Tous les films

Tout juste sorti de l'hôpital psychiatrique, Ricki, 23 ans, séquestre Marina, une actrice de porno dont il est amoureux fou. Il veut devenir son mari et le père de ses enfants. Comment résister à la vérité émotionnelle de ces personnages à la fois dérisoires et sublimes ? À partir d’un simple thriller avec des otages, Pedro Almodóvar se livre à une étude mordante des jeux de pouvoir au sein du mariage, tout en se moquant de la petite-bourgeoisie espagnole. Entre comédie noire, film à suspense et mélodrame coloré, ce film sauvage a fait l'objet de controverses lors de sa présentation à la Berlinale de 1990, avant de gagner les faveurs du public et de devenir un film-culte. C’est en partie grâce à ce film qu’Antonio Banderas a percé et gagné son ticket pour Hollywood. Figure marquante des films d'Almodóvar jusqu'au mitan des années 1990, Victoria Abril est tout aussi convaincante. Ceci sans oublier qu’un certain Ennio Morricone a composé la musique du film.

Enceinte, Leysa a été condamnée pour le meurtre de son mari. C’est donc en prison qu’elle donnera naissance à son enfant, et elle pourra le garder auprès d’elle pendant trois ans. Iryna est, elle, la gardienne de cette section particulière de l’établissement pénitentiaire où sont détenues les futures mères et les jeunes mamans. Deux destins se croisent dans cette fiction qui n’en est pas vraiment une. La réussite de 107 Mothers tient au processus choisi: à mi-chemin entre le documentaire et la fiction. Leysa est incarnée par une actrice, mais tous les autres protagonistes sont réellement les gardiennes et les prisonnières de cette prison d’Odessa où est tourné le film. De ce parti-pris de vérité, de cette observation quasi anthropologique de la vie en prison, résulte, presque paradoxalement, une oeuvre de fiction d’une grande sensibilité.

Début des années 90. Alors que le sida tue depuis près de dix ans, les militants d'Act Up-Paris multiplient les actions pour lutter contre l'indifférence générale. Nouveau venu dans le groupe, Nathan va être bouleversé par la radicalité de Sean qui consume ses dernières forces dans l'action.

Nora et Léo se rencontrent le jour de la rentrée en classe de seconde. Leurs regards se croisent et tout est dit. Nora vit dans un HLM, Léo dans un quartier résidentiel. Le frère de Nora, Tarek, travaille comme manutentionnaire à l’hypermarché local. Accusé de vol, il clame son innocence, mais le directeur du magasin ne veut rien entendre et le renvoie sur le champ. Le directeur, c’est Franck, le père de Léo. Les deux familles s’affrontent, les différences s’exacerbent et le chaos s’installe. Les vies de Nora et Léo s’embrasent et virent à la tragédie… Réalisateur Philippe Lioret présente une version contemporaine de « Roméo et Juliette ».

Chili, 1976. Tandis que sévit la répression, Carmen part superviser la rénovation de sa maison de vacances en bord de mer. Un prêtre lui demande alors de s’occuper d’un jeune homme blessé, en secret... Réalisé par la cinéaste chilienne Manuela Martelli et sélectionné à Cannes, 1976 est un polar de haut vol, qui décrit la dictature en adoptant le point de vue inédit d’une femme de la bourgeoisie.

Cocó a huit ans et ne veut plus qu’on l’appelle par son nom de naissance, Aitor. Mais pendant les vacances d’été dans sa famille au Pays basque, son souhait est ignoré par presque tout le monde, en particulier par sa grand-mère de nature plus traditionnelle. Sa mère Ane tente d’être présente pour elle malgré ses propres histoires, mais c’est auprès de sa grand-tante, qui poursuit imperturbablement son chemin d’apicultrice, que Cocó trouve enfin de la compréhension. Elle trouve ainsi la confiance nécessaire pour défendre sa propre identité et s’accepter. « 20’000 espèces d’abeilles » est le premier long métrage de la talentueuse Estibaliz Urresola Solaguren dans lequel des femmes de trois générations se penchent sur les questions d’identité. La réalisatrice parvient à montrer de manière sensible la complexité de la famille et l’acceptation de soi. Le film est porté par la jeune Sofía Otero, qui a reçu l’Ours d’argent de la meilleure interprétation à la Berlinale pour son rôle de Cocó.

Sur le chemin de Berlin au Portugal dans son camping-car rouillé '303', la jeune étudiante en biologie Jule prend l'auto-stoppeur Jan. Tout en ayant des conversations intenses sur la société, le monde et la nature de l'homme, ils essaient de ne pas tomber amoureux. Hans Weingartner («Die fetten Jahre sind vorbei») lui-même dit: «‹303› est pour ainsi dire le ‹film Anti-Tinder›. Au lieu de 3 secondes de wipe-and-go, le lent rapprochement de deux âmes.»

Kate et Geoff Mercer sont un couple heureux. En pleins préparatifs de leurs 45 ans de mariage, Geoff apprend que son ex-compagne, morte il y a 50 ans dans un accident, a été retrouvée dans les Alpes suisses. Tandis qu’il se retire dans un monde lointain fait de souvenirs, Kate s’efforce de réprimer l’incertitude naissante. En apparence, les choses semblent continuer comme avant mais en réalité, le couple perd ses repères … Avec « 45 Years », le réalisateur Andrew Haigh (« Looking », « Weekend ») réussit à créer un chef-d’oeuvre subtil aux multiples facettes. Dans les rôles principaux, Charlotte Rampling et Tom Courtenay livrent une interprétation brillante. C’est à juste titre que ces deux acteurs ont chacun été récompensés par un Ours d’argent au festival de Berlin. « 45 Years » raconte l’histoire à portée universelle de deux personnes habituées l’une à l’autre, subitement assaillies de sentiments qui mettent une distance entre elles.

Moha, Valero et Pep vivent à Barcelone et travaillent dans une entreprise de plomberie. Moha effectue une période d'essai et doit remplacer Pep, qui va bientôt prendre sa retraite. Malgré sa timidité, il s'entend bien avec les clients - seul Valero a un problème avec lui. La semaine pendant laquelle les trois travaillent ensemble ne suffira probablement pas pour qu'ils se lient d'amitié. Mais c'est assez de temps pour se rendre compte que c'est ensemble qu'on peut y arriver. Un petit pas pour un plombier, mais un grand pas pour l'humanité.

Bigna, scientifique de 28 ans, contrôle toute son existence - y compris sa vie sexuelle, énigmatique. Frank, 33 ans, cherche quant à lui un sens à la sienne en se nourrissant de l’affection des autres et en plongeant dans l’obscurité des paradis artificiels. Deux trajectoires contradictoires qui se rencontrent, se lient l’une à l’autre, jusqu’à l’obsession d’un amour fou. Dans son film, Jan Gassmann aborde la sexualité et les rapports sentimentaux. Il raconte de façon captivante une génération dont les représentations traditionnelles de l’amour sont en plein bouleversement.

Jonathan Katz est persuadé que Bernie Sanders, candidat aux présidentielles américaines, est le seul espoir de transformation du pays. Porté par cet enthousiasme, il milite avec des milliers d’autres activistes pour le sénateur, mais alors que les primaires touchent à leur fin et que Sanders lui-même s’avoue vaincu, il n’abdique pas et accuse le parti démocrate d’avoir fraudé à de multiples reprises et d’être responsable de la défaite de celui que tout le monde appelle Bernie. The Last Campaign, le 2ème volet du diptyque de Lionel Rupp consacré aux élections américaines sortira dans les cinémas romands le 21 septembre 2022.

Chiara, 16 ans, vit dans une petite ville de Calabre, entourée de toute sa famille. Pour les 18 ans de sa soeur, une grande fête est organisée et tout le clan se réunit. Le lendemain, Claudio, son père, part sans laisser de traces. Elle décide alors de mener l’enquête pour le retrouver. Mais plus elle s’approche de la vérité qui entoure le mystère de cette disparition, plus son propre destin se dessine.

Pio a 14 ans et veut grandir vite. Comme son grand frère Cosimo, il boit, fume et apprend l’art des petites arnaques de la rue. Alors le jour où Cosimo n’est plus en mesure de veiller sur la famille, Pio va devoir prendre sa place. Mais ce rôle trop grand pour lui va vite le dépasser et le mettre face à un choix imposible.

Une Chevrolet Impala de couleur orange circule dans un cimetière au milieu d’un désert en direction d’une épave d’un bateau. Nous sommes le 22 janvier 1965, le premier ministre de l’époque, Hassan Ali Mansour, est assassiné. A l’intérieur de l’épave, un prisonnier politique s’est pendu. Les parois sont couvertes de notes d’un journal et de symboles étranges. Ces indices vont-ils aider le policier Babak Hafizi dans son enquête? Vont-ils apporter la lumière sur le fait que chaque enterrement dans ce cimetière est suivi d’un tremblement de terre? Mani Haghighi (Modest Reception) remet le couvert avec ce thriller déjanté qui réinterprète des évènements réels selon la logique très personnelle du réalisateur. «Avec Ejheda vared Mishavad!, une compétition moyenne se conclut avec une œuvre d’un niveau particulièrement élevé» (Focus)

Printemps 1945, l’Allemagne nazie s’effondre. L’ambassadeur de Suisse Heinrich Zwygart fuit Berlin bombardée, après 8 ans de service au cœur de la capitale du Reich. C’est la fin d’un mandat dantesque, au cours duquel il a dû faire de terribles compromis pour défendre la neutralité et la sécurité de son pays. Alors qu’il retrouve sa famille, dans sa Suisse natale préservée de la dévastation, l’arrivée de la paix met Zwygart dans une position délicate. Comment justifier la politique suisse plus que favorable à l’Allemagne à l’heure où les Alliés et les Russes libèrent l’Europe et qu’ils s’interrogent sur le comportement de la Confédération pendant la guerre ? Pour que la Suisse termine du côté des vainqueurs après la guerre, quelqu’un va devoir payer. Hanté par son passé, luttant pour s’assurer un avenir, mais conduit par son ambition, Zwygart sent le piège se refermer sur lui. Il a traversé la guerre, survivra-t-il à la paix ? L'acteur principal Michael Neuenschwander a été nominé pour la meilleure interprétation masculine au Prix du Cinéma Suisse 2023.

La syllogomanie – un exercice d'équilibre entre génialité et surmenage. Les syllogomanes maîtrisent-ils le chaos ou est-ce le chaos qui les maîtrise? Le film nous plonge dans le quotidien de quatre syllogomanes. Nous voyageons au sein de ces grottes qui renferment des trésors, nous découvrons leurs inventions géniales, leur bricolage dangereux et fouillons dans leurs immenses archives. Nous nous retrouvons plongés au sein de conflits que leur différence entraîne et qu'ils doivent pourtant surmonter, conflits avec leurs parents, leurs voisins, les institutions. Un regard intime sur un phénomène qui se révèle tout aussi irritant que fascinant.

Rahim, père divorcé, est en prison parce qu’il n’est pas en mesure de rembourser ses dettes. Pendant une permission de sortie de deux jours, il échoue à persuader son créancier de retirer sa plainte. Malgré cela, il force l’admiration en restituant à sa propriétaire un sac de pièces d’or au lieu de le garder pour lui. Ce geste désintéressé attire aussitôt l’intérêt des médias et Rahim est célébré comme un héros moral… Cependant, la gloire attire les doutes et les interrogations : cet acte héroïque est-il vraiment le fruit du hasard – ou ne s’agit-il pas plutôt d’une mise en scène orchestrée par Rahim lui-même ? Présenté en compétition à Cannes, « Un Héros » a été acclamé par la critique et récompensé par le Grand Prix du Jury. Lauréat de deux Oscars (« Le Client », « Une Séparation »), Asghar Farhadi revient avec ce drame sensible dans son Iran natal. Le réalisateur montre avec acuité une société prête à traiter les gens sans discernement, passant de l’adoration à la haine en un tournemain. Dans le rôle de Rahim, Amir Jadidi donne profondeur et relief à cette histoire subtile et poignante, en jouant avec brio un personnage qui risque gros.

Tunis, juste avant la chute du président Ben Ali. Farah vient d’avoir son bac, rêve de musique et joue dans un groupe de rock contestataire. Elle aime, boit et chante dans des cafés où il n’y a que des hommes. Sa mère a peur et voudrait la protéger contre elle-même. Leyla Bouzid nous offre un film d’une vivacité incroyable et, d’une certaine manière, un hommage à une jeunesse qui voudrait vivre, elle aussi. Une jeunesse tunisienne Été 2010. Farah vient de réussir son bac avec mention. Sa famille fait la fête et la voit déjà étudier la médecine. Mais ce n’est pas ce que voudrait la jeune fille qui chante dans un groupe de rock contestataire et rêve de faire musicologie. Alors elle sort la nuit, malgré les promesses faites à sa mère, boit et chante, aime, enfin, Borhène, le parolier et leader du groupe. Elle fait tout cela avec la fougue et l’énergie de la jeunesse. Sa mère essaie bien de la brider en l’absence de son père qui travaille loin de Tunis. Mais rien n’y fait, elle veut vivre, à l’image de toute une jeunesse qui supporte de moins en moins la police secrète de Ben Ali. Celle-ci commence à s’intéresser à ce groupe qui prend trop de libertés: des concerts sont annulés et un ami de sa mère, la prévient: sa fille est en danger elle aussi. Hayet décide alors d’envoyer Farah à Gafsa, rejoindre son père. Au moment de prendre le taxi collectif, Farah disparaît.Leyla Bouzid insuffle autant d’énergie dans son premier film que la jeune Baya Medhaffer met à incarner son personnage de Farah. La caméra de Sébastien Goepfert suit le mouve-ment avec la même fougue, captant les envies de liberté de la jeune fille et de ses amis avec une maestria remarquable. À peine j’ouvre les yeux est un film fait de coups de poing, où s’opposent les émotions des protagonistes du récit. Aux envies de vivre de la fille, la mère répond par l’inquiétude et la crainte, donnant l’image d’une femme conservatrice. Puis, tout bascule avec la disparition de sa fille, une autre femme apparaît, courageuse, prête à mordre. Leyla Bouzid saisit et met en scène ce changement d’atmosphère, où l’angoisse prend le pas sur l’envie de vivre, avec autant de justesse qu’elle suivait les escapades des jeunes gens. Quelques mois avant la chute du président Ben Ali, voici un superbe instantané du climat régnant en Tunisie. Pas de démons-tration, juste du beau cinéma. Martial Knaebel

Exactement, alors qu’Emma voudrait que rien ne change dans la vie de sa famille, Caroline, qui est plus âgée, accepte plus facilement le changement de sexe de son père. Kaya, l’actrice qui joue la jeune Emma, a une histoire singulière : son père est sourd. Elle savait parfaitement, pour l’avoir intégré depuis longtemps, ce que représentait le fait d’aimer quelqu’un considéré comme « différent ». Moi-même, j’ai été très transparente avec les filles : elles savaient que le film était inspiré de ma propre expérience. Mais j’ai été surprise par le peu de fois où nous avons eu besoin d’en parler. Elles ne m’ont jamais sollicitée pour savoir comment j’aurais réagi dans telle ou telle situation. Je tenais à l’idée qu’ils n’avaient pas à devenir mon père, ma sœur, ou moi. Nous travaillons sur des personnages de fiction, pas un biopic!

Julie se démène seule pour élever ses deux enfants à la campagne et garder son travail dans un palace parisien. Quand elle obtient enfin un entretien pour un poste correspondant à ses aspirations, une grève générale éclate, paralysant les transports. C’est tout le fragile équilibre de Julie qui vacille. Elle va alors se lancer dans une course effrénée, au risque de sombrer. Le deuxième film d'Eric Gravel a été présenté au programme Orizzonti du Festival de Venise 2021, où il a remporté les prix du meilleur réalisateur et de la meilleure actrice.

Simin voudrait quitter l’Iran avec son mari Nader et leur fille Termeh. Elle a entrepris toutes les démarches nécessaires et tout réglé en prévision de leur départ. C’est alors que son mari lui fait part de ses scrupules : il ne veut pas abandonner son père qui souffre de la maladie d’Alzheimer. Nader annule le voyage. Simin dépose alors une requête de divorce auprès du tribunal des affaires familiales. Sa requête étant rejetée, elle quitte le domicile conjugal et retourne vivre chez ses parents. La petite Termeh décide de rester avec son père tout en espérant que sa mère reviendra bientôt à la maison. Confronté aux nouvelles circonstances, Nader a du mal à se débrouiller, ne serait-ce que par manque de temps. Il engage alors une jeune femme pour s’occuper de son père malade. Razieh est enceinte et elle accepte cet emploi sans en informer son mari. Un jour, en rentrant du travail, Nader trouve son père tout seul à la maison ; le vieil homme déficient est en outre attaché à une table. Quand Razieh est de retour, la réaction de Nader a des conséquences tragiques qui bouleversent non seulement sa propre existence mais affectent aussi l’image que sa fille avait jusqu’alors de lui.

Trois sœurs n’ont qu’une envie: quitter leur village et trouver à travailler à la ville. En installant son histoire d’amour et de rivalités familiales dans un village isolé, enserré par des montagnes enneigées, Emin Alper a trouvé le parfait équilibre entre la structure dramatique du théâtre et un cinéma ample où le conte fantastique épouse naturellement la chronique réaliste.

Max, Willie et Julie Epstein furent les rois de la musique klezmer. Ils avaient commencé leur carrière il y a 80 ans, à New York, sous le nom de «The Epstein Brothers». Ils jouaient lors de ces fêtes qui pouvaient durer des jours et qui étaient organisées pour l'arrivée des immigrants juifs. Leur musique, tout comme leur public, venaient d'Europe de l'Est. Leurs chansons pouvaient être aussi exubérantes et joyeuses qu'elles pouvaient être tristes et sentimentales. Lors des fêtes et des mariages, on avait coutume de chanter, danser et pleurer. Dans les années 80, la musique klezmer et les Epstein Brothers ont suscité un regain d'intérêt. Ce fut le grand retour des rois de la musique klezmer qui, cette fois-ci, conquirent le public des salles de concerts les plus renommées d'Europe et des Etats Unis. Si, à l'époque, les «klezmorim» étaient considérés comme des journaliers ou des vagabonds, ils sont aujourd'hui salués comme de grands artistes. Un succès tardif qui n'étonne plus que les Epstein Brothers eux-mêmes.

Dahai reproche à son patron de s’enrichir sans vergogne sur le dos de ses employés. Puisqu’il n’arrive pas à se faire entendre, cet ouvrier mineur décide de se faire justice lui-même. Yo est hôtesse d’accueil dans un sauna d’une mégapole chinoise. Elle a une liaison avec un homme marié qui lui promet sans cesse de se séparer de sa femme. Quand un client du sauna la drague avec un peu trop d’insistance, la frustration de Yo explose avec violence. Tout comme Dahai et Yo, San, aux finances précaires, et l’ouvrier Hui, chahuté d’un boulot à l’autre, sont contraints d’employer des moyens extrêmes pour défendre leur dignité. En Chine, l’industrie et l’économie connaissent un formidable essor dans certaines régions. De nombreux hommes et femmes quittent leur foyer pour trouver du travail ailleurs dans le pays. Les liens sociaux s’en retrouvent pulvérisés. C’est dans ce contexte que le réalisateur Jia Zhangke (lauréat en 2006 du Lion d’Or au Festival de Venise pour «Still Life») a créé son nouveau film. Les histoires vraies de ses quatre protagonistes forment une œuvre étonnamment critique pour la Chine. Jia Zhangke dénonce les dysfonctionnements sociaux avec hargne et beaucoup d’humour noir. Le réalisateur a remporté le prix du scénario au festival de Cannes pour son film «A Touch of Sin» audacieux et aux images fortes.

Le jeune Ku Shen Chai, artiste dans la Chine de la dynastie Ming, vit près d'une forteresse abandonnée qui semble être hantée. Des sons mystérieux l'y attirent et il rencontre la belle Yang Hui Ching, qui vit là avec sa mère. Ce film féérique est le chef-d'œuvre fondateur du genre Wuxia. Il a inspiré des succès tels que «Crouching Tiger, Hidden Dragon» de Ang Lee.

Dans une petite ville perdue d’Islande, un commissaire de police en congé soupçonne un homme du coin d’avoir eu une aventure avec sa femme décédée dans un tragique accident deux ans plus tôt. Sa recherche de la vérité tourne à l’obsession. Celle-ci s’intensifie et le mène inévitablement à se mettre en danger, lui et ses proches. Une histoire de deuil, de vengeance et d’amour inconditionnel.

Le succès d’A-HA, Take On Me, reste l’une des chansons les plus jouées du dernier millénaire. Ce film suit le groupe sur une période de quatre ans, racontant comment trois jeunes hommes ont réalisé leur rêve impossible de devenir célèbres. Lorsque Take On Me a atteint la première place du Billboard aux États-Unis en 1985, ce rêve est devenu réalité. Près de 35 ans après leur percée, a-ha crée toujours de la magie sur scène avec sa musique mélancolique et intemporelle. Ils font des tournées dans le monde entier mais voyage dans des voitures séparées et restent à l’écart dans les coulisses. Ils ne se rencontrent que sur scène, en faisant la seule chose qu’ils aiment. Le film décrit de près la dynamique créative et personnelle difficile d’un groupe composé de trois individus forts. C’est une histoire de grande musique, de grandes ambitions, d’amitié brisée – et peut-être de pardon.

Alvar Aalto, un des grands maîtres de l’architecture et du design européen, est considéré comme le père du modernisme. Ce Finlandais a transformé les espaces et les objets en oeuvres – on citera entre autres la Bibliothèque de Viipuri ou le Vase Aalto devenu entre temps, avec ses formes asymétriques, un classique du design. Le film nous raconte l’histoire d’Alvar Aalto, le visionnaire, et d’Aino Aalto, sa femme, qui a mis en pratique ses projets d’architecture moderne à base de bois, ainsi que ses concepts de design hors du commun. Ce couple peu conventionnel avait une passion commune pour les constructions organiques et une architecture à vocation humaine. Ils développèrent des valeurs démocratiques, pour concevoir un monde moderne au coeur duquel devait se trouver « l’homme simple ». C’est ainsi qu’ils reprirent l’idée du Bauhaus pour l’étendre au Nord de l’Europe tout en le remodelant de manière spectaculaire. La réalisatrice, Virpi Suutari, raconte la vie et l’oeuvre de ce duo de créateurs ainsi que leur amour si particulier.

Charlemagne Ablakon vit dans une riche villa moderne dans un quartier d’Abdidjan. C’est un escroc doté d'un sens des affaires bien particulier. Volontiers coureur et charmeur, ses succès auprès des femmes lui valent bien des ennuis. De retour à son village, il envoûte jeunes et vieux en leur faisant miroiter l'attrait de la grande ville où régnerait l’argent facile. Il propose aux villageois de participer à une entreprise de lotissement, mais il aurait besoin de leur argent. Yapi, un jeune parti en ville pour faire fortune, revient à temps pour le démasquer. Comédie dont Gnam M’Bala a le secret, Ablakon est un portrait incisif de la société urbaine essayant de vivre aux crochets de celle des villages.

En liberté conditionnelle, Kadir cherche à reprendre contact avec son jeune frère Ahmet dès sa sortie de prison. Mais ce dernier ne semble pas intéressé à renouer avec son aîné. Autour d’eux, c’est le chaos total, les bruits de bottes succèdent aux explosions. C’est un Istanbul apocalyptique que nous montre Emin Alper dans un suspens haletant de bout en bout. De la suspicion à la folie Nous sommes dans un avenir à la fois proche et indéfini. Istanbul est secoué par des explosions presque quotidiennes. Des groupes armés se dissimulent dans les bidonvilles qui entourent la ville et que la police chasse sans ménagement. C’est ce climat de suspicion, de peur et de violence que découvre Kadir à sa libération. Il a été condamné à vingt ans de prison pour crime. Deux ans avant l’accomplissement de sa peine, on lui octroie une liberté conditionnelle pour autant qu’il intègre un groupe chargé de fouiller les ordures pour y trouver des objets qui pourraient servir ou avoir servi à la fabrication de bombes. Le premier geste de Kadir est de rendre visite à son jeune frère qu’il a quitté alors qu’il n’était qu’un enfant. Cependant, Ahmet ne semble pas enclin à renouer les contacts avec son aîné. Il est engagé par la municipalité pour tuer les chiens errants. Mais il en soigne un en cachette dans sa maison. Affolé à l’idée d’être découvert, il ne répond pas aux appels de son frère. Kadir est alors persuadé qu’il est retenu en otage ... Nul besoin de lourds et dispendieux effets spéciaux pour créer une atmosphère paranoïaque et anxiogène. Amin Alper a su choisir ses décors, user de la lumière, travailler la bande son et, surtout, diriger des acteurs hors pair pour créer un climat de suspens et de malaise qui scotche le spectateur à son fauteuil. Le réalisme des scènes de jour et d’extérieur, où Kadir et Ahmet vont travailler chacun de leur côté, s’opposent aux nuits solitaires et fantasmatiques des deux hommes dont le montage subtile entrelace les cauchemars et les hallucinations de l’un ou de l’autre au milieu du silence oppressant d’une ville où les vrombissements des lourds convois militaires répondent aux secousses des explosions nocturnes. Abluka démonte superbement le mécanisme qui, de la suspicion, mène à la folie.

