch keine politische Perspektive, sondern eine Art emphatischen Blickwinkel. Sokurow stellt in seinem Film die Frage nach Moral und Ehre. In einer schonungslosen Tour de Force durch die Geschichte von Krieg und Kunst, von Zivilisation und Verwahrlosung führt er uns vor, was täglich auf dem Spiel steht – bis heute. Der Kunstraub in Bagdad, der Superdome von New Orleans und die Massaker im Balkankrieg zeigen, wie dünn der Mantel unserer Zivilisation ist.

Ein Ehepaar um die 80. Sie war Psychoanalytikerin, jetzt spielt ihr Gehirn nicht mehr mit. Er schreibt über Filme und Träume, doch sein Leben wird von den mondänsten Dingen beherrscht. Ab und an nehmen sie sich Zeit für kleine Routinen wie einen Apéritif auf dem Balkon zum Innenhof ihres Pariser Apartements. Doch der Alltag ist getrübt vom absehbaren Ende ihrer Eigenständigkeit. Der Sohn konfrontiert seine Eltern damit, aber das eigene Heim und all die Bücher können sie unmöglich verlassen. - «Irréversible», «Enter The Void», «Climax», «Love» - jeder Film von Gaspar Noé war ein kleiner Skandal. An diesem Film ist das einzig Skandalöse, dass es keine Provokation gibt. Ruhig kommt «Vortex» daher und wird unter der zurückhaltenden Regie Noés zu einem bemerkenswert berührenden filmischen Erlebnis. In den Hauptrollen brillieren die Kino-Ikonen Françoise Lebrun («La maman et la putain») und Dario Argento («Suspiria»).

Anne-Charlotte, Joohee, Céline, Niyongira, Mathieu stammen aus Brasilien, Sri Lanka, Ruanda, Südkorea und Australien, doch haben alle eines gemein: sie wurden adoptiert. Ihre Lebensberichte liefern eine zugleich persönliche und politische Geschichte der internationalen Adoption.

Paris, Anfang der 1990er-Jahre. Seit fast zehn Jahren breitet sich Aids in Frankreich aus, doch in weiten Teilen der Gesellschaft ist das Thema tabu. Die Regierung kümmert sich nicht um Aufklärung, die Pharma-Lobby verschleppt die Entwicklung neuer Medikamente. Die Aktivistengruppe Act Up will auf die Missstände aufmerksam machen. Sie schmeisst mit Kunstblut gefüllte Wasserbomben an die Wände von Forschungseinrichtungen und kapert mit Infobroschüren bewaffnet die Schulzimmer der Stadt. Wie weit die Aktionen gehen dürfen, wird bei wöchentlichen Treffen kontrovers diskutiert. Als der 26-jährige Nathan, der selbst HIV-negativ ist, zu Act Up stösst, zieht ihn die Entschlossenheit der Gemeinschaft sofort in den Bann. Und er verliebt sich in Sean, den Mutigsten und Radikalsten der Gruppe. Der aus Marokko stammende französische Regisseur Robin Campillo (Autor von «Entre les murs», Palme d’Or 2008) engagierte sich jahrelang selbst bei Act Up. Mit «120 BPM» setzt er der europäischen Stop-Aids-Bewegung ein filmisches Denkmal. Grand Prix Cannes, Queer Palm, Fipresci-Preis.

Über einen gemeinsamen Freund lernt Paul Frédéric kennen. Dieser ist Maler und lebt mit der Schauspielerin Angèle (Monica Bellucci) zusammen, die in Italien Filme macht. Paul will Schauspieler werden und hält sich mit Statistenrollen über Wasser. Diesen Winter hat er eine kleine Rolle in einem Kriegsfilm ergattert. Angèle verlässt Frédéric wegen Roland, dem Filmassistenten, mit dem Paul gedreht hat. Frédéric will sich von ihr scheiden lassen. Eines Nachts wird Paul aus dem Bett geklingelt: Frédéric hatte einen tödlichen Unfall. In Wahrheit war es ein Selbstmord: Frédéric hat sich umgebracht, weil ihm Angèle genommen wurde.