Ahmad, qui vit depuis longtemps en Allemagne, est de retour en Iran pour un bref séjour et ses anciens amis d’université décident de passer trois jours de vacances ensemble au bord de la mer Caspienne. Sepideh, une des femmes du groupe, de caractère très enjoué, a pris en charge l’organisation du séjour. Elle a également convié au voyage Elly, l’institutrice de sa fille qui est en maternelle, et ceci à l’insu des autres participants. Ahmad, qui sort d’un mariage malheureux avec une Allemande, est désireux de refaire sa vie avec une Iranienne et les amis se rendent compte peu à peu de la raison pour laquelle Sepideh a invité Elly. Elle va désormais capter toute leur attention, les uns et les autres lui trouvant mille qualités. Le second jour, alors que tout se passe bien et que la joie et l’harmonie sont au rendez-vous, un incident survient au cours duquel Elly s’éclipse dans la nature. L’ambiance joyeuse disparaît d’un seul coup et l’harmonie fait place aux diverses spéculations des amis sur le pourquoi et le comment de la disparition d’Elly. Ils contactent sa famille qui ne leur apprend rien de neuf ; l’inquiétude se transforme en panique. Les amis analysent alors de façon critique les entretiens du premier jour et les conversations téléphoniques avec la famille d’Elly. Finalement, Sepideh est même mise en cause pour avoir invité Elly, ce qui a perturbé leurs vacances. En deux jours, le jugement du groupe vis-à-vis d’Elly a viré du tout au tout - jusqu’au dernier jour de vacances où la réalité se révèle.

Après « A Girl at My Door » (2014), l’histoire d’une jeune commissaire qui prend sous son aile une collégienne martyrisée par son entourage, la réalisatrice sud-coréenne July Jung est de retour avec un long-métrage de la même eau rare. Tiré d’un fait réel, « About Kim Sohee » est un film porté par un magnifique duo d’actrices, qui oscille avec délicatesse entre drame et polar. Lycéenne passionnée de dance-pop, Sohee (Kim Si-eun) est une jeune femme courageuse, entourée d’amies qui se débattent pour gagner leur vie. Envoyée en stage par son école, elle se retrouve dans le call center d’une boîte de télécom, où elle est chargée de vendre des abonnements et surtout d’éviter coûte que coûte les résiliations. Sous pression comme toute l’équipe composée majoritairement de femmes, Sohee est coachée de manière insidieuse et jugée en permanence sur ses résultats, à tel point que le stage vire au cauchemar… Tandis que se multiplient les événements macabres, une inspectrice volontaire, Oh Yoo-jin (Bae Doo-na), enquête sur l’entreprise, mettant au jour ses pratiques oppressantes. Grâce à une mise en scène d’une intelligence lumineuse, July Jung laisse peu à peu affleurer la profondeur de ses deux personnages et exprime leur courage face au système ultralibéral qui broie non seulement les employées, mais aussi les managers et la basse hiérarchie. Passant du drame intime à l’enquête policière, la cinéaste atteint une dimension universelle en scrutant la complexité d’une chaîne de responsabilité guidée par les impératifs de rentabilité, qui n’hésite pas à se défausser et à recourir à l’humiliation. En résulte un film d’une grande beauté, féministe et révolté.

Violoniste de talent, Laerte n’a pas réussi à intégrer l’orchestre symphonique de l’État de São Paulo et est contraint d’enseigner la musique à des adolescents à l’école publique d’Heliópolis. Malgré les difficultés, le pouvoir de transformation de la musique et l’amitié qui se développe entre le professeur et ses élèves lui ouvrent les portent d’un nouvel univers.

Dans l’une des petites ruelles de la vieille médina de Casablanca, Abla, veuve, possède une petite boulangerie fine. Ses journées sont bien remplies avec la fabrication et la vente de ses pains et pâtisseries, sans compter sa fille de huit ans, Warda, qui demande aussi sa part d’attention. Un après-midi, Samia, une jeune femme enceinte, frappe à la porte d’Abla. Elle cherche un endroit pour passer la nuit et propose de l’aider à la maison et à la boulangerie. Abla n’est pas intéressée, mais la petite Warda et son grand coeur adoptent Samia immédiatement… La réalisatrice Maryam Touzani raconte une histoire universelle, sur l’amitié entre deux femmes très différentes, sur la solidarité féminine, la maternité et l’art sensuel de travailler la pâte. Son film est porté par la beauté saisissante de ses images et par le jeu très inspiré des deux interprètes Lubna Azabal et Nisrin Erradi. Présenté en première mondiale au Festival de Cannes, « Adam » est le premier film réalisé par une femme que le Maroc a choisi pour le représenter aux Oscars. Une perle cinématographique, profonde et légère à la fois.

En 2009, le corps d’Alice B. est retrouvé sur une plage africaine. Aux côtés du cadavre de l’Européenne blanche de 30 ans gisent ceux d’une douzaine de migrants noirs. Huit ans après ce drame, Pierre-Alain Meier se rend au Sénégal dans l’espoir de comprendre l’histoire de ce naufrage. À l’âge d’Alice, il arpentait les rues de Dakar en vue d’y produire le film Hyènes. Comme elle, il était un Blanc en Afrique. Comme elle peut-être, il aurait voulu ne pas être si différent de ses amis et collaborateurs africains, ne pas être si visiblement d’ailleurs. Sur les traces d’Alice, le réalisateur met aujourd’hui sa propre histoire en perspective, nous donnant accès avec pudeur et tendresse à ses paysages les plus intimes. Adieu à l’Afrique suit le chemin d’un dernier voyage et se propose d’investiguer les rapports complexes, riches et asymétriques qui n’ont cessé d’exister entre l’Europe et l’Afrique francophone. (Luciano Barisone)

Argentine, 2001. Propriétaire d’un petit magasin de chaussures à Buenos Aires et musicien passionné, Julio Färber (Diego Cremonesi) joue du bandonéon dans un orchestre de tango. Face à la crise économique qui fait rage et au chaos politique, il ne voit pas d’autre choix que d’émigrer en Allemagne, le pays natal de sa mère. Les événements prennent cependant une tournure inattendue: à la suite d’un accident de voiture, il fait la connaissance de Mariela (Marina Bellati), conductrice de taxi au caractère bien trempé et maman d’un petit garçon prénommé Pablito. Si elle commence par lui taper sur les nerfs, il ressent bientôt des sentiments nouveaux pour elle. Dans le même temps, le vieux mais toujours alerte Ricardo Tortorella (Mario Alarcón), véritable icône du tango d’antan, rejoint l’orchestre de tango de Julio, qui trouve ainsi une nouvelle voix et un peu de sa superbe. Julio doit-il les abandonner toutes et tous pour une vie qu’il espère plus stable? Dans une Europe où il n’y pas tant de fans de tango? Premier long-métrage du réalisateur argentin German Kral, «Adiós Buenos Aires» revient sur la catastrophe de l’Argentine en 2001 pour raconter le quotidien des gens avec pudeur et sensibilité.

Les tableaux du Thurgovien Adolf Dietrich, artiste naïf suisse parmi les plus renommés, ont fait le tour du monde, du Musée des Beaux-Arts de Winterthour au MoMA à New York. Mais Dietrich, lui, est resté toute sa vie dans son village et a peint ce qu’il aimait et le fascinait, souvent depuis la fenêtre de sa chambre ou son jardin: les enfants des voisins, les bouquets de fleurs, les animaux domestiques, les paysages alentours, les rues du village et le lac de Constance. Dans le documentaire qu’il lui a consacré en 1991, Friedrich Kappeler est parti à la rencontre des personnes qui ont connu le fameux peintre de Berlingen: son neveu, des modèles, un employeur, des collectionneurs… La plupart étaient déjà très âgés, mais lorsqu’on les entend parler de Dietrich, on remarque aussitôt qu’ils brillent et qu’ils rient. Kappeler a donc fait le lien avec ces témoins de l’époque et son film constitue un voyage divertissant à travers les paysages de l’Untersee et des tableaux magnifiquement photographiés. Une escapade au cours de laquelle on en apprend non seulement beaucoup sur le peintre, mais aussi sur la vie à l’époque.

«Les Chinois fabriquent les objets, les Malgaches les réparent.» Il y a ceux qui font des chaussures à partir de pneus, ceux qui fabriquent des lampes à partir de boîtes de conserves, ceux qui fabriquent du savon et des médicaments à partir d’os de zébus… Rien ne se perd, tout se transforme. À Madagascar, les gens défient la crise avec inventivité sans perdre leur identité et leur sens de l’humour. En s’appuyant sur une tradition orale toujours digne, souvent enjouée ou cocasse, parfois désemparée ou révoltée, mais jamais amère.

Pour construire son scénario, Hirokazu Kore-eda invita plus de 500 gens ordinaires à raconter leur souvenir le plus important. Au final, il engagea un bon nombre d'entre eux pour relater leur propre histoire dans After Life. C'est l'esprit de ce film que d'entremêler, de transcender avec sensibilité et intelligence, réalité et fiction. A l'instar de son précédent film, Maboroshi no hikari, magnifique jeu d'ombres et de lumières, Hirokazu Kore-eda ouvre les âmes, explore les interstices entre mémoire et oubli, entre paradis perdu et sensation fugitive du bonheur. A sa manière, sereine, amusée, sans pathos ni effets esthétisants, Kore-eda nous livre des questions sur l'aspect chimérique de la mémoire: se souvenir, c'est quoi en fait? Un geste tendre? Une sensation de fraîcheur? Sommes-nous réellement capables de décrire avec précision et force détails le décor et les circonstances d'un instant heureux? N'est-ce pas le paradis de pouvoir tout oublier? Pour Kore-eda, nul doute que la mémoire est un phénomène évolutif et collectif, étroitement lié à l'identité de chacun. Mochizuki, l'un des anges-passeurs, ne reévalue-t-il pas sa propre vie en découvrant qu'il est au centre d'un souvenir heureux de quelqu'un d'autre? After Life est autant un film sur le cinéma que sur la mémoire.

Mary Hussain s'est convertie à l'islam lorsqu'elle a épousé son mari Ahmed. Le couple mène une vie de reclus dans la ville portuaire de Douvres, dans le sud-est de l'Angleterre quand survient la mort inattendue d’Ahmed. Mary découvre alors qu'il avait une famille secrète à seulement vingt et une lieues de là, de l'autre côté de la Manche, à Calais. Choquée par cette découverte, elle s'y rend pour en savoir plus sur la double vie de son mari. Dans sa quête de compréhension, elle doit faire face à des conséquences surprenantes. L'impressionnant premier film d'Aleem Khan a été sélectionné par la Semaine de la Critique à Cannes en 2020.

Après la libération du régime colonial néerlandais, le héros révolutionnaire Iskandar retourne à la vie civile. Il doit se rendre compte que les idéaux pour lesquels il s'est battu ne sont pas vraiment vécus. «After the Curfew» est un ouvrage passionnant qui traite directement d'un moment décisif du conflit dans l'histoire indonésienne : les conséquences de la révolution républicaine de quatre ans qui a mis fin à la domination néerlandaise. C'est un film visuellement et dramatiquement obsédant sur la colère et la désillusion et sur le rêve d'une nouvelle société. Le réalisateur Usmar Ismail est largement considéré comme le père du cinéma indonésien. Il a commencé sa carrière en tant que dramaturge et fondateur de Maya, un collectif dramatique formé pendant les années d'occupation japonaise. Et c'est à cette époque qu'Ismail a développé un intérêt pour la réalisation de films. After the Curfew est le plus grand succès critique et commercial d'Ismail et est considéré comme un classique du cinéma indonésien.

Un vieux couple de Yakoutes de Sibérie vit isolé dans une des régions les plus désolées et les plus froides du monde. Nanook chasse et pêche, tandis que Sedna tanne les peaux et en fait des vêtements. Mais le gibier se fait rare alors que la glace fond chaque année plus tôt. Le Bulgare Milko Lazarov est allé à l’extrême nord de la Sibérie orientale pour rendre compte de la fin irréversible d’une civilisation. Cantate sibérienne Ils sont minuscules, perdus au loin, au milieu de ces étendues immenses et glacées, filmées en plans larges. Ils sont vieux et seuls: lui perd la mémoire, elle soigne une douleur sur le côté que Nanook ne remarque pas. Le scooter des neiges de Chena est leur seul lien avec le monde au-delà des steppes. Le jeune homme leur apporte du bois, pour le chauffage, et du pétrole, pour la lumière. Il donne aussi des nouvelles d’Ága, leur fille partie travailler au loin, abandonnant les traditions ancestrales. Ce que son père n’a toujours pas pardonné. Il y a cent ans, Robert Flaherty tournait son premier documentaire sur les «esquimaux», comme on les appelait à l’époque. Trois ans plus tard, il retournait dans le Grand Nord canadien pour filmer une famille Inuit dont le chef était Nanook, qui donnera le titre à son film Nanook of the North, marquant le début de l’histoire du documentaire filmé. Si c’est bien une fiction que Milko Lazarov est allé tourner dans la république russe de Sakha, avec des acteurs professionnels du cru, l’hommage rendu à Flaherty est évident, ne serait-ce que par le nom donné au vieil homme. La référence au cinéaste américain pourrait d’ailleurs être poursuivie à propos des frontières entre documentaire et fiction. Autant Flaherty introduisit plusieurs scènes «arrangées» dans son film - ce qui lui fut reproché longtemps -, autant Lazarov, avec Ága, donne des images mises en scène certes, mais fidèles au possible à la réalité, avec un rythme posé et une caméra respectueuse et précise, avec une musique discrète mais émouvante. Le résultat est à la hauteur de l’ambition: éviter le récit cataclysmique convenu pour exprimer la fin d’un monde, en proposant une cantate somptueuse qui rend honneur à toutes ces cultures, au nord comme au sud, qui disparaissent inexorablement. Martial Knaebel

«Aïlo: Une odyssée en Laponie» nous transporte en Laponie. La caméra suit un petit renne sauvage et sa mère. Un parcours en pleine forêt pendant la période de transhumance où les deux héros à quatre pattes devront se battre contre plusieurs prédateurs. Un vrai conte initiatique qui nous fait découvrir les paysages des fjords et de la taïga.

Hideo est un employé modeste et ordinaire. De retour chez lui, chaque soir, il parle de ses journées à Nozomi qui l'écoute en silence. Et pour cause, Nozomi est une poupée gonflable, succédané de compagnie pour cet homme seul. Pourtant, Nozomi est plus que cela, car, Hideo une fois parti au travail, la poupée devient femme. Elle sort, découvre ce monde dont elle ignore tout, avec la naïveté d'une enfant. Elle trouvera même un travail dans une boutique de location de vidéo où elle pourra croire trouver une âme sœur, qui lui ressemble, dans la personne d'un jeune collègue qui lui avoue que, lui aussi, ressent un vide intérieur. Cette nouvelle parabole de Hirokazu Kore-eda décrit une société japonaise, monde industrieux et aseptisé, où les conventions sociales basées sur la réussite professionnelle poussent hommes et femmes dans une solitude que seuls les fantasmes peuvent encore briser. «J'ai appris que si vous voulez qu'une personne se livre, il faut la regarder bien en face. De cette façon, je recréais du naturel. C'est aussi une forme de politesse. Ça ne veut pas dire que je rejette les auteurs qui n'appliquent pas cette façon de faire. Prenez Hitchcock, que j'admire. Il procède différemment, et pourtant lui comme moi cherchons à créer du suspense. Le mien, c'est dans le quotidien qu'il se cache.» Hirokazu Kore-eda

A Jaffa, le jeune Nasri, âgé de 13 ans, et son grand frère Omar vivent dans la peur depuis que leur oncle a tiré sur un membre important d’un autre clan. Malek, un jeune réfugié palestinien d’un camp de West Bank, travaille illégalement en Israël pour financer l'opération que sa mère doit subir. Binj, palestinien, rêve d’un futur agréable avec sa petite amie chrétienne. Dando, un policier juif, recherche désespérément son jeune frère disparu. Des destins croisés au coeur d’une ville déchirée. La réalité telle qu’elle se présente Le quartier d’Ajami, à Jaffa, est un lieu cosmopolite où cohabitent Juifs, Musulmans et Chrétiens. Depuis toujours, la situation est complexe et sensible. La tragique fragilité de l’existence humaine est expérimentée quoti-diennement dans cette communauté cloison-née, où les ennemis sont voisins. Véritable fiction-réalité, alliant la force du documentaire à la finesse de la narration fictive, travail magistral (7 ans ont été nécessaires à la fabrication du film), Ajami est une oeuvre puissante, dérou-tante et unique, qui tente de dépasser les clivages religieux afin de présenter la réalité telle qu’elle est, véritablement. Submergés par la violence de leur réalité respective, les deux réalisateurs, transformant leurs différences en ressources – l’un est un juif israélien, l’autre est un citoyen palestinien d’Israël – ont donc décidé de se plonger ensemble dans le quotidien des habitants d’Ajami, le plus grand quartier arabe de Jaffa. «Nous avons écrit Ajami car nous voulions raconter l’histoire de personnes que nous connaissons et, à travers elles, transmettre quelque chose que nous partageons tous: l’ambivalence tragique de la réalité humaine. Nous ne connaissons pas d’autre endroit exprimant mieux la collision de “mondes” différents que les rues d’Ajami. Ajami est un melting pot de cultures, de nationalités et de perspectives humaines opposées. Notre but était de montrer cette réalité avec la plus grande sincérité.» Yaron Shani & Scandar Copti

Tandis qu'on débat au Parlement de l'interdiction ou non de la prostitution au Japon, plusieurs prostituées mènent une vie agitée dans une "maison" de Yoshiwara, le quartier des plaisirs traditionnels de Tokyo. Toutes ces femmes ont des raisons plus qu'honorables de vendre leur corps aux clients qui fréquentent «Le rêve», que ce soit de payer des dettes, de nourrir une famille ou d'élever un enfant. La première partie de La rue de la honte montre une maison où l'atmosphère sera presque joyeuse. On est alors loin des récit mélodramatiques des films précédents de Mizoguchi. Mais les nuages noirs s'amoncellent sur la tête de ces femmes toujours opprimées ou exploitées sans vergogne par des patrons faussement paternalistes. La noirceur terrible de la dernière partie verra une succession de malheurs frapper tour à tour toutes ces femmes ne leur laissant aucun espoir de sortir de leur triste condition.

Akiko, une belle veuve, est liée d’une profonde affection à sa fille Ayako. Elle s’inquiète du célibat prolongé de cette dernière. Ayako, en effet, refuse de quitter sa mère et éconduit tous ses prétendants. Trois vieux amis de la famille, qui, jadis, furent tous amoureux d’Akiko, se rendent compte qu’il faut au plus vite marier Ayako. Enfin seule, la mère pourrait alors épouser l’un d’eux. C’est ainsi que la jeune récalcitrante rencontre, sous les auspices d’un prétendu hasard, le soupirant que les trois conspirateurs lui destinent, Goto.

Un peu plus de quinze ans après Gare centrale, en 1974, Youssef Chahine réalise Al Asfour (Le moineau). Il y pousse à l'extrême une mise en scène éclatée qui semble partir dans tous les sens, où de multiples histoires débutent chaque fois qu'un nouveau personnage apparaît, où la compréhension de l'ensemble semble n'apparaître qu'à la fin. Il ne s'agit pas pour autant d'un film «à se prendre la tête», car Chahine n'abandonne pas son regard affectueux vis-à-vis des petites gens. Le récit se déroule au printemps 1967, le jeune officier Raouf est envoyé dans la campagne pour arrêter un voleur, Abou Kehder, qui se révèle n'être qu'un sous-fifre employé par un réseau mafieux dont les ramifications vont jusque dans les hautes sphères du pouvoir. Mais Raouf est un poète qui se pose des questions. Il veut arrêter le bandit alors que tout le monde veut le voir mort, dont Cheikh Ahmed qui veut venger la mort de son frère. Lorsqu'il rentre au Caire, sans avoir pu empêcher la mort de Kehder, la guerre des Six jours a commencé. Ces quelques ne reflètent pas l'ensemble de l'intrigue foisonnante, où les développements multiples donnent un aperçu presque documentaire, au-delà de la fiction, de l'atmosphère qui régnait à ce moment-là dans la population égyptienne, fière de son armée, sûre de pouvoir se défendre victorieusement contre l'ennemi israélien. Et c'est dans cette atmosphère et celle qui a frappé le peuple à l'annonce de la défaite, qu'on pourrait voir le personnage principal du film. Dans un très beau texte, le critique de cinéma tunisien Tahar Chikhaoui, évoque, à propos d'Al Asfour, d'une «esthétique de la défaite» découverte par Chahine. Une forme esthétique qui permette de rendre compte, et de porter à l'écran, des sentiments, et de la réalité, de cette défaite qui a consterné les populations du monde arabe. Le moment-clé du film, à la fin, quand la voix de Nasser annonçant sa démission (il s'agissait là de l'enregistrement véritable qu'on entendait) s'est tue. La caméra se promène dans un silence intégral dans les rues du Caire. Puis, un cri, celui d'une femme, et voici la rue qui se remplit, la rumeur qui enfle pour ne devenir qu'un cri: «Non!». Le peuple est dans la rue et refuse la démission du Raïs. Non par idolâtrie, ou par peur, simplement parce que, comme le disait Chahine dans une interview (qu'on trouvera dans le bonus du DVD), «après une telle défaite, on ne peut pas partir comme ça et simplement démissionner pour laisser le peuple tout seul». En raison de sa mise en cause directe du pouvoir dans la responsabilité de la défaite de 67, le film fut interdit et ne put être présenté qu'après la fin de la guerre d'octobre 73. Martial Knaebel

Errant sans but après avoir perdu la mémoire dans un accident de voiture, un homme est recueilli par les occupants d'une ferme de la vallée de la Bekaa, au Liban. Cette ferme se révèle être un lieu secret où ses habitants traitent de la drogue dans un laboratoire. La présence de cet étranger sans nom va entraîner des conséquences dramatiques pour cette communauté clandestine. Ici, bien peu sépare la beauté de l'horreur. Un sentiment de danger latent imprègne les contreforts d'un paysage sublime. La catastrophe guette. Les tensions montent dans les quartiers de la maison. L'identité de cet homme sans passé devient le sujet entêtant alors que les doutes s'insinuent concernant son amnésie. Est-il un docteur ou un mécanicien? Un ange ou un espion? Comme une page blanche, il se prête à tous les fantasmes et finit par devenir un prisonnier. A la fois concret et éthéré, avec une bande-son puissante et des images d'une grande intensité, le film montre un ensemble d'existences mélancoliques avant l'avénement de l'apocalypse alors que la radio annonce la crise politique à venir.

Depuis des générations, la famille Solé passe ses étés à cueillir des pêches à Alcarràs, un petit village de Catalogne. Mais la récolte de cette année pourrait bien être la dernière, car les Solé sont menacés d’expulsion par le propriétaire du terrain qui veut installer un système de panneaux solaires. Confrontée à un avenir incertain, la grande famille habituellement si unie se déchire et risque de perdre tout ce qui faisait sa force. Après le poignant « Été 93 », Carla Simón revient avec « Nos soleils » (Alcarràs). La réalisatrice, qui travaillait elle-même chaque été dans une ferme avec sa famille, parle ainsi de ce thème de manière si concrète, tendre et passionnante qu’elle nous permet de devenir un des membres à part entière de cette famille. Ce film, plein de vie et d’amour, a remporté l’Ours d’or à la dernière Berlinale.

Antoine et Ariane ont eu une longue liaison. Puis elle l’a quitté à cause d’Alexandre et lui est parti à l’étranger. Aujourd’hui Antoine est de retour. Ariane est absente mais un homme lui ouvre la porte… Ariane l’a aussi quitté. Mais qui est Alexandre ? Un film à l’humour léger et rafraîchissant.

En 1900, à Athènes, un brigand échappé de prison répondant au nom d'Alexandre capture et sé-questre des diplomates anglais. Il exige que ses compagnons et lui-même soient amnistiés, en échange de quoi il libérera ses otages. Le motif du bandit d’honneur noué à la figure légendaire d’Ale-xandre permet au cinéaste de traiter de la faillite des idéologies révolutionnaires dégradées en dictatures sanglantes. Martial Knaebel écrit: «Voir et revoir des films de Théo Angelopoulos, c’est entrer dans un univers cinématographique unique, où chaque détail compte, où la longueur des plans permet de s’imprégner, d’étudier, d’apprécier et de jouir de moments de cinéma exceptionnels. Un plaisir qu’on a envie de partager absolument.»

Le maire de Lyon, Paul Théraneau, va mal. Il n’a plus une seule idée. Après trente ans de vie politique, il se sent complètement vide. Pour remédier à ce problème, on décide de lui adjoindre une jeune et brillante philosophe, Alice Heimann. Un dialogue se noue, qui rapproche Alice et le maire et ébranle leurs certitudes.

Québec, fin des années 60, Sylvette et Anglomard accueillent leur 14ème enfant : Aline. Dans la famille Dieu, la musique est reine et quand Aline grandit on lui découvre un don, elle a une voix en or. Lorsqu'il entend cette voix, le producteur de musique Guy-Claude n'a plus qu'une idée en tête... faire d'Aline la plus grande chanteuse au monde. Epaulée par sa famille et guidée par l'expérience puis l'amour naissant de Guy-Claude, ils vont ensemble écrire les pages d'un destin hors du commun. Librement inspiré de la carrière et de la vie de la mégastar Céline Dion.

Koli s’est habitué à la vie de Tirana, où il étudie et a une relation amoureuse avec une jeune étudiante de la bonne société. A l’annonce de la mort de son père, il retourne dans sa province natale pour être confronté à une obscure affaire de dette de sang datant de son grand-père. Koli se retrouve alors au centre d’un tissu de relations sociales qui lui paraissent d’un autre âge, mais qui président toujours à la vie dans ces montagnes perdues d’Albanie. ******************* Deux mondes La vie de Koli à Tirana est celle de beaucoup d’étudiants de par le monde. Etudes, copains et fêtes. Même son retour dans la famille, pour les obsèques de son père, ne diffèrent pas vraiment des funérailles campagnardes auxquelles nous pourrions assister ici. Mais cette normalité se déglingue bien vite et le jeune homme se retrouve au centre d’une vendetta familiale à laquelle il ne comprend rien. Dès lors, les événements s’enchaînent et le jeune homme se fait ballotter, impuissant, par sa famille qui veut le protéger et par les rencontres que provoque sa fuite devant les conséquences mortelles d’une tradition qu’il avait oublié, pris qu’il était par ses études et la vie moderne de la capitale. On est d’ailleurs frappé par le nombre de personnages qui semblent fuir quelque chose ou quelqu’un dans ce film. Le grand mérite du réalisateur Artan Minarolli est d’avoir su éviter les poncifs sous-tendus par un tel sujet. En privilégiant une recherche quasi documentaire de son décor, il donne à la fois un accent de vérité à son histoire, tout en lui donnant une légèreté qui mêle l’humour au drame qui se déroule sur l’écran. En cela, il semble bien s’inspirer du cinéma néoréaliste italien. Il arrive surtout, en jouant sur la «normalité» de Koli, à permettre au jeune spectateur européen, qui verrait le film, de s’identifier au personnage. En fait, des Koli, nous pouvons en rencontrer tous les jours près de chez nous. On a là un autre grand mérite de ce film: celui de nous rendre plus proches d’une jeunesse dont on ignore trop souvent les raisons de sa présence ici, en Suisse, et surtout les conditions dans lesquelles elle est arrivée chez nous. Artan Minarolli a d’ailleurs dédié son film aux quatre-vingt six personnes mortes noyées en 1997 en essayant de fuir leur pays natal. Comme Koli, ils ne demandaient qu’à vivre mieux. Martial Knaebel

Dans le Liban de 2006, Marwan prend la route au départ de Beyrouth, direction le sud, pour retrouver son père. Dans le village de son enfance, il rencontre deux amis de sa famille, qui sont parmi les rares personnes à être restées sur place. Tandis que les combats reprennent tout à coup, Marwan se réfugie avec eux au sous-sol d’une maison miraculeusement préservée des bombes. Les voilà pris au piège. L’artiste et cinéaste libanais Ahmad Ghossein livre une fiction inspirée de son propre vécu, qui revient sur la Guerre de Juillet. Jouant avec le hors-champ, l’espace, la musique et un brin d’onirisme, le film dépasse la dénonciation de l’absurdité de la guerre pour dire, d’un point de vue existentiel et philosophique, tout le désenchantement du Liban.

A Kladno, ville industrielle tchécoslovaque, au milieu des années cinquante, des travailleurs forcés, "ennemis du régime", sont occupés au broyage et à la fonderie de divers objets métalliques, machines à écrire, crucifix, et même saxophones ("instruments bourgeois"). L'affichage de slogans ("le travail est une affaire d'honneur") et la diffusion par haut-parleurs de polkas pour les fondeurs stakhanovistes sont là pour les encourager. Pourtant, un mouvement de grève se fait jour, contestant l'augmentation des normes. Bien que séparés, hommes et femmes parviennent à communiquer. Des sentiments se tissent entre certains. Le jeune gardien Angel, affecté à la surveillance des femmes, se marie avec une Tzigane. L'attend une vie conjugale compliquée, qui l'amène à davantage de compréhension. Un jour, des enfants vétus de chemises blanches et foulards rouges viennent visiter l'usine et ses travailleurs, tandis que leurs enseignantes désignent les femmes comme des suppôts de l'impérialisme: elles ont été condamnées pour avoir voulu fuir le pays. Un des hommes. le philosophe, profite de cette venue pour contester la disparition du laitier, emmené après avoir tenu de libres propos. Le philosophe est arrêté à son tour. Le jeune Pavel et la jolie Jitka, qui avaient été filmés comme symboles d'avenir par une équipe de télévision, ont fini par s'aimer au point de vouloir se marier. Mais ils ne sont pas réunis pour la cérémonie, qui a lieu en deux temps, avec chacun séparément. Une visite du numéro un du Parti est pour Pavel l'occasion de s'inquiéter publiquement du sort du laitier et du philosophe. Condamné à deux ans supplémentaires. il va donc les rejoindre au moment même où Jitka, elle, est libérée. "Marié à la vérité" et sachant que Jitka va l'attendre. il descend, avec les autres, au fond d'une mine.

Une infirmière, un conducteur d'ambulance, une gymnaste et son entraîneur ont créé un service de location. Sur rendez-vous, ils remplacent des personnes décédées à la demande de proches, d'amis ou de collègues du défunt. La société est baptisée Alps alors que leur chef, le conducteur d'ambulance, se fait appeler Mont Blanc. Il dirige sa troupe d'une main de fer. Mais l'infirmière lui résiste.

Bruno Moll donne un aperçu de la vie quotidienne des agriculteurs alpins de la Suisse centrale, qui pratiquent la tradition séculaire de la "Bättruef". Il met en évidence leur spiritualité et leurs idées mystiques dans un monde moderne, et évalue leur image de soi.

Son grand-père, aujourd’hui décédé, avait travaillé jeune homme pour l’hôpital ouvert par la Croix-Rouge à Hiroshima après le largage de la bombe atomique: partant sur ses traces, la réalisatrice rencontre un ancien médecin et une infirmière ayant vécu les mêmes expériences que lui. Son grand-père n’en a jamais parlé de son vivant, mais grâce à la grande franchise de ses protagonistes, elle parvient à se rapprocher de lui. Lorsqu’une nouvelle catastrophe atomique se produit à Fukushima le 11 mars 2011, ses recherches prennent une tournure inattendue.

Le jeune Abdelwahad est amené à jouer le rôle de chef de famille depuis la mort de son père. Sa présence est capitale pour la cellule familiale, d’autant que le jeune homme a sept frères qu’il faut nourrir. Sa mère, Hlima, femme d’une force et d’un caractère exemplaires, assume elle aussi sa place. Elle dissuade Abdelwahad lorsque celui-ci fait part de son désir de partir travailler en France. Il ne supporte plus la vie des jeunes de son âge en milieu rural. Il refuse sa misère et son manque d’avenir, et commence les démarches nécessaires à l’obtention d’un permis de travail en France.

Felix est sur la pente. Il n'a qu'une chose en tête: Valerie, sa femme qui l'a quitté. Il retourne à l'endroit de leur rupture finale. Thomas , un ex-amant de Valerie est aussi là, mais pas pour des raisons sentimentales. Par chance, les deux hommes se rencontrent dans un restaurant.

Amal a 14 ans lorsqu'elle se retrouve sur la place Tahrir pendant la révolution égyptienne, après la mort de son petit ami lors de l'émeute du stade de Port-Saïd. Pendant les manifestations, elle est battue par la police et traînée par les cheveux à travers la place. Ce film d'entrée dans l'âge adulte la suit au fil des années après la révolution. Alors que le film passe de l'actualité égyptienne à la vie et à l'apparence d'Amal qui changent rapidement, nous la voyons à la recherche de sa propre identité dans un pays en transition. Amal est fougueuse et sans peur, elle mord à belles dents dans les protestations et faisant constamment la leçon à sa mère, qui travaille comme juge. En tant que fille parmi les hommes, elle doit aussi se battre pour le respect et le droit de participer, tant dans la rue que dans le reste de sa vie. En Égypte, même pour une jeune femme comme Amal - prénom qui signifie «espoir» - les choix qui s'offrent pour l'avenir sont limités.

Les Amazones modernes sont des héroïnes féroces. Elles sont prêtes à se battre pour ce qui est important à leurs yeux. Sans expliquer, sans faire de compromis, en persistant toujours. Elles se battent pour la victoire sur le ring, pour l'acceptation, et aussi, pour leurs semblables et l'humanité.

Au XIXème siècle, au milieu de l'ère victorienne, la célèbre mais non reconnue collectionneuse de fossiles Mary Anning (Kate Winslet) travaille seule sur la côte sud de l'Angleterre. Elle cherche des fossiles qu'elle peut vendre aux touristes pour vivre et nourrir sa mère malade. Lorsqu'un client aisé confie à Mary les soins de sa femme Charlotte (Saoirse Ronan), elle ne peut pas se permettre de décliner son offre. Malgré une différence de classes sociales et de personnalités, un lien de plus en plus intense se développe entre les deux femmes. À l'image de son film précédent « God's Own Country », lauréat du Grand Prix du Jury à Sundance 2017, le réalisateur britannique Francis Lee nous replonge au cœur de la passion, auprès de personnes qui s'aiment et s'attirent l'une l'autre en dépit (voire en raison) des différences et obstacles que la société leur impose.

Georges et Anne sont octogénaires, ce sont des gens cultivés, professeurs de musique à la retraite. leur fille, également musicienne, vit à l'étranger avec sa famille. Un jour, Anne est victime d'un accident. L'amour qui unit ce couple va être mis à rude épreuve.

Tokyo, à la saison des cerisiers en fleurs. Comme chaque jour, Sentaro travaille dans sa minuscule boulangerie quand Tokue, une vieille dame, entre chez lui. Elle lui demande s'il veut l'embaucher comme aide-boulangère. Sentaro n'est pas très emballé par cette idée, jusqu'à ce qu'il goûte au "An" de Tokue, une pâte de haricots rouge si délicieuse que le boulanger en oublie toutes ses réserves et l'engage sur-le-champ. Bientôt, une belle amitié s'installe entre Tokue et Sentaro qui ont tous deux un secret. Les affaires fonctionnent également à merveille car la préparation du "An" est pour Tokue plus qu'un simple travail. Elle y exprime son lien profond avec la nature et son respect de la vie... La réalisatrice japonaise Naomi Kawase, lauréate de nombreux prix, s'est forgé une réputation internationale avec des films comme « Mogari no mori » et « Still the Water ». Dans son dernier film elle raconte l'histoire touchante de deux personnes très différentes, en déclinant plusieurs thèmes : la préparation de nourriture comme un rituel poétique, la beauté, le commencement et l'éphémère. « AN - Les délices de Tokyo » propose un moment de cinéma magique, plein de sensualité, de sagesse et de grâce.

Nazif, rentrant de son travail, voit sa femme Senada se tordre de douleur. Le médecin leur apprend que l'enfant à naître est mort et qu'elle doit absolument se faire opérer de toute urgence. Mais la clinique de la région refuse de pratiquer l'opération car le couple n'a ni argent, ni assurance. Lorsque Danis Tanovic lit un reportage sur cette histoire, il est emporté par l'indignation et décide d'en faire un film. Ainsi est né An Episode in the Life of an Iron Picker. Tanovic avait le choix de monter une véritable production, mais cela aurait pris du temps, au minimum une ou deux années. Au lieu de cela, le réalisateur se rappelle qu'il fut d'abord documentariste durant la guerre des Balkans. Ils contacte alors Nazif et Senada, leur proposant, et arrivant à les convaincre, de revivre, devant la caméra, les événements dramatiques qu'ils ont vécus. Avec eux, tous les témoins et les protagonistes des événements rejoueront leurs rôles. A l'exception notable - et on n'a aucune peine à comprendre pourquoi -, des médecins qui ont refusé de soigner Senada. Tanovic a donc pu tourner tout de suite, en neuf jours, avec une équipe restreinte, une caméra Canon toute simple. Il en ressort une énergie, et une émotion aussi, toute brutes qui emportent tout.

Sandra, Samuel et leur fils malvoyant de 11 ans, Daniel, vivent depuis un an loin de tout, à la montagne. Un jour, Samuel est retrouvé mort au pied de leur maison. Une enquête pour mort suspecte est ouverte. Sandra est bientôt inculpée malgré le doute : suicide ou homicide ? Un an plus tard, Daniel assiste au procès de sa mère, véritable dissection du couple. Récompensé de la Palme d'or au Festival de Cannes 2023, «Anatomie d'une chute» de Justine Triet est un drame captivant, qui plonge au cœur des relations, du quotidien et de la dynamique d'un couple en jouant avec les points de vue, les faits et les possibilités de vérité.

Dans la Russie XVème siècle soumise à des princes cruels et ravagée par les incursions des Tatares, l’amour et la foi du moine Andrei Roublev sont mis à rude épreuve. Il a entrepris de peindre sur les murs des églises ses rêves d’un monde meilleur et se met en route vers la capitale où il est appelé pour décorer la cathédrale. Mais la barbarie, l’horreur, la misère auxquelles il se heurte au cours du voyage sont telles que Roublev décide de ne plus peindre et s’enferme dans le silence. Épique, sauvage, monumentale, cette fabuleuse histoire chargée d’amour et d’espérance est celle de l’un des plus grands peintres de tous les temps. Ce n’est que le deuxième long métrage de Tarkovski mais déjà, malgré les difficultés rencontrées avec les censeurs de son pays, la consécration internationale.

Bella et Vipulan ont 16 ans, une génération persuadée que leur avenir est menacé. Changement climatique, 6ème extinction de masse des espèces... d’ici 50 ans leur monde pourrait devenir inhabitable. Ils ont beau alerter, rien ne change vraiment. Alors ils décident de remonter à la source du problème : notre relation au monde vivant. Tout au long d’un extraordinaire voyage, ils vont comprendre que nous sommes profondément liés à toutes les autres espèces. Et qu’en les sauvant, nous nous sauverons aussi. L’être humain a cru qu’il pouvait se séparer de la nature, mais il est la nature. Il est, lui aussi, un animal.

Anina Yatay Salas est une petite rouquine rêveuse qui n'aime vraiment pas son nom dont chaque partie est un palindrome, c'est-à-dire qu'on peut lire indifféremment par le début ou par la fin. Ses camarades de classe la taquinent toujours à ce propos, particulièrement l'ennemie jurée d'Anina, Yisel. Lorsque les deux se mettent à se battre sur le terrain de jeux, elles sont envoyées chez la directrice de l'école qui veut les discipliner avec une punition qui mettra leurs nerfs à l'épreuve: celle-ci est scellée dans une enveloppe noire fermée qu'elles reçoivent chacune et qu'elles n'ont pas le droit d'ouvrir avant une semaine. Pour Anina, c'est cauchemardesque, avec ces journées qui n'en finissent pas. Elle essaie bien, avec sa meilleure amie, curieuse elle aussi, de trouver toutes sortes de moyens pour savoir ce que contient l'enveloppe, sans succès. Petit à petit, Anina réalise que Yisel ne fait pas que partager son sort: elle est confrontée à des problèmes bien plus importants qu'Anina. Les deux rivales apprennent ainsi à se connaître, non sans hésitation. Vu avec les yeux de l'héroïne, le monde des adultes prend parfois des dimensions fantastiques dans cette histoire à la fois ludique et joyeuse dans sa façon de rappeler quelques vérités.

A 9 ans, Anna est une écolière qui passe ses après-midis de congé dans un monde imaginaire, en compagnie de la famille de poupées Gygax. Un jour pourtant, tout change. Alors qu’elle se cache dans la photocopieuse de l’école, la machine crache une réplique d’elle-même, une deuxième Anna. Commence alors un jeu passionnant à base de méprises et de confusions. Une comédie très amusante et très prisée des enfants sur le thème du double. D’après le best-seller éponyme de Lukas Hartmann.

Glaris, en 1781: la fillette d'une famille de notables découvre des épingles dans son bol de lait. La servante Anna Göldin est soupçonnée. Pendant des semaines, la fillette crache des épingles. Son père accuse la servante de l’avoir ensorcelée. Anna parvient à guérir la fillette mais fournit ainsi la preuve de sa sorcellerie. Torturée et exécutée, c’est la dernière femme à avoir été condamnée pour sorcellerie par un tribunal en Europe.

L’adaptation cinématographique d’une oeuvre littéraire aussi monumentale que «Anna Karénine» de Léon Tolstoï se révèle toujours un exercice difficile. Le maître russe Karen Shakhnazarov a choisi de reprendre le récit à partir d’un point de vue original et iconoclaste: celui de l’amant de l’héroïne, le comte Vronski. Un hôpital de campagne, en 1904, en Mandchourie, en pleine guerre russo-japonaise. On amène un officier blessé au médecin commandant l’unité sanitaire, Sergueï Karénine. Celui-ci reconnaît le colonel Vronski qui fut l’amant de sa mère, Anna Karénine. Lorsque son malade est ranimé, Sergueï ne peut s’empêcher de lui demander des explications sur la mort de sa mère. Vronski raconte l’éclosion d’une passion amoureuse que rien ne pouvait empêcher, puis son étiolement inéluctable dans un monde qui les avait mis au ban. Tolstoï avait entrepris de décrire la société russe de son temps. Il développait aussi une réflexion sur la morale et la religion. Il ne recherchait pas les effets de style, mais s’attachait à décrire les situations de la façon la plus réaliste possible. Son récit s’appuyait en fait sur le traitement de plusieurs couples antinomiques. Karen Shakhnazarov s’est, lui, concentré sur la passion de Karénine et Vronski. Il a ainsi épuré sa mise en scène et, procédant par sauts dans le temps, a pu observer avec soin l’évolution de la relation entre les deux amants, et particulièrement les changements dans l’attitude de la jeune femme, se laissant aller à sa passion, mais se sachant en même temps coupable d’infidélité vis-à-vis de son mari. «Anna Karénine - L’histoire de Vronski» est ainsi une superbe étude de caractères placés dans une société figée et décadente. Martial Knaebel

Los Angeles, de nos jours. Henry est un comédien de stand-up à l’humour féroce et Ann une cantatrice de renommée internationale. Ensemble, sous le feu des projecteurs, ils forment un couple épanoui et glamour. La naissance de leur premier enfant, Annette, une fillette mystérieuse au destin exceptionnel, va bouleverser leur vie. Leos Carax, génie poétique à l’imagination débordante et « l’enfant terrible du cinéma français » a l’habitude de renverser les codes et les genres pour inventer un monde peuplé de visions et de fantômes. « Annette », son premier film en anglais, sera le film d’ouverture du Festival de Cannes 2021.

Février, 1974. Parce qu’elle se retrouve enceinte accidentellement, Annie (Laure Calamy), ouvrière et mère de deux enfants, rencontre le MLAC – Mouvement pour la Liberté de l’Avortement et de la Contraception qui pratique les avortements illégaux aux yeux de tous. Accueillie par ce mouvement unique, fondé sur l’aide concrète aux femmes et le partage des savoirs, elle va trouver dans la bataille pour l’adoption de la loi sur l’avortement un nouveau sens à sa vie.

Une expérience cinématographique unique qui éclaire l’oeuvre d’un artiste et révèle son parcours de vie, ses inspirations, son processus créatif, et sa fascination pour le mythe et l’histoire. Le passé et le présent s’entrelacent pour brouiller la frontière entre film et peinture, permettant de s’immerger complétement dans le monde de l’un des plus grands artistes contemporains, Anselm Kiefer.

En 1991, Luc Jacquet, le réalisateur de « La Marche de l’empereur » de 2005, partait pour sa première mission en Antarctique. Trente ans plus tard, il revient là où tout a commencé pour lui. Une invitation au voyage au cœur d’une nature sauvage et grandiose qui n’a jamais cessé de fasciner les hommes et d’attirer les plus grands explorateurs.

Antoinette, une enseignante jeune et allègre doit partir en vacances d’été avec Vladimir, son amant et père d’une de ses élèves. Mais quand celui-ci lui annonce qu’il fera une randonnée familiale sur le chemin Stevenson dans les Cévennes, le sang d’Antoinette ne fait qu’un tour : elle aussi se rend dans le relief montagneux au Sud de la France et part à la rencontre de Vladimir avec à ses côtés Patrick, un âne. Au début récalcitrant mais comme attendrie par sa mésaventure amoureuse la bête grise devient vite son guide et son confident.

Antonio das Mortes est un célèbre tueur de cangaceiros. Il est chargé par un colonel propriétaire terrien de tuer un de ces rebelles, vivant sur ses terres au milieu des beatos, communauté mystique de paysans. Antonio le tue, puis prend la défense des beatos contre des tueurs à gages, les Jacungos, engagés par le colonel.

Deuxième partie de la fameuse trilogie d'Apu, on retrouve le garçon et ses parents à Varanasi (anciennement Bénares). Mais son père Harihar, malade, meurt et Sarbajaaya, la mère retourne avec Apu dans leur village du Bengale. Là, Apu fréquente l'école où il obtient de si bons résultats qu'il peut aller étudier à Kolkatta, la capitale. Malgré les résistances de sa mère, dont l'amour souffre de le voir partir, il quittera le village. Obligé de travailler pour se payer ses études, Apu rendra de plus en plus rarement visite à Sarbajaaya. Seule, celle-ci dépérit et lorsqu'Apu l'apprendra, ce sera trop tard. Il n'arrive au village qu'après la mort de sa mère.

Mateo Sobode Chiqueño, un membre de la communauté ayoreo, recueille les témoignages de ce peuple indigène qui a été expulsé de ses terres dans les années 1960. A l’aide d’un vieux magnétophone à cassette, il parcourt inlassablement la région aride du Chaco au Paraguay pour enregistrer les histoires et les chants d’autres Ayoreo. Comme lui, ils sont nés dans la forêt, libres et nomades. Ils n’avaient pas de contact avec la civilisation, jusqu’à ce que des missionnaires religieux les forcent à abandonner leurs habitudes et leur territoire ancestral. Après le bouleversant «El tiempo nublado», la réalisatrice Arami Ullón revient avec un documentaire humaniste et poétique qui a ouvert le prestigieux Festival international du film documentaire d’Amsterdam.

Cloîtré dans une chambre d'hôtel de Saïgon, le jeune capitaine Willard (Martin Sheen), mal rasé et imbibé d'alcool, est sorti de sa prostration par une convocation de l'état-major américain. Le général Corman lui confie une mission qui doit rester secrète : éliminer le colonel Kurtz (Marlon Brando), un militaire aux méthodes quelque peu expéditives et qui sévit au-delà de la frontière cambodgienne. Pour le 40ème anniversaire d’« Apocalypse Now », Francis Ford Coppola dédie aux fans de son film culte une version inédite restaurée par ses soins.

Une étrange épidémie frappe la Grèce: hommes ou femmes, ils, ou elles, sont soudain frappés d’amnésie. Si aucun proche ne vient les réclamer et qu’aucun autre indice n’aide à retrouver leur identité, les «malades» se voient proposer un programme spécial qui leur permettrait de se construire une nouvelle personnalité.

Son nom mis à part, Viola ne se souvient pas vraiment de ses racines italiennes. Vivant à Paris, l’adolescente de 17 ans est sur le point de décrocher son bac lorsque les manifestations d’étudiants, à l’université de Bologne, se terminent sur un meurtre et viennent chambouler sa vie du jour au lendemain. En effet, son père, ancien militant des Brigades rouges, est soupçonné par les autorités italiennes d’avoir commandité l’attentat depuis Paris. Marco se voit alors contraint de fuir, au déplaisir de sa fille. Mais Viola n’est pas la seule à souffrir du sombre passé de son père. La mère et la sœur de Marco, Teresa et Anna, restées en Italie, se retrouvent à payer pour ses erreurs 20 ans après. La première œuvre d’Annarita Zambrano, merveilleusement mise en scène, met en lumière l’impact sur la famille d’un chapitre marquant de l’histoire contemporaine italienne.

Malgré un début de carrière d'écrivain prometteur, Ryota accumule les désillusions. Divorcé de Kyoko, il gaspille le peu d'argent que lui rapporte son travail de détective privé en jouant aux courses, jusqu'à ne plus pouvoir payer la pension alimentaire de son fils de 11 ans, Shingo. A présent, Ryota tente de regagner la confiance des siens et de se faire une place dans la vie de son fils. Cela semble bien mal parti jusqu'au jour où un typhon contraint toute la famille à passer une nuit ensemble.

Vicente prend ses vacances dans la maison familiale du bord de mer, après une année d’études à Los Angeles. Il passe son temps à flirter dans des parties arrosées de la jeunesse dorée du coin. Lorsque l’une d’elles se termine tragiquement, Vicente devient un coupable tout trouvé. Tourné dans l’urgence, Aqui no ha pasado nada (qu’on pourrait traduire par: «Circulez, il n’y a rien à voir») relate un fait réel. Celui d’un accident ayant impliqué le fils d’un politicien influent, blanchi par la justice grâce aux relations politiques de son père. L’affaire fit la une des médias chiliens. Almendras décida de s’emparer du sujet pour en faire une critique sociale acide d’une bourgeoisie confortablement assise sur ses privilèges. Pour financer son projet, le réalisateur lança une campagne de dons et les acteurs, ainsi que l’équipe du tournage, mirent leurs émoluments en participation. Cependant, au-delà de cette dénonciation, Aqui no ha pasado nada est aussi intéressant par le traitement qu’il utilise pour décrire une jeunesse qui ressemble à s’y méprendre à celle d’Europe: une jeunesse qui essaie de combattre sa solitude, son ennui et la vacuité de son existence dans des rassemblements où les saouleries sont élevées au rang de happenings. Almendras use alors de focales rapprochées isolant ses protagonistes au milieu de la foule des fêtards. De la même manière, les smartphones et leurs messages courts vides de sens, soulignent encore plus le caractère amputé des relations des protagonistes, accentué par une bande son au caractère punk envahissant. Dénonciation politique, le film essaie surtout de s’adresser aux jeunes, utilisant leurs codes et leurs outils. Martial Knaebel

L’histoire de trois hommes d'origine turque qui ont grandi en Suisse mais n’ont pas le passeport suisse. Comme ils ont commis des délits, ils ont été expulsés en Turquie, le pays de leurs parents. Le réalisateur pénètre dans un milieu secret et raconte des faits rattachés à des destins individuels qui se cachent derrière les débats politiques et juridiques sur la politique de renvoi.

Zehra est près de sortir de l’adolescence. Autour d’elle, tout ne semble que désolation, sentiment accentué par la grisaille de l’hiver. Le tempérament joyeux de Olgun, qui ne cache pas ses sentiments pour elle, ne lui suffit pas. Elle rêve de partir ailleurs, d’une vraie vie. Mahul, un chauffeur routier habitué de la cafétéria, pourrait être celui qui l’emmènerait au loin. Peu disert, la barbe grisonnante et le chapelet de prière toujours dans la main, il est l’«homme», alors qu’Olgun n’est encore qu’un compagnon de jeu. Le réveil sera dur. Araf signifie purgatoire ou limbes en turc. Un espace entre deux, Somewhere in Between, comme l’indique le titre anglais donné au film, symbolisé parfaitement par cette station-service qui semble se trouver dans un monde parallèle, d’où l’on voit se dérouler une autre vie sur l’autoroute si proche et si lointaine à la fois. Cet «entre deux», c’est aussi ce que vivent Zehra et Olgun, pas encore adultes, mais plus tout à fait enfants. Il y a aussi la bourgade qui périclite, comme ses industries, où le temps s’est arrêté. La caméra (tenue par Michael Hammon) de la réalisatrice Yesim Ustaoglu exprime magistralement ces atmosphères d’attentes. Elle sait saisir ces attitudes ambivalentes où les personnages cherchent à sortir de leurs limbes, mais, en même temps, sont effrayés à l’idée même de les quitter. Cependant, le véritable tour de force accompli par la cinéaste tient à ceci: malgré leur aspect souvent sombre et la froideur de l’hiver anatolien, les images n’ont rien de dépressif, bien au contraire. Car des moments lumineux parsèment le récit et ces images créent un entrelacs d’émotions visuelles sublimes. Et l’empathie de la cinéaste envers ses personnages est si évidente qu’on sent très bien qu’elle ne peut pas les abandonner ainsi. Ancré dans une réalité triste Araf est en fait un film d’espoir. Martial Knaebel

Certains espaces possèdent une aura, une énergie qui dépasse la perception sensorielle descriptible. Dans son nouveau documentaire «Architecture de l’infini», Christoph Schaub explore ce sentiment de transcendance et l’impact émotionnel des espaces, à travers des rencontres avec les architectes et artistes Peter Zumthor, Cristina Iglesias, Jojo Mayer, Alvaro Siza Vieira, Peter Märkli et James Turrell. Après les succès des films «Bird’s Nest – Herzog & de Meuron in China» et «Die Reisen des Santiago Calatrava», le réalisateur suisse prouve une nouvelle fois son talent pour l’exploration documentaire sur les formes d’expression architecturales. Ainsi, dans son nouveau projet, Schaub se concentre sur les points d’intersection entre proportion et lumière et, en visitant des bâtiments sacrés, ressent la relation entre nature et existence.«Architecture de l’infini» est un voyage vers des lieux où l’on peut ressentir sa propre (in)-finitude.

Lorsque son premier grand amour disparaît, Asako est désemparée. Deux ans plus tard, elle rencontre son double parfait. Troublée par cette étrange ressemblance, elle se laisse séduire mais découvre peu à peu un jeune homme avec une toute autre personnalité.

Ce film est sous-titré en allemand. Vous pouvez accéder à la version sous-titrée en français ici : https://www.filmingo.ch/de/films/636-

Lancée en 1980, sa première émission radio « Sexually Speaking » a rapidement connu un succès retentissant. À l’époque, le discours public sur le sexe était très différent de celui du Dr Ruth Westheimer qui s’exprimait sans gêne aucune, avec expertise, empathie, charme, humour et une liberté contagieuse. Ruth Westheimer est née 1928 en Allemagne. En 1939, ses parents, plus tard victimes de l’holocauste, l’ont envoyée en Suisse où elle a vécu dans un foyer jusqu’à 17 ans. Ensuite, elle fait des études de psychologie et de sociologie à Paris et à New York. Après sa première émission radio, elle enchaîne rapidement avec des TV-shows. Dr Ruth devient alors une figure culte internationale avec des prises de parole souvent très tranchées. Ainsi, dans le débat autour du Sida, elle a vigoureusement contré les arguments homophobes, et avec ses formules sans fioritures, elle a fourni moult munitions à la discussion sur les genres. «Les secrets du Dr Ruth» raconte l’étonnante histoire de la vie de Ruth Westheimer, cette femme qui à 91 ans est toujours aussi active : conférences, séminaires, publications. Un film attachant, plein d’émotion et d’humour sur une femme libre tout en restant profondément empathique et qui a toujours été en avance sur son temps.

Fifi Brindacier, Ronya, fille de brigand, ou encore Zozo la tornade : aucun autre romancier ne peut se targuer d’avoir donné naissance à autant de grands héros de jeunesse. Les histoires d’Astrid Lindgren ont marqué l’enfance de millions de personnes à travers le monde. La sienne, en revanche, fut courte, sa grossesse illégitime signant la fin de l’insouciance à l’âge de 18 ans. Un véritable scandale dans la Suède des années 1920. Ce film raconte avec beaucoup de sensibilité comment la jeune Astrid trouve le courage de faire face à l’hostilité de son entourage, de s’en émanciper et de mener une vie de femme moderne et autonome.

C'est pour échapper aux contraintes de la vie parisienne que Vincent Van Gogh (Willem Dafoe) se réfugie dans les petits villages d'Arles et d'Auvers-sur-Oise, où on lui manifeste autant d'amitié que de haine. Le voyant démuni, la propriétaire du restaurant local prend pitié de lui et lui offre un cahier qu'il remplit de dessins. Loin de faire l'unanimité, il est souvent craint en raison de son instabilité mentale. Même son collègue et ami proche, Paul Gauguin (Oscar Isaac), finit par ne plus le supporter et faire ses valises. Seul son frère Theo (Rupert Friend), un marchand d'art, continue à le soutenir contre vents et marées, sans toutefois parvenir à vendre ne serait-ce qu'un seul de ses tableaux. Offrant un regard émouvant sur la vie de Vincent van Gogh, ses hauts et ses bas, ce filmn constitue un voyage fascinant dans l'esprit et l'âme du célébrissime peintre.

Dans une banlieue populaire de Dakar, les ouvriers du chantier d’une tour futuriste, sans salaire depuis des mois, décident de quitter le pays par l’océan pour un avenir meilleur. Parmi eux se trouve Souleiman, l’amant d’Ada, promise à un autre. Quelques jours après le départ des garçons, un incendie dévaste la fête de mariage de la jeune femme et de mystérieuses fièvres s'emparent des filles du quartier. Ada est loin de se douter que Souleiman est revenu. Le premier long métrage de la jeune réalisatrice Mati Diop a été un événement dans la compétition de Cannes en 2019 et fut primé avec le Grand Prix du Jury.

Marina a grandi avec son père, un architecte, dans un prototype d'usine idéale qu'il avait dessiné. Elle est misanthrope et préfère au contact des autres une solitude qu'elle meuble des chansons du groupe Suicide et des documentaires animaliers de David Attenborough. Elle est initiée sexuellement par son amie Bella. Un jour, un homme la défie au babyfoot. Dans le même temps, son père décide de prendre congé, de façon rituelle, du XXe siècle qu'il trouve « surfait ». Marina est déchirée entre ces trois personnes qui comptent le plus dans sa vie.

Pour rattraper le train parti sans eux, mais dans lequel se trouvent leurs enfants, un père (Jérôme Commandeur) et un grand-père (André Dussollier) se lancent dans une folle course-poursuite. Tandis que les deux adultes se surpassent en idées saugrenues pour rejoindre le train de nuit, leur progéniture, loin d’être traumatisée par cette séparation, se donne à cœur joie de mettre le Paris-Embrun sens dessus-dessous. Au grand dam d’un des contrôleurs (Jonathan Lambert) complètement dépassé par les événements. Une comédie qui garantit rires sans répit.

Les tribulations d'un âne dans les Landes des années 1960, prétexte à la peinture des travers humains. Les premières années de l'âne Balthazar ont été heureuses, en compagnie de Marie (Anne Wiazemsky), petite fille originaire du pays basque, et de Jacques (Walter Green), son compagnon de vacances parisien. Plus tard, des problèmes sont apparus entre les parents des deux enfants et tout le monde en souffre, y compris l'âne que Marie délaisse. Un boulanger achète Balthazar pour porter le pain que livre Gérard (François Lafarge), un jeune voyou qui n'a aucun mal à séduire Marie. Balthazar est maltraité par Gérard, puis par Arnold (Jean-Claude Guilbert), un vagabond soupçonné d'un assassinat dans lequel Gérard et sa bande ont peut-être trempé. L'âne s'enfuit et se réfugie dans un cirque où on le dresse. De retour avec Arnold, les maltraitances se poursuivent jusqu'au décès de cet alcoolique invétéré. Revenu auprès de Marie, ses souffrances se confondent avec celles de cette dernière qui disparaît. Repris par Gérard qui l'utilise pour la contrebande, il est blessé dans un échange de coups de feu et meurt au bout de son sang.

En avril 2006, 13 000 personnes de l’ethnie Dajo se réfugient dans la plaine de Gouroukoun, à l'Est du Tchad. Tous sont des survivants de la guerre du Darfour. Ils y construisent un camp, s'y enferment et s'y inventent une survie.Olivier Zuchuat s'est enfermé à son tour dans cette prison sans mur. Des images patientes racontent l’interminable temps de l’attente. Une vie au ralenti qui s'égrène, comme suspendue dans le dénuement. Des réfugiés prennent longuement la parole, des enfants dessinent des batailles, des petites filles fredonnent des chansons guerrières: un film de guerre, sans aucune image de guerre…

Balades «au cœur du pays» avec l’écrivain Pedro Lenz qui habite, au-dessus du restaurant «Flügelrad», un appartement avec vue sur les quais de la gare d’Olten. Entre histoires du quotidien et textes en dialecte de Lenz, emplis d’une poésie laconique et d’une nostalgie feutrée, émerge un instantané des états d’âme de la Suisse.

Louis (Grégoire Ludig) vient de trouver le cadavre d'un homme devant son immeuble. Emmené en garde à vue par le commissaire Buron (Benoît Poelvoorde), il se retrouve au cœur d'un interrogatoire surréaliste. Mais comment prouver son innocence quand les flics sont fous ? Le réalisateur culte Quentin "Mr Oizo" Dupieux revient avec une comédie policière rétro des années 70 qui se déroule au cours d'une nuit blanche dans un commissariat de police.

Le jeune cinéma peut être délicieux! La découverte de l'année s’appelle Arvin Chen. Il nous conte l'histoire de Kai, qui passe la moitié de ses nuits dans une librairie de la capitale de Taiwan, Taipei, sans jamais rien acheter. Il parcourt des livres de français pour apprendre la langue, car sa petite amie a déménagé à Paris. «Sans vous, Taipei est très triste.» Sans elle, il est triste. Un vieux et sympathique gangster lui propose alors un billet pour Paris contre un petit service. Déjà, fini la tristesse, débute alors une comédie pleine de fraîcheur, d’imagination, d’audace, aux images irrésistibles, qu’on a plus vu depuis longtemps. Lors du forum de Berlin, la salle était dans tous ses états. Le scénario est «habité» par deux amis, un libraire, une poignée de voleurs en costume orange, ainsi qu’un flic avec une vie amoureuse plutôt agitée. Kai découvre aussi l'amour, et réalise que le bonheur n’est souvent pas loin. Un film miraculeux, avec un humour sincère et plein de surprises.

Adrien, paysan de montagne de 70 ans, propose à ses amis un voyage à bord du Transsibérien. Les montagnards taiseux embarquent dans le train mais ne se laissent jamais vraiment aller. Sans cartes à jouer ni petit coup de blanc, rien ne va plus. Le seul à arriver à Pékin est Adrien. Pour le paysan têtu, ce long voyage est au bout du compte un voyage vers lui-même, à la rencontre de ses propres sentiments.

La Chinoise Tao est jeune, séduisante et très courtisée. Tant le solide mineur Liangzi que l’homme d’affaires aux grands airs Zhang se démènent pour gagner son affection. Nous sommes en 1999 et en Chine les gens sont toujours plus nombreux à rechercher l’aisance matérielle et un style de vie occidental. Quinze ans plus tard, la vie de ces trois personnes a totalement changé. Ouvrier itinérant, Liangzi se déplace sans cesse d’un lieu à un autre. Tao et Zhang, qui s’étaient mariés, ont divorcé. Leur petit garçon Dollar vit chez son père en Australie. En 2025, l’adolescent Dollar ne comprendra plus sa langue maternelle et son enfance en Chine ne semblera plus qu’un lointain et vague souvenir… Le réalisateur Jia Zhang-ke s’est fait une réputation internationale grâce à des films comme «A Touch of Sin» et «Still Life». Dans son nouveau film «Au-delà des montagnes», il raconte en trois temps, 1999, 2014 et 2025, le bouleversement de toute une nation et les destinées mouvementées de quelques personnes à la recherche de l’amour et du sens de leur vie. Lauréat d’un Prix du public au festival de San Sebastian, ce film est du grand cinéma: un langage universel réalisé avec brio et magnifiquement interprété par les acteurs.

Cette fois Jafar Panahi tourne en Turquie un film sur un couple d’amoureux qui projette de fuir vers la France. Mais comment ce réalisateur iranien s’y prend-il puisqu’il a interdiction de travailler et de quitter le pays ? Panahi s’est retiré dans une province proche de la frontière turco-iranienne et donne à son assistant de réalisation des instructions en utilisant une connexion internet des plus instables. De nuit, ils se rencontrent dans le plus grand secret pour se passer le disque dur avec les dernières scènes tournées. Les films de Jafar Panahi sont toujours multidimensionnels. Comme par le passé, il mélange habilement fiction et réalité car le cadre villageois est également le lieu d’une histoire fictive à propos d’un réalisateur qui tente de continuer à faire des films malgré la répression étatique. Même s’il est discret, pour ne pas se faire identifier et dénoncer aux autorités, il se retrouve en difficulté puisqu’on lui reproche d’avoir fait une photo d’un couple d’amoureux dont le jeune homme n’était pas le fiancé auquel la fille avait été promise. En un rien de temps c’est tout le village qui est en ébullition. Comme pour ses films précédents, les expériences autobiographiques de Panahi et les circonstances du tournage sont un motif essentiel de son dernier opus « Aucun Ours ». Il a ainsi découvert un moyen surprenant quoique dangereux pour lui, de se battre pour la liberté de créer en Iran. « Aucun Ours » est une parabole riche aux multiples facettes. Le film fait voir et sentir l’immobilisme oppressant d’une société et le refus total de tout changement : en ville sous le joug des autorités, au village sous l’emprise de la superstition. Comment faire de l’art pour faire bouger la société si cette dernière n’en a pas envie ? C’est à cette question que revient sans cesse « Aucun Ours » tandis qu’un doux désespoir du monde commence à se dessiner. Au Festival de Venise, le film a remporté le Prix Spécial du Jury. Jafar Panahi, lui, a été à nouveau arrêté en juillet 2022.

Comme toute sa famille avant lui, le jeune Rakib, dit «Kib», est au service de la famille de Purna, ancien général du clan Suharto qui dirigea l’Indonésie en usant d’une terreur sanglante de 1967 à 1998. Tandis que Purna se lance dans une campagne électorale et vante les constructions de centrales hydro-électriques à coup d’expropriations, Rakib est d’abord fasciné par le général qui le prend sous son aile, tel un père de substitution. Face aux agissements de cet homme capable des pires exactions comme de la plus grande tendresse paternelle, Rakib doit bientôt composer avec sa conscience et ses conflits de loyauté… En faisant ainsi ressurgir plus de trente ans de dictature dans le présent de l’Indonésie, le réalisateur Makbul Mubarak, lui-même fils de fonctionnaires qui ont servi Suharto, scrute avec précision les conséquences et l’héritage de ce passé trouble et violent sur la jeunesse d’aujourd’hui. Jouant avec les perspectives, les profondeurs de champ, les ombres et les effets miroirs, le cinéaste soutient un récit et des personnages en constante ambivalence, qui se parent de plus en plus d’une teinte sombre, noire et crasseuse. Notamment récompensé du Prix de la critique internationale FIPRESCI à la Mostra de Venise 2022 dans la section Orizzonti, Autobiography fait alors figure de thriller à la fois politique et intime, intense et glaçant, à l’image de tout un pays hanté par son passé trouble, où la jeunesse tente de se libérer mais se retrouve contrainte de transiger avec un système autoritaire sans fin.

Arash, Hossein et Ashkan, trois amis iraniens, sillonnent le Sud de la France dans un Renault Espace pour trouver une fiancée à l’un d’entre eux, et lui donner ainsi une bonne raison de ne pas rentrer au pays. De temps en temps, ils s’allongent dans l’herbe, discutent de tout et de rien. D’amour, d’amitié, de liberté, de ce service militaire qui gâchent la vie des Iraniens, qui a conduit Arash, pour y échapper, à devenir volontairement obèse, et le charmeur du trio à s’exiler en France. Au cours de leur périple, ils prennent en stop d’irrésistibles rockeuses en micro-tournée… Trailer version française: https://vimeo.com/441046760

Parti de Sofia, Kamen se rend en stop à Roussé, dans le nord de la Bulgarie. Sur la route, il rencontre Avé, une jeune fugueuse un peu paumée de 17 ans, qui lui impose rapidement sa compagnie. A travers cette rencontre, c’est le portrait d’une jeunesse en errance et d’une Bulgarie oubliée de la mondialisation que Konstantin Bojanov nous fait découvrir. Mais le film est également une fine métaphore du passage à l’âge adulte et des sentiments ambivalents que cette phase de vie génère. Etudiant en art, Kamen rencontre Avé alors qu’il se rend au nord du pays en autostop. La jeune fille de 17 ans s’agrippe alors à lui et ne va plus le lâcher. Très vite, Kamen se rend compte de la tendance compulsive au mensonge d’Avé. Elle mélange vérité et fantasmes, s’invente des personnages. Elle ment pour s’amuser, par provocation, pour pimenter sa vie et celle des autres, mais elle ment surtout pour mieux accepter sa propre existence. Avé est en fugue. Sa réalité, c’est une relation conflictuelle avec ses parents et un frère accro à l’héroïne qu’elle aime et qu’elle veut sauver. Si Avé ment et affabule pour agrémenter sa vie, Kamen, lui, prend la réalité de face. Taciturne et résigné, il semble ployer sous la gravité des événements. La réalité du monde qui les entoure, et que Konstantin Bojanov nous montre, c’est la Bulgarie des faubourgs, des petites villes de province oubliées, des stations-services glauques et du bitume. C’est également les gens qu’Avé et Kamen vont croiser tout au long de leur errance: pervers, violents et paumés en tout genre. Les nouveaux riches et le développement économique de la capitale semblent bien éloignés, tout comme la dolce vita des côtes de la mer Noire. Et lorsque les personnages pensent enfin arriver à Varna et ses côtes ensoleillées, ils se perdent chacun en route. A travers ce road movie sensible et pudique, le cinéaste bulgare nous propose une magnifique réflexion sur la jeunesse et la construction de l’identité sociale et personnelle. Il réussit brillamment à mettre en évidence les mécanismes propres à cette phase et en retranscrire la lumière, l’énergie, mais également la noirceur. Avec cette œuvre émouvante et personnelle, Bojanov prend date et pose les jalons d’un cinéma intime et réaliste à la fois, dont il conviendra de suivre l’évolution.

Un récit de traverses au triangle amoureux toxique et à la mise en scène clinique qui signe une nouvelle collaboration entre Claire Denis et la célèbre auteure Christine Angot, après Un beau soleil intérieur, déjà avec Juliette Binoche. Sarah et Jean s’aiment, ils vivent ensemble depuis plusieurs années. C’est un amour qui les rend heureux et plus forts. Ils ont confiance l’un en l’autre. Le désir ne s’est jamais affadi. Un matin, Sarah croise par hasard François son ancien amant, ce François qui lui a présenté Jean, ce François qu’elle a quitté pour Jean sans hésiter. Ours d’Argent (Meilleure réalisatrice) – Berlin 2022

Yvan De Wiel, banquier privé genevois, se rend dans une Argentine en pleine dictature pour remplacer son associé, objet des rumeurs les plus inquiétantes, qui a disparu du jour au lendemain. Entre salons feutrés, piscines et jardins sous surveillance, un duel à distance entre deux banquiers qui, malgré des méthodes différentes, sont les complices d'une forme de colonisation discrète et impitoyable.

Guiseppe De Metrio a 75 ans dont 30 passées à Genève comme contremaître dans l'entreprise Broyer. A la retraite, il est rentré dans les Pouilles où a toujours vécu sa famille. Son unique petite-fille Carla, 7 ans, est aveugle et toute la famille attend une transplantation de la cornée qui lui redonnera la vue mais qui tarde à venir. Suite à un infarctus, Giuseppe décide de retourner en Suisse pour chercher l'argent nécessaire à l'opération auprès de son ancien patron Monsieur Broyer car une vieille promesse lie les deux hommes. Prévu pour 48 heures, le voyage de Giuseppe et Carla va prendre une allure que ni grand-père, ni petite-fille n'auraient pu imaginer.

C'est le premier long métrage produit au Mali. Il raconte l'histoire d'un jeune homme qui se retrouve dans les tensions politiques et économiques croissantes de l'Afrique urbaine. Balla Diarra est ouvrier dans la capitale Bamako. Il survit difficilement avec son petit revenu. Après la mort de son ami tué par le chef d'une entreprise, il se retrouve de plus en plus face à la violence. Comme ce film se déroule plutôt dans une ville moderne que dans un passé mythique ou un village traditionnel, il offre un portrait de la vie africaine comme on ne l'a pas souvent vu sur les écrans occidentaux.

Nous sommes à Bab el-Oued, quartier historique et populaire d'Alger. Boualem est employé dans une boulangerie du quartier. Il travaille dur la nuit et dort le jour. Un après-midi, alors qu'il se repose après une nuit de labeur, la voix amplifiée du prêche de l'imam Rabah, diffusée par un haut-parleur au volume sonore maximal, réveille Boualem en sursaut. Celui-ci, dans un accès de colère incontrôlable, grimpe sur la terrasse, arrache le haut-parleur, l'emporte et le jette à la mer. Ce geste, que Boualem ne peut expliquer véritablement, va mettre le quartier en émoi. Un groupe de jeunes, dirigé par Saïd, se met à la recherche du coupable pour lui infliger une punition exemplaire pour son acte provocateur. Ces péripéties nous font découvrir un quartier, Bab el-Oued, avec ses ambiances populaires, parfois attachantes et drôles. Il y a les femmes, vivant avec dérision leur quotidien routinier. Il y a les jeunes dans les rues, sans espoir ni travail, partagés entre la drogue et l'embrigadement, il y a les souvenirs nostalgiques d'une splendeur passée. Il y a l'amour, enfin, entre Boualem et Yamina, la jeune sceur de Saïd... Portrait d'une jeunesse perdue, à l'avenir obscurci par une crise économique et une montée de l'extrémisme. «Bab el-Oued City» donne une image universelle d'une génération. Les rêves de la jeunesse algéroise sont les mêmes que ceux de la jeunesse européenne, ce sont les mêmes que la jeunesse du monde entier. Comme partout, le désespoir et l'exclusion sont le terreau idéal pour les fondamentalismes de tout bord.

Ishtar, une petite fille, guide Bab’Aziz, un vieux derviche aveugle à travers le désert. Ils se rendent à la grande réunion des derviches. Tel un jeu de pistes, le voyage les mènera à la croisée des destins de plusieurs personnages.

Romeo, médecin dans une petite ville de Transylvanie, a tout mis en oeuvre pour que sa fille, Eliza, soit acceptée dans une université anglaise. Il ne reste plus à la jeune fille, très bonne élève, qu’une formalité qui ne devrait pas poser de problème : obtenir son baccalauréat. Mais Eliza se fait agresser et le précieux sésame semble brutalement hors de portée. Avec lui, c’est toute la vie de Romeo qui est remise en question quand il oublie alors tous les principes qu’il a inculqués à sa fille, entre compromis et compromissions…

Le boulanger-confiseur Zürrer, vieillard têtu et veuf vindicatif, rend la vie de ses trois enfants difficiles et ne se réconcilie avec eux que le jour où sa propre existence vire au cauchemar. Kurt Früh ausculte le tournant de la fin des années 1950, entre modernisation et tradition: une jeune génération monte, veut changer les choses et développe de nouveaux projets de vie. Elle fait tomber les barrières entre les groupes sociaux et culturels, mais les plus anciens et conservateurs résistent.

Provocante, cette comédie du Roumain taquin Radu Jude s’ouvre sur une séquence pornographique : un couple filme ses ébats. Lesquels, pas de chance pour madame, vont atterrir sur Internet par la faute de monsieur. Le début des ennuis pour la professeure d’histoire au si sage tailleur gris, sommée d’aller s’expliquer avec les parents d’élèves de l’école huppée où elle enseigne.

Comment une communauté peut-elle faire démarrer bénévolement un grand événement unique en Suisse ? Tous les dix ans, l'un des plus grands festivals publics de Suisse met la petite ville de Baden dans un état d'urgence positif. Qu'est-ce qui motive d'innombrables personnes dans les associations les plus diverses à participer à la création de la "Badenfahrt" et à s'engager de manière incroyable ?

Nous sommes à Londres, peu avant Noël. Amal, une architecte iraquienne au caractère bien trempé qui a dû fuir son ex‐mari, travaille au café Abu Nawas tenu par un activiste kurde et qui est un lieu de rendez‐vous prisé par les Iraquiens en exil. Ses amis, le poète Taufiq et l‘informaticien Muhanad, y sont presque chaque jour. Depuis la mort de son frère, Taufiq s’occupe de son neveu Naseer qui tombe de plus en plus sous la coupe du prédicateur islamiste Sheikh Yasin. Le jeune Naseer se radicalise et commence à se révolter contre son oncle qu’il traite d’athée. Muhanad, lui, a récemment quitté Bagdad pour échapper aux menaces qui pèsent sur les homosexuels. Mais même ici, à Londres, et devant ses amis, il n’ose pas s’afficher ouvertement avec son amant. Cette petite communauté se retrouve doublement en danger quand l’ex‐mari d’Amal arrive à Londres et que Sheikh Yasin instille en Naseer l’idée de sévir contre les « impies » du café Abu Nawas. Après son dernier succès, le documentaire «Iraqi Odyssey», Samir revient avec un drame poignant. Le réalisateur montre comment le passé politique, idéologique et culturel est attaché comme une ombre aux protagonistes de son film, même en dehors de leur pays d’origine. Samir touche à trois tabous fondamentaux de la société arabe : l’athéisme, la libération de la femme et l’homosexualité – et ouvre ainsi un dialogue interculturel. Avec ses scènes qui se jouent à Londres et à Bagdad, «Baghdad in my Shadow» a été la première production internationale de cinéma à avoir été tournée dans la capitale irakienne depuis le départ des troupes américaines.

Noriko, 28 ans, est secrétaire dans une petite compagnie à Tokyo. C’est une jeune femme moderne mais elle vit encore chez ses parents, tout comme son frère, sa femme et ses deux enfants. Elle subit de fortes pressions de la part de sa famille ; en effet, il n’est pas raisonnable à cet âge de ne pas encore s’être mariée. Mais la jeune fille se réjouit de son indépendance et préfère trouver elle même son futur époux. Son patron lui propose un bon parti de sa connaissance mais Noriko refuse.

Le père du petit Yusuf est apiculteur. Il dépose ses ruches dans les branches hautes des arbres les plus grands de la forêt qui dévale de la montagne. Pour Yusuf, c'est un endroit empli de mystères où il aime suivre son père dans son travail. Lorsqu'il veut raconter son rêve à celui-ci, il est rembarré, car il ne faut jamais dire son rêve à voix haute, lui dit son père. Lorsque les abeilles se mettent à disparaître de manière incompréhensible, Yacup décide de porter ses ruches plus haut dans la montagne. Le petit Yusuf, lui, commence à bégayer à l'école, pour finalement garder le silence. Entre le père qui ne revient pas et le mutisme de Yusuf, l'inquiétude de la mère grandit. Ours d'Or 2010 au festival de Berlin, Bal (miel) est une plongée dans le monde de l'enfance où la beauté de la nature ne peut être que fantastique et mystérieuse. **** Dans la nature fantastique de l'enfance Il faut retrouver son âme d'enfant pour pleinement apprécier Bal, le cinquième film du jeune réalisateur Semih Kaplanoglu. Il faut la retrouver, car le film nous plonge dans le monde d'un petit garçon à l'imagination fertile, car la nature et les hommes sont filmés par le prisme du regard, des sentiments, de l'humeur et du moral du petit Yusuf. A cette condition, on pourra se laisser emporter par l'atmosphère magique que dégagent les images de ces montagnes turques, et de leurs habitants, aux abords de la Mer Noire. Celles-ci expriment aussi bien ce que Yusuf voit que ce qu'il ressent, donnant aux objets et aux personnages des dimensions parfois surhumaines, proches du fantastique des contes pour enfants. Et le jeune acteur Bora Altas - tout jeune puisqu'il a le même âge que Yusuf, 7 ans - a ainsi une présence imposante à l'écran, rarement vue pour un enfant, dans un registre où les sentiments peuvent apparaître dans toutes leurs nuances, qui nous renvoie à nos propres souvenirs, nous rappellent le monde que nous pouvions voir et ressentir quand nous étions enfants nous aussi. Cependant, il ne s'agit pas que de l'enfance, dans Bal. C'est aussi une ode à la nature, qui n'a rien à voir avec la nostalgie d'un monde perdu, mais au contraire d'un monde bien réel, où le destin des hommes et des plantes sont liés, où les méfaits des uns entraînant une réactions des autres. Une nature pourtant, dont la beauté rejaillit sur les êtres humains, sur le père Yacup, sur la mère, Zehra, et sur leurs gestes magnifiés. On a alors des couleurs intimistes de l'école hollandaise. Puis les plans, plus larges, s'emparent de la forêt, prennent l'ampleur de tableaux immenses, à la fois sonores et picturaux, où le peintre aurait su placer toutes les nuances du vert imaginables et qui habitent la nature, en fixer les mouvements les plus subtils et en saisir les moindres bruissements, jusqu'aux odeurs humides qui atteindraient nos narines. En ce sens, à l'image d'un Pourquoi Bodhi Dharma est-il parti vers l'Orient?, Bal est proche d'une expérience sensuelle totale. Exactement de celles que l'on pouvait avoir enfant.

Au cœur des étendues tibétaines, Drolkar et son mari élèvent des brebis, tout en veillant sur leurs trois fils. En réaction à la politique de l’enfant unique imposée par Pékin, elle s’initie en secret à la contraception, pratique taboue dans cette communauté traditionnelle. La maigre réserve de préservatifs qu’elle se procure au compte-gouttes devient alors son bien le plus précieux. Le jour où elle surprend ses enfants en train de jouer dehors avec les « ballons » volés sous son oreiller, Drolkar sait aussitôt qu’elle va devoir tout affronter : les reproches des aînés, le poids de la tradition, le regard des hommes. Et une naissance à venir…

Melé est chanteuse dans un bar, son mari Chaka est sans travail, le couple se déchire. Dans la cour de la maison qu'il partagent avec d'autres familles, un tribunal a été installé. Des représentants de la société civile africaine ont engagé une procédure judiciaire contre la Banque Mondiale et le FMI qu'ils jugent responsables du drame qui secoue l'Afrique. Entre plaidoiries et témoignages, la vie continue dans la cour. Chaka semble indifférent à cette volonté inédite de l'Afrique de réclamer ses droits. Pris dans l'étau de la dette et de l'ajustement structurel, le continent africain doit lutter pour sa survie. Le nouveau film d'Abderrahmane Sissako est une comédie surprenante, traitant d'un sujet si sérieux que le destin de l'Afrique. Mais ce ton léger n'empêche pas, au contraire, que les choses soient dites.

Muang Ngoi, paisible petit village situé au nord du Laos, n’est pas encore envahi par un flot de touristes, mais ils commencent à venir - depuis que la bourgade est évoquée par le fameux guide des globe-trotters, the Lonely Planet. Le réalisateur néerlandais Daan Veldhuizen, routard lui-même, y est venu filmer les touristes vus par les habitants. Authenticité ou électricité? Muang Ngoi est un petit village isolé au bord de la rivière Ou. Celle-ci est la seule possibilité d’accès plus ou moins rapide et aisé à la bourgade. Routard lui-même, Daan Veldhuizen l’a découvert lors d’une de ses expéditions. Les touristes qui y viennent lors de la saison sèche sont encore peu nombreux et le réalisateur s’est intéressé aux interactions entre les autochtones, assoiffés de modernité, et les visiteurs à la recherche de traditions encore vierges et d’authenticité des modes de vie. Le voyage que nous propose le réalisateur va se dérouler en trois étapes. On arrive tout d’abord à Muang Ngoi durant la saison des pluies, et le spectateur fait la connaissance des deux personnages qui vont en quelque sorte le guider à travers le village et sa population. Shai a fait des études à la ville et rêve de faire fortune en commerçant avec les touristes. Khao est avant tout un paysan qui ne pense qu’à faire vivre sa famille. Ces jours d’observation sont interrompus par l’arrivée de la saison sèche et des touristes. À partir de là, la caméra semble se placer derrière les habitants du village, regardant les nouveaux arrivants depuis leur point de vue. Dans une évolution quasi naturelle, les habitants ignorent de moins en moins cette caméra, l’invitant à participer aux conversations, offrant à boire au cameraman. «Je voulais faire un documentaire où c’est le touriste qui est regardé par les gens du cru et non l’inverse», confiait le cinéaste. En procédant ainsi, son récit acquiert en fluidité, il mène à des situations et des dialogues parfois vraiment cocasses. Il nous montre aussi une population heureuse d’accueillir ces gens «bizarres» qui préfèrent le riz gluant alors qu’ils s’échinent à leur cuisiner des pancakes à la banane. Veldhuizen nous offre ainsi une observation légère et savoureuse des contradictions de chacun. Martial Knaebel

Banel aime Adama et Adama aime Banel. Les amoureux aspirent à vivre libres dans leur propre maison à l’écart du village et à l’encontre des traditions. Hélas, la sécheresse menace. Sélectionné en compétition à Cannes, le premier long-métrage de Ramata-Toulaye Sy est un conte romantique aux accents mythologiques. Poétique, le film brille de mille feux sous un soleil de plomb.

Bruno – ex-directeur de banque devenu jardinier – ne peut oublier son passé. Il sauve la vie de Stefano, un jeune Italien au chômage. Pour se venger d’Ernesto, son ex- partenaire en affaires, il attire le jeune homme et l’amie de celui-ci dans un projet machiavélique : le braquage de la banque où il a lui-même travaillé. Le thriller avec Bruno Ganz se déroule à Lugano et c’est la première coproduction officielle entre la Suisse et l’Italie.

Noriko approche de la trentaine et vit toujours avec son père, le Professeur Sonomiya, un universitaire sur le point de terminer un manuscrit avec son assistant Hattori. Sonomiya s'inquiète pour sa fille qu'il aimerait bien voir mariée. Mais Noriko ne veut rien savoir: sa vie avec son père la comble et elle ne voudrait pas le laisser seul. Le père use alors d'un subterfuge, annonçant que lui-même va se remarier et insistant pour que Noriko réponde aux avance de M. Satake, qui ne laisse pas la jeune femme indifférente. «Banshun se contente de décrire en détail les sentiments contradictoires et subtils qui existent entre les deux personnages dont la vie n'est troublée par aucun élément extérieur. Aucune autre œuvre d'art n'a mieux exprimé, quatre ans après la défaite, le retour à la paix, à l'ordre et à la tradition. À l'époque, même si les périodes de trouble et de privation sont enfin terminées, la population n'a toujours pas repris confiance en ses institutions. C'est dans ce contexte que sort le film qui évoque le déroulement paisible de la vie quotidienne à Kita-Kamakura: cérémonie du thé et nô, pèlerinage de temple en temple dans un Kyoto encore à l'abri du tourisme. Ainsi. dans ce cadre traditionnel. voit-on exprimées de manière subtile et délicate les préoccupations d'un père pour sa fille qui tarde à se marier et d'une fille qui se demande comment son père, veuf, pourra se débrouiller pour vivre si elle se marie. L 'esthétique épurée du réalisateur atteint son apogée dans ce film.» Tadao Sato

Barakah est employé de la municipalité de Djeddah. A ce titre, il chasse les comportements «inadéquats». Bibi, vlogueuse sur Instagram avec de nombreux suivants, attire la clientèle pour la boutique de sa riche mère adoptive. Une rencontre fortuite et la vie de Barakah en est tourneboulée. Mais comment se rencontrer dans un pays où les règles sont très strictes? Une sympathique, et étonnante, comédie nous venant d’Arabie saoudite. Y a-t-il pays plus improbable que l’Arabie saoudite pour y situer, et y filmer, une comédie? Eh bien, tout à fait, semble nous ré-pondre Mahmoud Sabbagh, car le principe de la comédie joue justement la transgression des codes, les rencontres incongrues, les enchaînements insolites et les situations grotesques. Et il y a tout cela dans Barakah meets Barakah, avec de facétieux pieds de nez à la censure. Barakah surprend sur une plage un groupe faisant une séance de photos de mode pour un magazine. Il veut verbaliser - c’est sa tâche -, mais soudain bafouille et laisse faire en ayant vu la jeune femme photographiée. C’est Bibi, une belle jeune fille à l’esprit libre, célèbre pour son vidéo blog sur Instagram. Elle aussi a remarqué Barakah. Serait-ce le coup de foudre? Ils vont essayer de se revoir, une chose difficile dans un pays où les hommes seuls ne peuvent être vus avec une jeune femme et où la police veille jour et nuit. A cela s’ajoutent des origines sociales aux antipodes: celle de Barakah est modeste et il vit dans un quartier pauvre, Bibi est la fille adoptive d’une riche famille ayant pignon sur rue. Lui observe les règles strictes de la morale, elle vit dans un milieu occidentalisé. Elle est plutôt frivole, lui fait partie d’une troupe de théâtre amateur répétant «Hamlet». Barakah Meets Barakah est une comédie, dans un pays loin d’être drôle - un film pour tous qui vous montre l’Arabie saoudite sous un angle pour le moins inattendu. Sur un ton léger, il se permet de se moquer des travers de la rigueur religieuse qui font de la vie quotidienne un univers kafkaïen. Enfin, Mahmoud Sabbagh décrit une jeunesse ayant soif de liberté et d’ouverture au monde extérieur.

Dans un village de pêcheurs du littoral de Bahia, le pai de santo (autorité des rites d'origine africaine) maintient la population prisonnière des superstitions. Le jeune Aruan, choisi par Yemanjá (divinité de la mer) ne peut pas avoir de relations sexuelles. Firmino, un Noir qui revient de la ville, se révolte contre l'exploitation de ses camarades. Il décide de démontrer qu'Aruan est pareil aux autres hommes et, pour cela, il obtient l'aide d'une prostituée qui séduit le jeune homme. Ayant fait l'amour, il perd ses pouvoirs et apporte la malchance aux siens. Aruan émigre vers la ville, tandis que la prostituée se tue.

Haby, jeune stagiaire dans sa commune, découvre le nouveau plan de réaménagement du quartier dans lequel elle vit depuis l'enfance. Ourdi par Pierre Forges, un jeune pédiatre propulsé au poste de maire, il prévoit la démolition de l’immeuble où Haby a grandi. Avec son entourage, elle se lance dans un bras de fer avec la municipalité et ses grandes ambitions, pour empêcher la destruction du Bâtiment 5. Après «Les Misérables». son éblouissant premier long-métrage sur les violences policières notamment récompensé du Prix du Jury à Cannes et aux Oscars, Ladj Ly s'inspire une deuxième fois de sa captivante histoire de vie. Fustigeant cette fois la gentrification inhumaine des quartiers, il en détaille les tensions en banlieue de manière haletante, dans un film non seulement plein de colère, mais aussi d'espoir!

Giulia Tonelli, danseuse étoile à l’Opéra de Zurich, revient de congés maternité. Elle doit se battre pour retrouver sa place et un équilibre entre le milieu compétitif et exigeant de la danse et sa nouvelle vie de famille. Le documentaire est une immersion inédite dans le microcosme d'un grand opéra de 2019 à 2021, un regard intime et engagé sur le parcours d'une femme qui se réapproprie son propre corps et sa place sur le devant de la scène. Le film de Laura Kaehr a remporté le Prix du public au ZFF – Zurich Film Festival 2022.

Benni a neuf ans. Négligée par sa mère, elle est enfermée depuis sa petite enfance dans une violence qu’elle n’arrive plus à contenir. Prise en charge par les services sociaux, elle n’aspire pourtant qu’à être protégée et à retrouver l’amour maternel qui lui manque tant. Son assistante sociale et Micha, un éducateur, tenteront tout pour calmer ses blessures et l’aider à trouver une place dans le monde. En compétition à la Berlinale 2019, ce film raconte avec une grande force l’histoire d’une enfant affectée par des crises de colères majeures ainsi que la frustration du personnel encadrant dans un système d’aide à l’enfance sans solution adaptée. Cette magnifique première œuvre est portée par le jeu tout en nuance de la jeune actrice Helena Zengel, très impressionnante.

Irina, une jeune call-girl russe, débarque dans un pays alpin de conte de fées. Le cercle de ses clients des milieux économiques, politiques, militaires et médiatiques ne cesse de s’étendre. En échange de ses services, on lui promet le très convoité passeport suisse. Pourtant, à la suite d’un malentendu, elle déclenche l’alarme de la Berezina, un coup d’État imaginé il y a des années par une organisation patriotique tombée dans l’oubli. Avec des conséquences inattendues pour elle-même et pour la Suisse.

Dans le Schächental du canton d’Uri, la famille de paysans de montagne Kempf vit dans trois fermes à différentes altitudes. Dix fois par an, ils transhument avec leur bétail, partant au printemps vers les montagnes, redescendant en automne vers la vallée – pour en hiver retourner en altitude, dans leur ferme de Pfaffen, à 1725 mètres d’altitude, pour y nourrir le bétail avec le foin qu’ils ont récolté pendant l’été sur les pentes escarpées. Ce film est un portrait de cette famille, dont font aussi partie les grands-parents et une sœur du paysan. Au cours de l’année, l’auteur et la famille deviennent familiers, et derrière le mode de vie archaïque, on découvre les problèmes de l’époque moderne, par laquelle les paysans refusent cependant de se laisser démoraliser.

Nichons. Melons. Bazookas : la réalisatrice américaine Kristen Vermilyea a de gros seins, des douleurs au cou, au dos et des problèmes d'équilibre.
 Sa décision de subir une réduction mammaire déclenche des questions sur l'identité, le vieillissement et le corps. Kristen part dans une série d'aventures loufoques et humoristiques avant de passer sous le scalpel. Version anglaise sans sous-titres

C'est un nageur talentueux, un apprenti motivé, un copain cool : Beyto démarre sa vie d’adulte sur des chapeaux de roues et a un avenir prometteur devant lui. Mais lorsque le fils unique d'im-migrants turcs tombe amoureux de son entraîneur Mike, son monde parfait s'écroule. Choqués et honteux, ses parents ne voient qu'une seule issue : Beyto doit se marier, respecter la tradition et l'honneur. Ils attirent leur fils dans leur village natal et projettent de le marier à Seher, son ami d'enfance. Soudain, Beyto se retrouve dans un triangle amoureux déchirant : comment retrouver un terrain d’entente avec Mike sans priver Seher de son avenir ? Subtile, sensuel et pleine de chaleur estivale, la réalisatrice zurichoise Gitta Gsell raconte l'his-toire d'amour de trois jeunes tiraillés entre deux cultures.

Michele, un jeune professeur de lycée, est excentrique, maniaque et «pas habitué au bonheur», comme il le dit lui-même. Il reconnaît que sa vie n'a aucun sens s'il n'a pas de femme à ses côtés, mais après une série d'expériences plutôt dévastatrices, il se sent plus seul que jamais. Soudain, une nouvelle enseignante de français nommée Bianca arrive dans l'école. Entre incertitudes et contradictions, ils commencent une relation. Mais une série de meurtres est commise et un policier soupçonne que Michele est impliquée. Bianca lui fournit un alibi au bon moment, mais peu de temps après, tout va de nouveau mal...

Philippe Abrams, directeur de la poste de Salon-de-Provence, fraude afin d’obtenir une mutation sur la Côte d’Azur. Mais il est démasqué: il sera muté à Bergues, petite ville du Nord. Pour les Abrams, sudistes pleins de préjugés, le Nord c’est l’horreur. Philippe ira seul... Le secret du succès de cette fameuse comédie délirante réalisée et jouée par Dany Boon, qui a attiré en 2008 plus de 800'000 spectateur·trices dans les cinémas suisses, réside peut-être dans son humour et son ironie, qui se jouent des clichés et préjugés communautaires tout en surfant avec eux. Lui-même originaire du nord de la France, Boon signe ainsi un film presque politiquement incorrect, doublé d'une belle histoire d'amitié et d'un hommage à sa langue régionale.

À l’été 2015, 1 million de personnes déplacées cherchent refuge en Europe. Parmi elles, 40'000 parviennent en Suisse. Andreas Glarner, maire de la riche commune d’Oberwil-Lieli dans le canton d’Argovie, veut frapper un grand coup et refuse d’héberger 10 réfugiés dans son village. Étudiante et fille d’un agriculteur-maraîcher local, Johanna Gündel organise avec le groupe IG Solidarität la résistance contre cette politique d’opposants. La conseillère d’Etat verte Susanne Hochuli, responsable de l’accueil des requérants d’asile dans le canton d’Argovie, craint que les peurs et les débats idéologiques empêchent de trouver des solutions intelligentes.

Comment parler avec tendresse des luttes féministes à un patriarche éclairé ? La réalisatrice helvético-égyptienne Nadia Fares mêle la chronique personnelle du féminisme en Égypte à un hommage à son père bien-aimé. Elle dresse le portrait de trois générations de femmes qui se battent pour leurs droits, mais dont les progrès sont souvent suivis de revers décourageants et de résignation. En même temps, elle montre comment l’histoire des luttes des femmes est liée aux changements politiques et sociaux de toute la nation. Dans cette lettre filmée, la réalisatrice helvético-égyptienne Nadia Fares rend hommage à son père et raconte de manière personnelle 75 ans de lutte des femmes en Égypte, le pays de son père, et en Suisse, le pays de sa mère. Ce faisant, elle explore les effets des traditions patriarcales en Orient et en Occident et les révèle comme des reflets.

Au début du 19ème siècle, le peintre français Jean-Jacques Audubon parcourt la Louisiane pour peindre les oiseaux du Nouveau Continent. La découverte des grands espaces sauvages encourage l’utopie d’une jeune nation qui se projette dans un monde d’une beauté inouïe. Depuis, le rêve américain s’est abîmé et l’oeuvre d’Audubon forme une archive du ciel d’avant l’ère industrielle. Sur les rives du Mississippi, « Bird of America » retrouve les traces de ces oiseaux aujourd’hui disparus et révèle une autre histoire du mythe national.

A la suite d'un nouveau suicide parmi les membres de leur communauté, un groupe d'indiens Guarani-Kaiowà du Mato-Grosso, emmenés par Nadio et un vieux chaman, décide de retourner sur leurs terres ancestrales. Celles-ci sont devenues la propriété d'un riche fermier qui ne voit pas d'un bon œil cette troupe dépenaillée qui s'installe au bord de la route. Un de ses employés les surveillera depuis une caravane placée près du campement. Pendant ce temps, la vie s'organise, vaille que vaille. Le vieux chaman enseigne son savoir à son successeur désigné, Osvaldo, qui est tout aussi intéressé par la vespa, et la fille du fazendeiro qui se trouve dessus. En plaçant son récit du point de vue des Indiens, l'Italo-Argentin Marco Bechis subvertit les clichés anthropologiques qui leur sont liés. Il nous livre ainsi un récit très réaliste pourtant teinté d'un humour corrosif qui évite tout misérabilisme.

L’angoisse d’une catastrophe nucléaire incite un couple âgé à se retirer du monde et à se barricader dans sa petite villa des faubourgs. Ce repli devant l’apocalypse fait frémir et quelquesfois aussi sourire. Le couple réussira-t-il à sortir de son isolement? Un chef d’œuvre qui, en 1970 déjà, décrivait une situation de confinement.

Ethéro a 48 ans, vit dans un petit village de Géorgie et n'a jamais voulu de mari. Elle chérit sa liberté autant que ses gâteaux, mais son choix de vivre seule en fait l’objet de nombreux commérages de la part de ses voisins. Lorsqu’elle tombe passionnément amoureuse d'un homme, elle se retrouve contrainte de faire un choix – poursuivre cette relation ou continuer à mener une vie indépendante. Ethéro doit faire face à ses sentiments et tenter de trouver son propre chemin vers le bonheur. Dans «Blackbird Blackbird Blackberry», inspiré du roman homonyme de Tamta Melashvili, la réalisatrice géorgienne Elene Naveriani raconte l'histoire d'une femme forte en quête de liberté. Elle se retrouve en butte aux conventions et aux normes sociales qui l’habitent et l’entourent. Le film a été présenté en grande première à la Quinzaine des cinéastes à Cannes en 2023 et il a notamment été récompensé par le Prix du cinéma suisse du meilleur film de fiction en 2024.

Inspiré de la vie de Blaze Foley, le légendaire auteur de chansons méconnues du courant musical proscrit au Texas qui a engendré des Merle Haggard et des Willie Nelson, Blaze mêle trois époques différentes avec des versions réinventées du passé, du présent et de l’avenir de Blaze. Les différents récits explorent son histoire d’amour avec Sybil Rosen, sa sombre dernière nuit sur terre, et l’impact de ses chansons et de sa mort sur ses admirateurs, ses amis et ses adversaires. Le fil de l’intrigue conduit vers une fin qui reconnaît les hauts et les bas de Blaze et vers les souvenirs que gardent de lui ceux qui partagèrent son voyage.

7 courts-métrages de 7 cinéastes qui racontent certaines des plus belles choses de la vie: les papillons dans le ventre, les mains moites de la première rencontre... et toutes ces choses totalement surprenantes qui se produisent lorsqu'on se donne des rendez-vous à l'aveugle, autrement dit des «blind dates». Einfach so Christoph Schaub (Suisse, 1997, 14 Min.) Pour son premier rendez-vous avec un inconnu, Angéla a tout prévu: elle va arriver en avance dans le grand restaurant et observer incognito l’homme qui se présentera. Pour se rassurer, elle emmène avec elle son fidèle gros chien Zacki. Mais l’inconnu se fait longuement attendre. Les quiproquos s’enchaînent…. Heureusement, Zacki est là pour la sortir d’un mauvais pas et lui trouver l’homme idéal... Le chevalier à la rose Blaise Biguet (Suisse, 1997, 17 Min.) Sepp, un jeune paysan, ne veut entendre parler ni de la fille Montandon, ni des mariages arrangés. Contre l’avis des siens, il contacte une agence matrimoniale, et décide de se rendre à Lausanne où il a rendez-vous avec sa promise, Rosa. Au cours de son voyage, il rencontre de drôles de personnages qui s’intéressent beaucoup à lui… Tiens bon, Sepp, Rosa t’attend ! Little Sister Anka Schmid (Suisse, 1997, 16 Min.) Lisa, une jeune postière timide, vit retirée dans son monde. Question coeur, la situation n’est pas vraiment brillante. Mona, sa soeur, passe délibérément une annonce dans un journal pour lui trouver un partenaire. Lisa ne supporte pas cette intrusion dans sa vie, mais elle est quand même séduite par l’idée que dix-sept inconnus s’intéressent à elle... Angélique Samir (Suisse, 1997, 11 Min.) Alessandro ne croit pas ses yeux en découvrant la beauté et le sex-appeal de la femme qui se présente à lui dans le café où ils ont rendez-vous. A tel point qu’il n’ose pas l’affronter, et se dérobe en la fuyant. Mais Angélique a de la suite dans les idées et n’est pas prête à lâcher le morceau. Elle le poursuit dans toute la ville, jusque sur le toit de la maison où Alessandro se réfugie... Joyeux Noël Bianca Conti Rossini (Suisse, 1997, 11 Min.) Le soir de Noël, Annie, une petite fille de huit ans à l’imagination vive, s’interroge sur l’identité de l’inconnu que Lise, sa mère, a invité à dîner. Elle se demande même s’il n’est pas le meurtrier que rôde dans la ville et s’attaque aux femmes seules. Peu à peu, Annie sème le trouble chez sa mère, et les deux femmes se mettent à paniquer quand on frappe à la porte. Qui est cet homme qui veut forcer la porte de la maison ?... L'hacienda du bonheur Heikki Arekallio (Suisse, 1997, 12 Min.) Dans son HLM triste et gris, Silvia rêve d’une vie à l’image des richissimes héros de « L’hacienda du bonheur », la télénovela qu’elle suit assidûment avec Johnny et Pamela, ses deux enfants. Sur un coup de tête, elle décide de faire paraître une annonce dans le journal pour trouver une âme soeur à l’image du héros de ses rêves... Les voies du Seigneur Antoine Plantevin (Suisse, 1997, 16 Min.) Soeur Angélique prie fiévreusement: l’homme qu’elle attend, un prisonnier en permission, a du retard. La Mère Supérieure, qui la surprend dans cette agitation, lui recommande de se méfier des hommes, des pervers qui pourraient tirer profit de son innocence. Soeur Angélique opine, mais lorsqu’elle entend la moto pétaradante de Rinalde qui approche, elle ne peut s’empêcher de courir à sa rencontre. Que le Seigneur soit avec elle !

Sandro vit encore chez ses parents qui n’arrêtent pas de le houspiller d’être encore célibataire. L’ami de Sandro, Iva, organise pour lui des rencontres à partir d’internet auxquelles le premier se rend sans enthousiasme. Tout change lorsque Sandro rencontre Manana, dont le mari est en prison. Comédie grinçante, tendre et poétique, Blind Dates exprime aussi très bien une société dans l’expectative. Trouvez la femme Sandro est un professeur dans la quarantaine qui vit toujours chez ses parents qui n’arrêtent pas de s’immiscer dans sa vie privée. Il ne montre que peu d’intérêt pour les rendez-vous «à l’aveugle» que son ami Iva le presse de suivre avec lui et qui se concluent toujours de façon abrupte et saugrenue. Enfin, à l’occasion une sortie sur la Mer Noire, Sandro tombe amoureux de Manana, coiffeuse de son état, dont le mari est en prison. C’est lorsque Tengo, le mari. est libéré inopinément, que la situation de Sandro prend une dimension incongrue, proche de l’absurde. Il se trouve pris dans des disputes familiales sauvages et se voit obligé de transférer Natia, employée de Manana et enceinte de Tengo, chez ses parents. Mauvaises conclusions, malentendus sont les moteurs de cette comédie mélancolique où chacun se mêle de tout mais personne n’écoute vraiment. Dans ce tohu-bohu, les hommes parlent fort - sauf Sandro qui n’en place jamais une -, mais ce sont les femmes qui montrent du caractère, résistent, s’imposent, Manana (lumineuse Ia Sukhitashvili) la première, mais aussi Natia, refusant l’argent offert pour avorter, et aussi celles des rendez-vous «aveugles» - Maka, entre autres, qui l’est vraiment, aveugle. Le second film de Levan Koguashvili est bien dans la tradition du cinéma géorgien avec son humour grinçant. Le regard sur la société géorgienne est décapant, la montrant comme à l’arrêt et dans l’attente que quelque chose se passe, mais ne faisant rien pour. Ainsi le ton de la narration reste impavide, alors que les événements s’accélèrent. Cette sorte de neutralité, avec une variété d’ellipses et d’allusions, tourné avec de superbes compositions de couleur et un sens incroyable de l’espace, de l’architecture et des paysages urbains, au bout du compte, donne au film une profondeur extraordinaire. Martial Knaebel

Un voyage passionnant et émotionnel derrière les coulisses du label pionnier américain, qui a donné une voix à quelques-uns des meilleurs artistes de Jazz des 20ème et 21ème siècles. Depuis 1939 Blue Note inspire des générations de musiciens en quête d’individualisme, et représente la liberté d’expression, l’égalité, le dialogue – des valeurs tout aussi actuelles aujourd’hui qu’à la création du label. A travers des séances d’enregistrements récentes, des archives rares et des entretiens avec des stars de Blue Note comme Herbie Hancock, Wayne Shorter, Norah Jones, Robert Glasper et Ambrose Akinmusire, Sophie Huber raconte la naissance du Jazz jusqu’au Hip-Hop.

Un film au rythme endiablé, à la rencontre de danseurs et danseuses suisses dont les pieds sont au service de la musique. Une tournée qui conduit du Bödälä suisse au flamenco en passant par les claquettes et la danse irlandaise. Alors que leur art trouve ses racines dans le monde entier, les personnes filmées ont un point commun : le plaisir contagieux de danser, de marteler la cadence et de frapper le sol avec les pieds. Documentaire plein de musique dans les jambes, de rythme et de joie de vivre.

En Corée du Sud, au fond des montagnes recouvertes de forêts luxuriantes, trois êtres humains se rencontrent: un vieux maître du bouddhisme zen, un jeune moine encore peu sûr de lui et un orphelin. Autour d'eux, la nature dominatrice et ses éléments: l'eau, le feu, la terre, le vent et la lumière. Ce cadre tout simple suffit à Yong-kyun Bae pour faire ressentir la vie comme une aventure intérieure et collective. Toutefois, ces trois personnages pourraient aussi représenter les trois âges et phases de la vie d'un seul être humain, dans sa recherche de l'essence du soi, de l'harmonie parfaite et de la liberté intérieure. «Pourquoi nous faut-il toute une vie pour résoudre le problème de la vie dans le monde?» Pour répondre à cette question, le Coréen Yong-kyun Bae se plonge dans sa propre culture, créant une parabole universellement valable. Radicalement marginal, il a travaillé et retravaillé son oeuvre pendant huit ans, assumant lui-même scénario, dialogues, production, décors, lumière, prise de vue, son et montage. Véritable Hercule et Prométhée du film, il oppose au cinéma international qui, par sa soif d'action, rend aveugle et blasé, des touches de phrases d'une sérénité envoûtante et des images au rythme magique. Elles aiguisent l'esprit, permettent des découvertes à couper le souffle, sensibilisent l'oreille à une philosophie.

Janusz est un homme qui ne se choque pas facilement. Médecin légiste, il procède à des fouilles précises, analysant les lieux de crimes dans des rapports détaillés. En dépit des situations extrêmes auxquelles il est confronté, il travaille dur. Peut-être trop. Mais face à sa fille Olga, anorexique et toujours en deuil de sa mère, Janusz se trouve désarmé. Affolé à l’idée qu’elle pourrait se suicider, il l’inscrit dans une clinique où travaille la psychologue Anna. Des années auparavant, Anna a perdu son enfant dans une mort subite du nourrisson. Maintenant, elle se claquemure, avec son grand chien, dans un appartement lourdement barricadé et appelle les esprits qui communiquent avec les vivants au-delà de la mort. Malgorzata Szumowska use de la comédie noire pour parler des difficultés que rencontrent les gens à surmonter la perte d’êtres aimés. Le film explore la peur, en même temps le désir, de l’intimité, l’automutilation en raison de l’angoisse mentale et l’évasion dans l’ésotérisme. Une méditation complexe sur la solitude du coeur et le conflit entre le rationnel et la croyance en un univers surnaturel.

«Magic Friday»: le vendredi avant Noël, c'est la soirée la plus fréquentée de l'année d'un restaurant gastronomique de Londres. Côté cuisine, à quelques minutes du coup de feu, tout le personnel est en ébullition. Mais les problèmes s'accumulent pour le chef étoilé Andy Jones (Stephen Graham), sa sous-cheffe Carly (Vinette Robinson) et leur sa brigade. Sans compter la pression constante d'une clientèle toujours plus exigeante, qui menace de conduire le restaurant à sa perte... Le réalisateur britannique Philip Barantini nous catapulte dans l'aventure haletante et le tumulte fascinant d'un restaurant étoilé, où s'affrontent des tempéraments bien différents. Tourné en un seul plan-séquence de 94 minutes, «Boiling Point» fait bouillir toute une soirée au restaurant et ne manque pas de captiver.

En 1928, alors que Paris vit au rythme des années folles, la danseuse Ida Rubinstein commande à Maurice Ravel la musique de son prochain ballet. Tétanisé et en panne d’inspiration, le compositeur feuillette les pages de sa vie - les échecs de ses débuts, la fracture de la Grande Guerre, l’amour impossible qu’il éprouve pour sa muse Misia Sert… Ravel va alors plonger au plus profond de lui-même pour créer son œuvre universelle, le Boléro. Avec Raphaël Personnaz, Doria Tillier, Jeanne Balibar, Emmanuelle Devos, Vincent Perez, Suzanne Clément et Sophie Guillemin.

Avec une infinie tendresse, Bombón nous conte les joies, les peines et les espoirs de personnages attachants, croisés au détour des routes interminables de Patagonie. Juan vient d'être licencié de la station-service où il travaillait depuis vingt ans. Confronté au chômage alors qu'il a 52 ans et pas de formation, il sculpte des manches de couteaux qu'il essaie de vendre, sans succès. Un jour, après être venu en aide à une jeune femme en panne au bord de la route, il se retrouve propriétaire d'un chien de race, un magnifique dogue argentin baptisé Bombón. Il semble que la chance lui sourie enfin: son chemin croise bientôt celui de Walter, entraîneur professionnel enthousiaste, qui n'a de cesse de présenter Bombón au prochain concours canin. L'objectif: monnayer les services du champion pour donner une descendance à des femelles. Mais l'animal semble peu enclin à faire ce que l'on attend de lui... Après Historias minimas, le réalisateur argentin Carlos Sorín revient avec d'autres « petites histoires », racontées dans le même esprit minimaliste, à la limite du documentaire. Les histoires simples de personnages simples? Le réalisateur s'en défend : «L'univers intérieur du plus humble paysan est aussi insondable que celui d'un professeur de philosophie », explique-t-il. « La différence est que le second communique principalement par la parole, tandis que le premier s'exprime par des gestes et des silences. Au cinéma, j'ai toujours préféré le geste au texte.» Un regard, une expression, un mouvement que l'on devine à peine: il n'en faut pas plus pour exprimer la vérité des personnages. Une démarche soutenue par des comédiens amateurs qui jouent avec un naturel confondant. Ou plutôt, qui n'ont pas besoin de « jouer », car ainsi que le souligne le réalisateur, « les interprètes du film sont, dans leur essence même, dans leur âme, identiques à leurs personnages.» Au final, des émotions réelles pour une fiction qui sonne extraordinairement juste.

Bond, James Bond ? Non, Born, Frank Born. – Frank Born, un petit employé, est tellement fasciné par OO7 qu’il se prend pour l’agent au service de Sa Gracieuse Majesté. Quand son médecin l’envoie soigner sa « bonditis » dans un village perdu dans les montagnes, il se retrouve pris entre des services secrets rivaux. Bizarre parodie made in Switzerland autour de l’engouement pour Bond dans les années 1960.

Allant et venant entre le documentaire et la fiction, le film aborde la vie et l'oeuvre de l'un des plus grands auteurs de langue espagnole: Jorge Luis Borges. La texture du film est une juxtaposition de documents d'archives et d'univers fascinants de labyrinthes infinis de bibliothèques et de livres. Walter Santa Ana incarne le personnage créé par l'écrivain argentin, qui n'est autre que Borges lui-même. Pour commémorer le centenaire de la naissance de Jorge Luis Borges, Tristán Bauer a réalisé un documentaire où se mêlent avec maîtrise, respect et poésie, des documents d'archives, des entretiens, des photographies retraçant les principaux moments de la vie de l'écrivain, de ses positions politiques et ses déboires avec le régime Perón à ses succès internationaux. Tristán Bauer ne se limite pas à un travail d'historien, mais restitue l'univers de l'écrivain avec sobriété et subtilité : puits infinis de l'étrange Bibliothèque de Babel, multiples couloirs, cercles, miroirs, escaliers et hexagones. Il part à la rencontre du monde de Borges, de sa fiction et parvient à évoquer l'atmosphère de ses poésies, de ses contes, de ses obsessions littéraires et métaphysiques.

Un petit garçon et son frère aîné sont en route pour la ville. C'est là qu'habite le père des enfants qui, depuis le divorce de leurs parents, sont élevés par leur grand-mère. L'adolescent souhaite confier l'éducation de son petit frère à son père et tente de convaincre son entourage que le temps est mûr. Or, notre petit héros a déjà la tête dure. Il se rebiffe et finit par retourner avec son frère chez sa grand-mère. Voilà toute l'histoire du film. En fait, le film a pour seul thème le voyage aventureux à travers la steppe du Tadjikistan. Des images d'une étonnante fraîcheur emplissent l'écran, captant ici et là la réalité quotidienne des gens simples. Dans sa première oeuvre, Khudojnasarov nous conduit à travers la magie de la steppe, refusant le grand spectacle et les artifices. Le rythme très personnel du film s'accorde aux tambours de la musique folklorique tadjike, et le flot d'images laconique produit un effet magique et insolite. Le spectateur se carre dans son fauteuil et contemple ces images comme s'il redécouvrait le cinéma. «Bratan» l'emporte dans un monde sensuel où les détails quotidiens se transforment en véritables petits miracles.

Bratsch, situé dans les montagnes de Loèche, est un village haut-valaisan avec une vue magnifique sur la vallée du Rhône. En 2015, le village comptait encore cent habitants. Depuis la fusion de la commune avec Gampel, en bas de la vallée, l'école était vide. Les choses devraient changer. Le film documente le développement et les changements dans le village depuis la réouverture de l'école en automne 2016 jusqu'à aujourd'hui.

Robin (Andrew Garfield) est un beau jeune homme heureux avec toute la vie devant lui. Mais une poliomyélite le paralyse jusqu’à la gorge. Malgré toutes les recommandations des médecins et en dépit du fait que jamais un patient atteint de polio n’a survécu en dehors de l’hôpital, la femme de Robin, Diana (Claire Foy) décide de ramener son époux à la maison. Son dévouement, une complicité renforcée et sa détermination l’aident à faire oublier son handicap à Robin et à lui offrir des libertés insoupçonnées. Ils décident de ne pas se laisser enfermer dans la douleur et de voyager. Leur humour, leur courage et leur joie de vivre émeuvent tous les gens qu’ils rencontrent. Mais l’état de Robin s’aggrave terriblement. Ce premier film de l’interprète de Gollum Andy Serkis, à la mise en scène classique mais touchante, est tiré de l’histoire vraie du Britannique Robin Cavendish.

A Breitiwil, un village de l’Emmental, le monde est sans dessus dessous. L’exploitant d’une porcherie industrielle en difficulté financière veut vendre du terrain à une grande entreprise et du coup résilier le bail d’un jeune agriculteur menacé de tout perdre. Toutefois, les jeux ne sont pas encore faits.

Le documentaire tente une approche à différents niveaux de Saint Nicolas de Flüe. Les rares témoignages et les citations de ses textes mystiques transmis, en particulier la vision de la tour et de la fontaine, permettent de dresser le portrait d'une personnalité aux multiples facettes et d'une importance historique. Version restaurée.

1984. À la recherche d'une expérience plus profonde que la superficialité de notre civilisation moderne, Bruno Manser, un activiste écologiste suisse, voyage au cœur de la jungle de Borneo en Malaisie. Il y rencontre les Penan, une tribu nomade avec qui il décide de vivre. Cette expérience le marquera à vie. Malheureusement, la déforestation des forêts commence durant son séjour parmi les Penan. Avec courage et détermination, Bruno Manser organise son premier blocage en septembre 1985. Son incroyable histoire fait de lui un des plus grands écologistes de son époque.

Tandis que les spectateurs affluent dans les salles de cinéma pour découvrir la fiction retraçant la vie dans la jungle de Bruno Manser, c'est aussi le moment de regarder le documentaire à succès BRUNO MANSER - LAKI PENAN réalisé en 2007 par Christof Kühn, maintenant numérisé pour le streaming. Avec des enregistrements sonores et des images originales de Manser, des interviews de ses compagnons dans la jungle de Bornéo, c'est une plongée authentique dans l'existence aventureuse de l'activiste suisse de l'environnement.

Les musiciens du Buena Vista Social Club ont fait découvrir au monde entier la vitalité de la culture cubaine grâce à leur emblématique album de 1997 sorti chez World Circuit Records, et à travers le documentaire de Wim Wenders nommé à l'Oscar Buena Vista Social Club. Buena Vista Social Club: Adiós, retrace aujourd'hui le parcours du groupe dans la captivante histoire musicale de Cuba, tandis que ses membres reviennent sur leurs remarquables carrières et les extraordinaires circonstances qui les ont réunis.

Beyond the occasional news clip from Burma, the acclaimed filmmaker Anders Østergaard, brings us close to Burma’s video journalists who insist on keeping up the flow of news from their closed country despite risking torture and life in jail. Armed with small handycams they make their undercover reportages, smuggle the material out of the country, and broadcast back into Burma via satellite or offered as free usage for international media.

«À présent, dites la vérité.» Lors d’une livraison, Jongsu, un jeune coursier, tombe par hasard sur Haemi, une jeune fille qui habitait auparavant son quartier. Elle lui demande de s’occuper de son chat pendant un voyage en Afrique. À son retour, Haemi lui présente Ben, un homme mystérieux qu’elle a rencontré là-bas. Un jour, Ben révèle à Jongsu un bien étrange passe-temps…

Fraîchement nommé, un jeune procureur prend son poste dans une ville perdue en Anatolie, en proie à des pénuries d’eau. Découvrant l’engouement des notables locaux pour la chasse, il devient rapidement la cible de tentatives de séduction et d’intimidation... Par le prisme du polar tendu, le réalisateur turc Emin Alper restitue l’insidieuse mécanique des populismes et nous suspend au bord du gouffre!

Dans la forêt, un colporteur trébuche sur le cadavre d’une fillette et est arrêté. Le commissaire Matthäi est toutefois persuadé que l’auteur du crime court toujours. Il décide de mener sa propre enquête et a recours à une méthode discutable. Le commissaire tend un piège au meurtrier en plaçant sur sa route la petite Anne-Marie en guise d’appât… Polar à l’atmosphère pesante, avec Heinz Rühmann et Gert Fröbe, d’après un scénario de Frédéric Dürrenmatt.

C'est avec Bab al-Hadid , son troisième film que Youssef Chahine frappera un grand coup, jetant aux orties toutes les conventions du cinéma populaire pour présenter un drame social dont le lieu unique sera la gare centrale du Caire et de ses dépendances. Un film dans la plus pure veine du néoréalisme, tourné en noir et blanc, dont le héros, qu'il interprètera lui-même, est un pauvre hère, Kenawi, recueilli par le tenancier du kiosque de la gare. Mais LE personnage principal en sera la gare, sa vie trépidante, chaotique, éclatée, ces foules qui la traversent, qui y travaillent pour une misère. 1958, date de la sortie du film, cela fait six ans que le roi Farouk a été déposé par le Mouvement des Officiers Libres composé de jeunes militaires emmené par Gamal Abn El Nasser, quatre ans que ce dernier a renversé le président en exercice, le général Naguib, pour gouverner sans partage. L'enthousiasme des jeunes progressistes, dont on peut dire que Youssef Chahine faisait partie, s'est assez vite refroidi, car beaucoup de travers qui caractérisaient la société égyptienne tardaient à disparaître. Bab al-Hadid exprime sans beaucoup d’ambiguïté que le réalisateur prend déjà ses distances par rapport au régime. La gare est en effet racontée comme le microcosme d'une société, où la corruption, le clientélisme et le mépris pour les plus faibles font office de «gouvernance». La gare, donc, c'est là où toutes sortes de gens essaient de glaner quelques pièces pour vivre. Il y a l'accorte et belle Hanouna qui vend des limonades à la sauvette aux voyageurs, sur les quais, dans les trains. Elle et ses compagnes doivent se cacher de la police et du gérant du buffet. Les formes généreuses de la belle attirent les regards, et elle sait en user pour accrocher le chaland. Le pauvre Kenawi, sale, difforme et boîteux, devenu vendeur de journaux à la criée, prisonnier de sa solitude, en tombera follement amoureux. Mais elle n'a d'yeux que pour le fort et beau Abou Serih, un porteur parlant haut et cherchant à fédérer ses camarades pour fonder un syndicat afin que cesse leur dépendance envers une espèce de maffia qui les sous-paie. Fou d'amour et de jalousie, Kenawi, voyant qu'elle lui échappe voudra la tuer. Tout ceci se déroule au milieu d'un maelström de scènes de la vie quotidienne trépidante de la gare, où nos personnages se fondent, où quelques fois le spectateur se noie, emporté par les courants qui se croisent, se bousculent sur les quais, au guichet. Avec Bab al-Hadid, Chahine a mis le cinéma égyptien cul par-dessus tête, se libérant de toutes les conventions régissant la mise en scène cairote de l'époque, la caméra s'attardant sur les formes généreuses d'Hanouna, osant parler de sexe sans fard, montrant que le Nassérisme n'avait rien réglé, en fait filmant la réalité telle qu'elle était - le film a d'ailleurs était tourné intégralement dans la gare et ses alentours. Le film a été d'abord rejeté dans son pays, mais la vitalité quasi explosive qui en jaillit, la capacité du cinéaste de diriger une mise en scène polyphonique, auront assis sa réputation internationale. Version restaurée.

Jeune photojournaliste idéaliste, Camille part en Centrafrique couvrir la guerre civile. Ce qu’elle voit là-bas changera son destin. C’est avec dignité que Boris Lojkine raconte l’histoire vraie d’une jeune femme qui regarde et habite le monde avec une intensité rare, et tente désespérément de rendre compte des conflits et des drames d’une Afrique que l’Occident préfère ignorer. Prix du Public Piazza Grande au Festival de Loacarno.

Sebastián - sceptique et avare en sentiments - s’improvise chauffeur à Buenos Aires. En détresse financière, il accepte la proposition surprenante de Jalil, un vieil homme rencontré lors d’une course: le conduire jusqu’à La Paz, en Bolivie, première étape d’un pèlerinage à la Mecque. D’abord réticent, Sebastián accepte ce long voyage. Un périple qui le fera découvrir une culture, le partage et un père spirituel. Porté par deux acteurs exceptionnels (Rodrigo de la Serna dans le rôle de Sebastián), cette histoire de rédemption et de renaissance est éblouissante de justesse et d’humanité.

Pérou, au plus fort de la crise politique des années 80. Georgina attend son premier enfant. Sans ressources, elle répond à l’annonce d’une clinique qui propose des soins gratuits aux femmes enceintes. Mais après l’accouchement, on refuse de lui dire où est son bébé. Décidée à retrouver sa fille, elle sollicite l’aide du journaliste Pedro Campos qui accepte de mener l’enquête.

Un musicien médiocre rêve de devenir une star du rock : Julius part donc à la recherche du légendaire fabricant de guitares américain Elmore Silk dans le but de conclure un marché avec lui. En cours de route, il rencontre des personnages importants qui l’ont connu. Une quête qui démontre l’absurdité du fameux « rêve américain ». Road-movie à travers les Etats-Unis, mise en scène très évocatrice, avec une bande-son de Tom Waits, Leon Redbone, Arto Lindsay, Joe Strummer et David Johansen.

A l’âge de quatre ans, Argyris Sfountouris a survécu en 1944 à un massacre brutal perpétré par les forces occupantes allemandes; il a perdu alors ses parents et plus de 30 membres de sa famille; cet orphelin grec est venu en Suisse, accueilli au village Pestalozzi pour enfant et il a obtenu son doctorat à l’EPF de Zurich. Charmant et empreint d’une sérénité mélancolique, il s’est débattu, pendant toute sa vie, avec cette folie qui lui est tombé dessus lorsqu’il était enfant.

Les parents de Zain étaient trop pauvres pour enregistrer sa naissance. Ne possédant pas de papiers, il est privé de tous les droits. Mais c’est un battant. Adroitement, il se faufile à travers les rues de Beyrouth. Pour nourrir ses nombreux frères et sœurs, il porte de lourdes livraisons pour l’épicerie d’Assadd, l’impitoyable propriétaire de la chambre qu’ils louent. Et c’est avec ce type que doit se marier sa sœur Sahar âgée de onze ans. Zain fait tout pour empêcher ce mariage, en vain. Pour finir, il s’enfuit. Dans un parc d’attractions, il rencontre Rahil. Elle propose de lui offrir le gîte, si en échange, il garde son fils d’un an. Quand un soir, Rahil ne rentre plus, Zain prend soin du bébé avec beaucoup d’amour. Avec un regard empathique, la réalisatrice Nadine Labaki montre le monde caché des enfants de la rue, les personnages principaux de son film. Ce sont notamment les extraordinaires performances des acteurs non-professionnels qui font la qualité de ce film profondément humain. Au Festival de Cannes, «Capharnaüm» a remporté le prestigieux Prix du jury.

Fawzi et Mahmoud sont adolescents et réfugiés syriens dans le camp de Zaatari en Jordanie. Comme beaucoup de garçons de leur âge, ils jouent au foot et rêvent d’une carrière professionnelle. Un jour, l’équipe du camp est invitée à participer à un tournoi dans une académie de jeunes espoirs au Qatar. Le cinéaste égyptien Ali El Arabi suit le parcours de ces deux ados dans un documentaire aussi touchant que porteur d'espoir.

Paris, 1894. Qui est Fanni qui prétend s’être laissée enfermer volontairement à l’Hôpital de la Salpêtrière ? Cherchant sa mère parmi la multitude des femmes accusées de folie, Fanni découvre une réalité de l’asile toute autre que ce qu’elle imaginait, ainsi que l’amitié inattendue de compagnes d’infortune. Le dernier grand bal de la Salpêtrière se prépare. Politiques, artistes, mondains s’y presseront. Dernier espoir d’échapper au piège qui se referme... Porté par un casting de choix qui regroupe notamment Mélanie Thierry, Josiane Balasko et Carole Bouquet, « Captives », le film d’Arnaud des Pallières est un drame historique qui nous transporte dans une époque où les enjeux de la liberté et les liens entre les âmes blessées se révèlent être d’une splendeur bouleversante.

Bonne à tout faire, Yarisa est entrée à l’âge de quinze ans au service d’un couple de nantis issus de la colonisation à Saint-Domingue, en République dominicaine. Elle a vu grandir Sara, la fille de ses patrons, et s’est occupée d’elle au point de devenir sa plus proche complice, sa seconde mère en quelques sortes. Tandis que Sara connaît les premiers émois de l’adolescence et suit son grand-frère Alvaro dans des virées endiablées, la riche famille quitte la capitale pour emménager sur la côte nord-est, à Las Terrenas. Probablement afin que Pedro, le patriarche, puisse y poursuivre ses activités lucratives et corrompues en toute tranquillité. C’est justement de cette région que vient Yarisa. Elle y a laissé grandir sa propre fille, Mallory, aujourd’hui adolescente, ne lui rendant visite qu’à de très rares occasions. Hélas, à la suite d’une fête arrosée, le fragile équilibre que Yarisa a construit au sein de sa «nouvelle» famille se brise brutalement… En débutant avec la relation forte qu’entretiennent Yarisa et Sara, puis leur confrontation avec Mallory faisant figure de fille déchue, «Carajita» (qui signifie «gamine») décrit tout d’abord avec sensibilité la situation des innombrables nourrices d’Amérique latine, qui alimentent leurs proches tout en les abandonnant. Dès lors que le drame se noue et passe de la simple rivalité à une âpre culpabilité, la dimension du film se décuple en venant refléter avec force les différences de classes et le racisme qui perdurent. Entre les colonisateurs décadents au pouvoir et les descendants des esclaves, il y a un fossé dont le duo hispano-argentin Silvina Schnicer et Ulises Porra Guardiola restitue l’abîme en reflétant deux mondes que tout oppose: d’une part celui des non-dits et des banquets huppés où l’on invite les députés et s’échange de faux sourires, d’autres part l’univers traditionnel de la culture caribéenne et son mélange de croyances, de superstitions et de fantômes… Partant, les cinéastes expriment la détresse de leurs protagonistes principales, victimes indirectes d’une injustice sociale qui n’en finit plus, en convoquant une bande-son étourdissante et des éléments de la nature environnante – la mer, la jungle, un troupeau de chèvres – atteignant ainsi à une symbolique et richesse d’interprétation magnifiques!

Italie 1609. Accusé de meurtre, Le Caravage a fui Rome et s’est réfugié à Naples. Soutenu par la puissante famille Colonna, Le Caravage tente d’obtenir la grâce de l’Église pour revenir à Rome. Le Pape décide alors de faire mener par un inquisiteur, l’Ombre, une enquête sur le peintre dont l’art est jugé subversif et contraire à la morale de l’Église. Biopic de Michele Placido avec Riccardo Scarmarcio, Louis Garrel et Isabelle Huppert.

Il y a 40 ans, la révolution iranienne était sur le point de balayer la dictature du Shah. Mais son principal soutien, le monde occidental, et sa culture, furent aussi visés. Des cinémas furent brûlés et l’un de ces incendies fit 478 victimes. Ce drame va-t-il se reproduire dans le présent en pleine projection?

Ils ne portent pas d'uniforme, pas d'armes et n'ont pas de gardes du corps, mais leurs missions les conduisent sur les lieux les plus dangereux du monde. Leur équipement se compose de laptops, de petites caméras vidéo et de magnétophones. Dans un travail méticuleux et extrêmement laborieux, ils collectent les faits qui étaieront les actes d'accusation portant sur quelques-uns des crimes les plus terribles de notre temps: ceux qui furent commis au Darfour, en Ouganda, en République démocratique du Congo et en République centrafricaine. Une rencontre avec les enquêteurs du Tribunal pénal international de la Haye.

Projectionniste dans un village des environs de Bichkek, la capitale du Kirghizistan, Centaur tente de s’opposer à ce qu’il estime être une perte des valeurs morales engendrée par le développement d’une société d’économie libérale. Aktan Arym Kubat propose encore une fois, après Le voleur de lumière, une émouvante élégie, hommage à une culture confrontée à une mutation paraissant irréversible. Centaur vit avec sa jeune femme sourde et muette et leur fils dans un village des en‑virons de Bichkek, la capitale du Kirghizistan. A Nurberdi, son fils, il raconte les légendes du temps passé, où les chevaux et les hommes ne faisaient qu’un, les premiers donnant des ailes aux seconds. Ailleurs dans le village, un mystérieux voleur s’introduit dans les écuries, y volant des chevaux, justement, pour leur rendre leur liberté. Ce geste va au-delà de la compréhension de Karabay, le riche parvenu du coin, pour qui le cheval n’a plus d’autre valeur que marchande... Qu’on ne s’y trompe pas, l’intrigue de Centaur ne tourne pas autour d’une simple opposition entre tradition, forcément bonne, et modernité, forcément mauvaise. Le propos de Arym Kubat est plus subtil, comme le sont sa mise en scène et les parcours de ses protagonistes. Centaur est lui-même projectionniste, il n’est pas fermé à la technique apportée par le progrès, sa femme est russe et Karabay, le nouveau riche, n’est pas insensible au discours de son frère de sang. Le film doit plutôt être pris comme un instantané poétique, évitant les clichés exotiques, traçant le portrait d’une société en pleine mutation, subissant des influences multiples dans une région du monde secouée par la guerre - en Afghanistan tout proche - où un Islam rigoriste tente de s’imposer. Le sérieux du propos n’empêche pourtant pas l’humour de s’immiscer dans le récit, lui donnant une légèreté bienvenue. En fait, Centaur, tourné au Kirghizistan, narrant une histoire caractéristique de la culture et de la situation politique kirghizes, développe une intrigue à la portée universelle menée de main de maître par un réalisateur qui s’impose aussi - encore une fois - comme un acteur de talent. Martial Knaebel

CERN et le sens de la beauté dévoile les secrets du laboratoire souterrain du CERN et montre à quel point la beauté et l’harmonie guident les scientifiques autant que les artistes. Les gigantesques machines du CERN saisissent des images à l’énergie aussi mystérieuse que les œuvres d’artistes tels qu’Olafur Eliasson, Michael Hoch, Carla Scaletti et de nombreux autres. Les images évoquent la spiritualité humaine et de liens avec la nature. Des liens qui ont été vécus dans la peur, dans l’expérience commune, dans la puissance destructrice et qui démontrent clairement aujourd’hui que l’humanité ne peut arrêter le réchauffement de la planète – le seul espace vital à sa disposition. Les scientifiques du CERN se mesurent aux grandes questions des philosophes et des mystiques – celles touchant à l’univers, à nos origines, à notre destin. Certains croient en Dieu, d’autres croient aux lois de la physique et aux formules mathématiques. Mais tous reconnaissent ne comprendre la nature insaisissable de la matière et du cosmos que grâce à leur sixième sens : le sens de la beauté.

Tous les ans, une dame fortunée organise une soirée pour ses domestiques où, dans un renversement des rôles, le personnel se fait servir par ses patrons. Au fil de la soirée, les domestiques sont appelés à se rebeller, mais croient qu’il s’agit d’une comédie. Une leçon satirique sur l’échelle sociale – aussi flamboyante et exaltée qu’un opéra.

La guerre du Chaco n’est pas le thème principal du film, bien qu’il raconte l’histoire d’un groupe de soldats boliviens, aymaras et quechuas, dirigés par un commandant allemand déchu, à la frontière entre le Paraguay et la Bolivie en 1932. Ce n’est pas non plus un film d’époque. Chaco est un arrêt dans le temps, une marche infernale qui nous mène au bout de nous-mêmes.

Après 20 ans de mariage, Maria (Chiara Mastroianni) décide de quitter le domicile conjugal. Une nuit, elle part s’installer dans la chambre 212 de l’hôtel d’en face. De là, Maria a une vue plongeante sur son appartement, son mari, son mariage. Elle se demande si elle a pris la bonne décision. Bien des personnages de sa vie ont une idée sur la question, et ils comptent le lui faire savoir. «Chambre 212» est un film splendide sur les tumultes de l’amour.

Certaines ressemblances sont troublantes. Ainsi celle de ce vicomte guillotiné, pipe au bec, pendant la terreur, d'un aumônier militaire au torse tatoué comme un truand et baptisant à la chaîne des militaires, pilleurs et violeurs, avec un clochard parisien réduit à l'état de planche par un rouleau compresseur et finalement d'un concierge lettré - mais aussi trafiquant d'armes - d'un gros immeuble. Presque tous les personnages du film se croisent dans cet immeuble, sauf bien sûr les sans-abri que les flics transbahutent d'un lieu à l'autre sans ménagement. Et pourtant au milieu de tout ce chaos, il y a des espaces de rêve, des histoires d'amour, de solides amitiés qui peut-être nous permettent d'espérer que demain sera mieux qu'aujourd'hui.

Beyrouth, de nos jours. Trois femmes qui ne se connaissent pas prennent le même bus pour aller à la prison des hommes, dans l’arrière-pays libanais. Au milieu de cette terre aride, elles vont être, à travers ce voyage, confrontées bien malgré elles à la quête de leur propre indépendance.... Diama El-Horr: «Trois femmes figées dans un contexte social et politique très tendu, où rien ne bouge, de peur d’une catastrophe imminente. Les différents événements ne révèlent que la rigidité de la situation, les empêchant de réagir, d’évoluer, de se développer. À l’instar des héroïnes de ce film, les libanais n'ont pas les moyens de changer, mais nous savons nous amuser dans un monde où notre vie ne pèse pas lourd. Nous vivons aujourd’hui dans une région dévastée par des guerres perpétuellement renouvelées, incapables de jouer un rôle efficace dans une vie politique défaillante. Nous ne pouvons que faire appel à notre imaginaire comme alternative à un paysage en noir et blanc. Pour nous le cinéma est une petite lucarne à travers laquelle nous exposons certaines de nos pensées, de nos obsessions et de nos craintes. Ces femmes ne sont ni optimistes ni pessimistes, elles attendent simplement un "miracle", comme nous... Mais les miracles existent-ils vraiment ?»

Char est une île sur le fleuve qui trace la frontière entre l'Inde et le Bangladesh. Là, Rubel et sa famille vivent aux côtés d'autres ayant perdu leur maison. Cette île émargea comme un cadeau offert par le fleuve pour le donner aux gens comme un refuge après avoir noyé leur village lorsque le niveau de l'eau s'est élevé. Mais ce présent est fait de sable, une réaction géologique éphémère après la mise en route du barrage en amont. Poussés par la nécessité, les gens se sont appropriés ce nouveau territoire - comme les oiseaux - pour y monter une affaire de contrebande. Bétail, alcool, riz et autres biens sont passés en fraude, au nez des patrouilles des douaniers, avec une intelligence admirable: une bataille héroïque pour la survie qui rapporte à Rubel juste de quoi rêver à un meilleur futur, bien que (ou parce que) Char ne sera rien de plus qu'une étape de sa vie. Sourav Sarangi a observé ce microcosme détrempé pendant de nombreuses années, usant de différentes caméras pour saisir des images hétérogènes, parfois presque apocalyptiques. Son histoire d'un garçon qui grandit se termine par une fin ouverte, laissant un sentiment de stupéfaction curieusement merveilleuse.

Le film fait le portrait d’un vieil homme qui décide de quitter sa vie confortable de patron bourgeois pour mener une vie retirée auprès d’un couple de bohèmes: là, il retrouve sa liberté de pensée et le goût de vivre.

Prix du meilleur documentaire au Festival International de Cinéma de Montréal, c’est la plus belle peinture du révolutionnaire argentino-cubain. Après 12 ans de recherches effectuées par le réalisateur, le film délivre des images et des documents inédits du guérillero argentin : sa voix qui lit de la poésie, ses deux derniers cahiers gardés secrets par l’armée bolivienne, les mots tendres qu’il écrivait à son épouse, la correspondance avec sa mère pendant sa lutte à Cuba, le tournage de leurs retrouvailles à Montevideo et même les livres qu’il lisait dans son enfance ou ses cahiers de voyage. Ce montage unique de textes, images et sons retrouve l’être humain, le penseur et l’écrivain qui s’agitaient derrière l’icône.

Au milieu de la mer Egée, sur un yacht de luxe, six hommes partis pêcher décident de jouer à un jeu. Dans ce jeu, les choses seront comparées et mesurées, le sang sera testé. Les amis deviendront rivaux mais à la fin du voyage et du jeu, le vainqueur portera la bague de la victoire: le "Chevalier".

Le thème de la contribution de Fredi M. Murer au film épisode Swissmade est "La Suisse après nous". L'épisode de Murer a lieu en l'an 2069. Un "citoyen intégré avec une tendance latente à devenir un citoyen non intégré" est chargé par le "Brain Center" de produire un film sur la mission inconnue d'un être étranger. L'être extraterrestre est un extraterrestre conçu par H. R. Giger (bien avant ALIEN) avec une caméra et une bande magnétique intégrées, qui voyage à travers la terre en l'an 2069 pour explorer les conditions actuelles. Le reporter du film est Murer lui-même. Sans exception, les artistes de la vie réelle étaient d'authentiques militants de 1968, dont certains ont ensuite fait carrière dans la politique ou l'art. En bonus: Le freaky "Chicorée" avec Urban Gwerder, un des fins les plus sponieux et colorés qui soit.

Le Japon en 1684. Ishun, le grand fabricant de calendriers de Kyoto, est un quinquagénaire vaniteux et arrogant. Il a épousé en secondes noces une jeune et jolie femme, Osan, fille d'un marchand drapier qui a eu des revers de fortune. Sa famille faisant appel à elle pour l'aider financièrement, Osan se trouve dans une situation difficile car elle sait qu'elle n'obtiendra rien de son mari. Elle s'adresse à Mohei, un jeune calligraphe talentueux de la fabrique, en qui elle a toute confiance. Celui-ci accepte de lui prêter de l'argent, en le prélevant sur la commande d'un client. Le soupçon d'adultère qui pèse sur eux – alors qu'ils n'ont encore rien fait, s'ajoutant à la crainte de voir découverte la malversation, les obligent à s'enfuir. Furieux, Ishun lance à leur poursuite la police du Shogun. Les fugitifs sont rattrapés et le châtiment sera terrible : selon la loi, ils seront ligotés ensemble, promenés à travers la ville et crucifiés sur la place publique. Mais les deux, devenus amants, marcheront joyeux, sachant qu'ils se retrouveront unis par delà la mort. Les amants crucifiés est un pur mélodrame, rare dans la filmographie de Mizoguchi. Le réalisateur vole ici au secours de la passion amoureuse et de la liberté individuelle. La tradition et les lois sociales montrent toujours leurs faiblesses et leur iniquité. Seule triomphe à la fin, mais à quel prix, l'amour que les deux jeunes gens se portent.

Rahima, 23 ans, travaille dans la cuisine d’un restaurant huppé de Sarajevo. Elle vit avec son frère Nedim, 14 ans. Elle a du mal à joindre les deux bouts avec son maigre salaire, mais elle essaie, envers et contre tout, de reconstruire une atmosphère familiale et de protéger Nedim. Dans une mise en scène superbement travaillée, Aida Begic laisse entrevoir une petite lueur dans une Sarajevo qui n’a pas fini de panser ses plaies dues à la guerre. Nedim et sa grande soeur Il y a les événements historiques, ceux qui font la une des journaux, les guerres, les coups d’Etat, les soulèvements. Puis, il y a l’«après», le plus souvent oublié car peu spectaculaire. Cet «après», ce sont les blessures psychiques et morales qui ne se cicatrisent pas, ou si mal, ce sont les sociétés exsangues où les repères se perdent. Et c’est de cet «après», dont nous parle Aida Begic, dans Sarajevo où les pétards des fêtes de fin d’année ont le son d’autres détonations de sinistre mémoire. Rien de lourd pourtant, ni de didactique, dans cette évocation. Les enfants de Sarajevo a trouvé sa propre respiration, en fait celle de Rahima que la caméra suit sans discontinuer. Nerveuse, sèche, comme la jeune femme qui cherche à se protéger, elle et son petit frère à qui elle voudrait offrir un semblant de cellule familiale. Nedim est en effet suivi par des services sociaux vaguement corrompus qui reprochent à Rahima, comme d’autres personnes de son entourage, son engagement religieux. Leur situation, déjà précaire, se compliquera encore lorsque Nedim se collettera avec le fils d’un personnage politique influent. Rahima devra vite trouver de l’argent pour rembourser la casse, découvrant au passage que l’adolescent se livre à de petits trafics. Des images d’archives, chaotiques, fuyant les balles des snipers, rappellent à quoi ont échappé les deux orphelins obligés de survivre envers et contre tous. La beauté de Rahima, hiératique dans ce voile qui lui enserre la tête, - magnifiquement incarnée par la jeune Serbe Marija Pikic - est comme un bras d’honneur fait à ce monde qui n’a pas su faire la paix. Car elle porte le film à bout de bras, l’adoucit et fait sourdre, malgré tout, une lueur d’espérance, à l’image de la complicité retrouvée entre Nedim et sa grande sœur. Martial Knaebel

À Barrow – la communauté située la plus au nord des États-Unis – l'adolescence est un peu plus compliqué pour les jeunes locaux que pour leurs ancêtres qui, à l'origine, nommaient ce lieu « Ukpiagvik » (« où l’on chasse les harfangs des neiges »). Ils sont les descendants du XXIe siècle et d'une culture qui existe depuis plus d’un millénaire dans cette toundra certes isolée, mais actuellement en mutation rapide. La chasse à l'agvik (baleine boréale) reste au cœur de leur culture. « Les enfants de l'Arctique » de Nick Brandestini raconte, pendant toute une année, le portrait de la vie d'adolescents autochtones alaskiens qui naviguent entre leur condition d'être enfants de l’Amérique moderne et héritiers d’une culture de la chasse à la baleine en voie de disparition.

CHINESE PORTRAIT explore l'état actuel de la Chine, emmenant le public dans un voyage à la découverte de la complexité du pays à travers l'histoire d'une famille. Le film est entièrement composé de plans longs fixes et est narré du point de vue personnel du grand réalisateur chinois Wang Xiaoshuai. Suivant les déplacements de ses ancêtres du côté de son père et de sa mère, il retrace l'histoire d'une famille chinoise ordinaire au cours du tumultueux siècle dernier. Wang Xiaoshuai est notre personnage principal et notre guide tout au long du film. Il nous présente des gens de tous horizons: des cols blancs de Pékin qui travaillent sans relâche dans la monotonie de la vie urbaine aux minorités ethniques rurales qui vivent selon les mêmes coutumes depuis des générations.

« Réalisons ensemble un documentaire », propose Chrigu, « un jour ou l’autre, je disparaîtrai. » C’est l’histoire d’un jeune homme qui avait plein de projets grandioses. Comme il est atteint d’une tumeur détectée à un stade avancé, il lutte pour survivre. Jan Gassmann le suit avec sa caméra. Le film réalisé ne porte pas sur la mort mais au contraire sur la vie. Il est fort, dénué de toute sensiblerie et d’une authenticité profondément émouvante.

Croatie, janvier 1992. En plein conflit yougoslave, Chris, jeune journaliste suisse, est retrouvé assassiné dans de mystérieuses circonstances. Il était vêtu de l’uniforme d’une milice étrangère. Anja Kofmel était sa cousine. Petite, elle admirait ce jeune homme ténébreux. Devenue adulte, elle décide d'enquêter pour découvrir ce qui s’est passé et comprendre l'implication réelle de Chris dans un conflit manipulé par des intérêts souvent inavoués.

Un réalisateur (Elia Suleiman joue ici son propre rôle) revient en Israël pour faire un film. Etant à la fois dans le film et hors du film, il entreprend d'observer la perte d'identité de la population arabe d'Israël et organise son récit en deux parties: «Nazareth, Journal intime» et «Jérusalem, Journal politique». Dans «Nazareth, Journal intime», le réalisateur filme ses parents et amis dans leur vie quotidienne faite de routines, dont il souligne avec humour les paradoxes et les contradictions.

La saison du fromage, des foins, des récoltes, du bûcheronnage : le film accompagne la famille Babst, des paysans de montagne en Gruyère, tout au long de l’année. L’été, une partie monte à l’alpage pour y fabriquer le gruyère, comme depuis 300 ans. L’automne, c’est la désalpe et la fête de la Bénichon. Portrait précis et empathique de la vie quotidienne et des travaux des paysans de montagne, qui ne cache pas que les modes de vie traditionnels sont menacés par l’évolution.

Un homme déclare la naissance de son fils. Une mère habille sa fille pour la rentrée. Une élève est convoquée par la directrice. Une jeune femme conteste une contravention. Une jeune fille se présente à un entretien d’embauche. Un jeune homme vient retirer son permis de conduire. Un homme au chômage répond à une annonce. Un réalisateur demande une autorisation de tournage. Une femme cherche à retrouver son chien. Neuf visages de la vie quotidienne à Téhéran.

Juin 1944. Les forces alliées sont basées sur la côte Sud de Grande-Bretagne, prêtes à envahir l'Europe occupée par les nazis et attendent de savoir si Churchill va réellement décider de poursuivre l'invasion. Craignant de répéter ses erreurs de la Première guerre mondiale sur les plages de Gallipoli, épuisé par des années de guerre, souffrant de dépression et obsédé par l'idée de manquer à ses devoirs de grandeur historique, Churchill doit également affronter les critiques constantes de ses opposants politiques: le Général Eisenhower et le Maréchal Montgomery. Seul le soutien indéfectible de la femme de Churchill, la brillante et impassible Clementine, peut empêcher le Premier Ministre de s'effondrer physiquement et mentalement et le mener vers la grandeur.

Un référendum fou plonge la Suisse dans l'état d'urgence. En acceptant l'initiative «No Bilangue», il ne devrait plus y avoir qu'une seule langue nationale: le français. De nombreux Suisses alémaniques sont donc en crise. Dont Walter Egli, 56 ans, qui travaille pour la police fédérale et doit veiller à ce que le passage au monolinguisme se fasse correctement. Bien qu'il ne parle pratiquement pas le français lui-même, il est envoyé au Tessin avec un partenaire romand pour découvrir un groupe de résistance tessinois qui lutte par tous les moyens contre la nouvelle loi. Bien inspiré par son acteur Beat Schlatter, le réalisateur suisse-alémanique Peter Luisi a réussi un hymne merveilleusement contemporain au multilinguisme helvétique. Forte de la participation du Romand Vincent Kucholl, cette comédie a attiré plus de 350’000 personnes en salles. Et la paire Luisi-Schlatter a même été nominée au Prix du cinéma suisse la catégorie meilleur scénario.

Nora et José sont un couple d’âges mûrs. Divorcés depuis vingt ans, ils vivent dans deux appartements situés face à face dans une rue d'une ville mexicaine. Nora planifie sa mort et force son ex-mari à lui rendre un dernier service. Il devra s’occuper de l’enterrement qui, en raison d’une fête religieuse et de son suicide, va s’avérer compliqué. Jusqu’au moindre détail, son plan semble sans faille. Pourtant, une photo mystérieuse, retrouvée par José sous le lit de Nora, va alors faire surgir de l’ombre un vieux secret, nous rappelant que les plus grandes histoires d'amour se cachent souvent aux plus petits endroits. En même temps doux et cocasse, CINCO DIAS SIN NORA, le premier long métrage de Mariana Chenillo, raconte une histoire sur des moments importants de la vie, comme la mort, les relations interpersonnelles et l’absurde religieux. Une comédie aérienne pleine d'humour et d’amour, sur le doute, la foi et la famille, qui va droit au cœur et nous laisse en permanence le sourire aux lèvres.

Cinq femmes sont liées, d'une façon ou d'une autre à Utamaro, figure légendaire de l'estampe japonaise (1753-1806): Okita, la geisha dont il a été amoureux, femme dominatrice qui assumera la violence passionnelle de ses sentiments; Takasode, femme d'une grande beauté et romantique sur laquelle il réalisera un chef d’œuvre; Oran, celle qui pêchait nue des poissons et qui redonnera l'inspiration au maître; Yokie, fille de l'artiste officiel dont il se sent responsable de la chute; Oshin, enfin, la robuste geisha qui finira par épouser son assistant.

Photo?, le clown appelle du ring dans le cercle du cirque. Ce numéro délicieux, comme le numéro encore plus célèbre de la bulle de savon et d'autres classiques de Pic, peut être apprécié dans le film "Le Cirque de Pic". Ils forment le cœur du portrait affectueux de Thomas Ott. Emil raconte qu'il a été enthousiasmé par Pic dès le début et qu'il a recommandé le clown saint-gallois au directeur du célèbre Cirque Roncalli. Ott passe en revue la carrière de Pic. Pic lui-même raconte à quel point la vie spartiate dans la caravane du cirque était variée et romantique. Les photos montrent que l'art subtil du clown est indissociable de la personne de Richard Hirzel, qui sait enchanter par sa poésie empathique. Le portrait se termine par des scènes de l'émission actuelle "Os comique", dans laquelle Pic brille en tant que narrateur. C'est encore Emil qui fait l'éloge des expressions faciales subtiles et expressives de Pic.

En janvier 2013, Laura Poitras prépare un film portant sur les abus commis au nom de la sécurité nationale dans la foulée du 11 septembre lorsqu’elle reçoit un premier courriel encrypté d’une source identifiée par le nom de code « citizen four ». Ce dernier se dit prêt à dévoiler un programme clandestin d’écoute de masse orchestré par la NSA, ainsi que d’autres agences gouvernementales. En juin 2013, Laura Poitras, accompagnée du journaliste Glenn Greenwald et munie de sa caméra se rend à Hong Kong pour la première d’une série de rencontres avec l’homme derrière le pseudonyme, Edward Snowden. CITIZENFOUR est un thriller 100% véridique qui se dévoile de minutes en minutes devant nos yeux. Une histoire captivante qui gardera le spectateur en haleine jusqu’à la toute fin. CITIZENFOUR est une œuvre remarquable et troublante.

Lorsqu’il reçoit le Prix Nobel de Chimie 2017, Jacques Dubochet voit sa vie bouleversée. Passant de l'ombre à la lumière, il est sollicité de toute part. Que faire de cette voix désormais écoutée de tous ? Comment trouver sa place et définir les luttes à mener ? Comment devenir un « Citoyen Nobel », avec pour objectif d’assumer sa responsabilité de chercheur et de membre de la communauté humaine ?

Le jeune Zé est chaman. À 17 ans, il conjugue son rôle spirituel et son parcours de lycéen. Lorsqu’il rencontre Maralaa, il découvre l’amour et les émois de l’adolescence. Grâce à l’alchimie de ses personnages et aux décors contrastés d’Oulan-Bator, la jeune réalisatrice Lkhagvadulam Purev-Ochir explore avec finesse la condition des nouvelles générations mongoles, tiraillées entre tradition, modernité et quête d’avenir.

Dans un village perdu au Costa Rica, Clara, une femme souffrant d’un handicap physique, vit sous l’emprise de sa mère qui la considère comme une émanation de la Sainte Vierge. À quarante ans, elle tente de se libérer des conventions religieuses et sociales oppressant son corps et son existence, ce qui la mène à un éveil sexuel. Une émancipation à la fois réaliste, magique, sensorielle et symbolique.

Léo et Rémi sont des amis inséparables. Les deux garçons de 13 ans passent beaucoup de temps ensemble dehors dans la nature, ils créent et jouent dans leurs propres mondes imaginaires, ils vont ensemble à l’école, s’invitent à dormir l’un chez l’autre et se racontent presque tout. Mais les questions et la curiosité de certains de leurs camarades de classe concernant leur relation sèment le doute. Léo prend ses distances. Il rejoint l’équipe de hockey sur glace et fait désormais partie de cette bande, tandis que Rémi se sent trahi et abandonné. Après une dispute Rémi se referme complètement sur lui-même. Mais la rupture de cette amitié est lourde à porter pour chacun des deux garçons.

Une histoire d’amour éternelle: Wiktor rencontre Zula lors d’une audition de chant. Sans trop réfléchir, il embauche la jeune femme à la voix divine. Un amour fou embrase immédiatement ces deux cœurs, et aucune limite ne semble pouvoir atténuer leur passion ardente. Mais le groupe de Wiktor subit de plus en plus les turbulences politiques et au début des années 50, lors d’un concert à Berlin Est, il saute sur l’occasion pour passer à l’Ouest. Tandis que Wiktor découvre le Jazz à Paris, Zula, restée en Pologne, poursuit sa propre carrière. Pourtant, même séparés, ils ne s’oublient pas. Que ce soit à Varsovie, à Paris ou à Split, la vie fait se croiser les chemins de ces deux amoureux, pour quelques heures ou un peu plus longtemps… Pawel Pawlikowski avait reçu un Oscar en 2015 pour son précédent film « Ida ». Dans « Cold War » il raconte l’histoire d’un amour impossible à une époque impossible. Tout semble les séparer : leur passé, leur tempérament, leur caractère, leurs idées politiques, les imperfections de chacun et les inévitables coups du sort, et pourtant, ils sont fatalement condamnés à être ensemble. Au Festival de Cannes, « Cold War » a gagné le Prix de la mise en scène 2018. Un film magnifique avec une musique fascinante et des images d’une rare beauté.

*** Version VO anglaise, pas de sous-titres français disponibles *** Keira Knightley incarne Colette sur grand écran, une femme de lettres dont les romans licencieux heurtent la sensibilité de la société parisienne des années folles. Le film retrace l’ascension de la jeune femme, provinciale d’origine modeste devenue la coqueluche du demi-monde parisien. «Colette» nous plonge dans la vie captivante de la romancière au génie artistique exceptionnel et dans les affres de sa relation abusive avec son mentor, interprété par Dominic West.

Une collection du légendaire producteur et critique de films Freddy Landry et Milos Films: six films courts offrent un passionnant tour d’horizon du cinéma suisse romand, du début des années 1970 au milieu des années 1980. Ils révèlent aussi le travail de Freddy Landry dans son rôle de producteur, où il a aidé à découvrir et à promouvoir de nombreux jeunes talents. «Les petites magiciennes» de Vincent Mercier et d’Yves Robert a obtenu la Palme d’Or au festival de Cannes. C’était un dimanche en automne (Claude Champion, 1970) Marie Besson (Claude Champion, 1974) Claire au pays du silence (Marcel Schüpbach, 1974) Drift (Michel Rodde, 1974) Accalmie (Jean-Marc Bory, 1975) Les petites magiciennes (Yves Robert, Vincent Mercier, 1986)

Les films de Georges Schwizgebel figurent parmi les classiques du cinéma d’animation contemporain. «La fluidité de ses métamorphoses font de lui 'un maître de la toile'. Dans ses films-tableaux, les larges mouvements de balayage qu’il imprime à sa caméra dépassent toutes les limites de l’espace et du temps avec une stupéfiante continuité». Tels sont les termes du jury, lorsqu’il remet, en 2018, le Prix d’honneur du cinéma suisse à Georges Schwizgebel. Une collection de 18 œuvres empreintes de poésie: Le Vol d’Icare (1974) Perspectives (1975) Hors-Jeux (1977) Le Ravissement de Frank N. Stein (1982) 78 tours (1985) Nakounine (1986) Le Sujet du tableau (1989) La Course à l’Abîme (1992) L’Année du Daim (1995) Zig Zag (1996) Fugue (1998) La Jeune Filles et les Nuages (2000) L’Homme sans Ombre (2004) Jeu (2006) Retouches (2008) Romance (2011) Chemin Faisant (2012) Le Roi des Aulnes - Erlkönig (2015)

Dans ses créations artistiques aussi bien que dans ses films, Peter Volkart prend pour matériel les éléments du quotidien. Il met en scène de mystérieux voyages qui s’aventurent en terrain inconnu et travaillent l’imaginaire, comme « Terra incognita ». Ses courts métrages maintes fois primés ont été montrés dans un grand nombrede festivals en Suisse aussi bien qu’à l’étranger. Suburban Wildlife (1982, 3 min.) Monsieur Sélavy (2008, 10 min.) Terra incognita (2005, 15 min.) Ja ja, nein nein (2009, 20 min.) Zimmer 606 (2012, 15 min.) Subotika. Land of Wonders (2015, 14 min.)

En Valais, la finale des combats de reines se déroule tous les ans en mai. L’affrontement entre vaches est le point culminant de l’année pour les paysans. Le film introduit le public dans un spectacle époustouflant où la force et le suspense s’ajoutent à la passion, aux émotions et à la subtilité des rapports humains. La tradition se heurte ici de plein fouet à la modernité. Un film régionaliste d’une fraîcheur toute contemporaine !

Entre 1947 et 1950, plus de 80 000 citoyens grecs ont été internés sur l’îlot de Makronissos (Grèce) dans des camps de rééducation destinés à lutter “contre l’expansion du communisme”. Parmi ces déportés se trouvaient de nombreux écrivains et poètes, dont Yannis Ritsos et Tassos Livaditis. Malgré les privations et les tortures, ces exilés sont parvenus à écrire des poèmes qui décrivent leur (sur)vie dans cet univers concentrationnaire. Ces textes, pour certains enterrés dans des bouteilles dans le sol du camp, ont été retrouvés. «Comme des lions de pierre» à l’entrée de la nuit mêle ces écrits poétiques avec des textes de rééducation qui étaient diffusés en permanence dans les haut-parleurs des camps. De longs travellings, tels des mouvements hypnotiques, arpentent les ruines des camps et “se heurtent” aux archives photographiques. Un essai filmé qui ranime la mémoire de ruines oubliées et d’une bataille perdue.

Rosa, une femme dans la trentaine, vit avec sa famille à São Paulo. Son mari, un chercheur avec un travail peu rémunéré, est souvent absent. C’est donc à elle de prendre soin de leurs deux filles et de subvenir aux besoins de la famille. Au lieu de travailler en tant qu’auteur de théâtre, elle écrit des textes publicitaires pour une entreprise de salles de bain en céramique. Des conflits conjugaux et professionnels ainsi qu’un père artiste et fragile représentent pour elle des défis constants. Lorsque sa mère lui révèle un secret soigneusement gardé, le monde de Rosa s’écroule. Elle décide de fuir la routine quotidienne et découvre que la vie lui réserve de nombreuses surprises. Laís Bodanzky dépeint de façon remarquablement naturaliste la vie de trois générations qui naviguent entre réalisation personnelle et obligations familiales.

Ils sont trois que les militaires enlèvent de leurs cellules, sans ménagement, après les avoir encagoulés. Pour les exécuter? Ou les faire disparaître? Le titre nous prévient déjà que non. Trois hommes partent pour une longue nuit de douze ans. Álvaro Brechner signe, avec une œuvre forte, émouvante et, étonnamment, tout de même optimiste. La réalité plus forte que la fiction Le spectateur au fait de l’Histoire et de la politique en Amérique latine aura certainement entendu parler de ce président uruguayen, José «Pepe» Mujica, qui fut un ancien guérillero Tupamaro. Président atypique qui ne changea pas son train de vie, modeste, et qui lança de vraies réformes sociales. Qu’il ait été emprisonné est connu, mais on ignore souvent qu’il fut détenu au secret pendant douze longues années. Compañeros - La noche de 12 años relate cette période dramatique. L’action démarre donc en 1973, lorsque les militaires prennent le pouvoir en Uruguay, et traite de l’emprisonnement de trois anciens Tupamaros dont celui de José «Pepe» Mujica. Álvaro Brechner ne s’est pas senti le besoin d’ajouter des scènes imaginaires pour créer de faux suspens ou susciter de l’émotion factice. Il fait le choix du réalisme et s’en tient aux souvenirs que lui ont raconté les trois protagonistes. Le soin apporté aux reconstitutions, les performances des acteurs, le montage, feront le reste. On est happé par les images dont la justesse permet de quasiment ressentir dans les tripes l’état psychique et physique des personnages. A certains moments, on en oublierait même que les prisonniers verront la fin de leur calvaire, tant les personnages sont à un doigt de craquer. Leur état de délabrement physique rend ces hommes si méconnaissables qu’on a de la peine à les distinguer les uns des autres. Et effectivement, nul besoin de faux suspens, car on se demande à chaque scène comment ces hommes arrivent à survivre à tant de souffrance, à quelles nouvelles avanies ils seront confrontés. Comme les personnages, on se surprend à chercher, avec eux, la moindre lueur dans cette nuit sans fin, à trouver de l’humour là où on s’y attend le moins. Tiens, un «feel-good movie», mais un vrai qui nous parle d’une belle idée de dignité humaine. Martial Knaebel

Une jeune finlandaise prend un train à Moscou pour se rendre sur un site archéologique en mer arctique. Elle est contrainte de partager son compartiment avec un inconnu. Cette cohabitation et d’improbables rencontres vont peu à peu rapprocher ces deux êtres que tout oppose.

Un homme d'affaires milliardaire décide de faire un film qui laisse son empreinte dans l'histoire. Pour ce faire, il engage la célèbre cinéaste Lola Cuevas (Penélope Cruz), la star hollywoodienne Félix Rivero (Antonio Banderas) et le comédien de théâtre radical Iván Torres (Oscar Martínez). Ils forment une équipe brillante qui ne peut pas travailler ensemble. Rivero et Torres ont peut-être un énorme talent, mais ils ont un ego encore plus grand. Pour leur inculquer un peu d'humilité, Lola leur lance une série de défis de plus en plus imaginatifs...

Chala est un gamin dont l’enfance a été volée. Sa mère alcoolique est incapable de s’occuper de son foyer et malgré le peu d’amour qu’elle lui montre, il prend soin d’elle et de la maisonnée. Il ne connaît pas son père qui ne veut pas le reconnaître. Pour ramener de l’argent à la maison, il élève et entraîne des chiens de combat. Ce serait un délinquant en puissance s’il n’existait Carmela et Yeni. La première est la vieille institutrice de l’école, la seconde est la première de la classe... Conducta (Comportement), ce sont de superbes histoires d’amour qui s’additionnent. Il y a celles de Chala pour sa mère, pour Carmela sa vieille institutrice, pour Yeni, la petite fille sage. Ensuite, celle de Carmela pour les enfants qui lui sont confiés. La vieille institutrice montre une volonté inébranlable pour les protéger et défendre l’avenir de «ses» enfants. Il y a enfin, l’amour qu’exprime le réalisateur pour son pays, ou plutôt pour les gens qui habitent son pays. Tout cela donne un film paradoxalement et incroyablement optimiste au regard de la misère humaine et de la rigidité sociale qu’il met en scène car le film exprime une chaleur humaine qui semble capable de tout emporter avec elle.

Un triangle amoureux inattendu, une tentative de séduction qui tourne mal et une rencontre née d’un malentendu. La trajectoire de trois femmes qui vont devoir faire un choix… Le nouveau film de Ryusuke Hamaguchi (Drive My Car).

Dans les rues d’Accra, deux amis organisent une collecte d’argent pour aider les États Unis d’Amérique: s’agit il d’humour ? De provocation politique ou est-ce une prophétie? Deux cinéastes suisses cherchent à répondre à ces questions avec l'aide de sept musiciens du Ghana.

Au milieu des années 90, Asli rencontre Saeed. Le premier amour d’Asli change sa vie à jamais – avant d’ébranler le monde entier. Quand Asli, étudiant en sciences, rencontre le charismatique Saeed au milieu des années 90, c’est le coup de foudre. Les amoureux se marient et Asli jure d’être fidèle à Saeed et de ne jamais trahir ses secrets. Leur avenir semble prometteur, mais à l’aube du XXIe siècle, Saeed prend une décision qui non seulement brise les rêves d’Asli, mais qui secoue le monde entier.

Un vieux paysan s'installe sur une île au milieu de la rivière Inguri qui marque la frontière entre Géorgie et Abkhasie. Il est accompagné de sa petite-fille de 16 ans. Ensemble, ils vont semer, puis récolter le maïs. Le vieil homme est peu disert, la jeune fille découvre la beauté, mais aussi la dureté de la nature. Une sublime allégorie de la vie, filmée avec une extrême simplicité qui souligne l'âpreté de la nature et sa beauté. Une extraordinaire étude psychologique aussi: peu de mots sont échangés entre les deux personnages. Mais le lien intense qu'ont les deux protagonistes avec la nature qui les entoure sera troublé par les visites impromptues des gardes frontières des deux bords.

Endre en a fini avec l’amour. Il s’est résigné à une vie entre travail, fast-food et sofa. Sa nouvelle collègue Maria se souvient de chaque phrase, de chaque événement et classe tout chronologiquement. Seuls les humains et les contacts physiques dérangent son existence très rangée. Par hasard, Endre et Maria comprennent qu’ils font chaque nuit le même rêve. Surpris et bouleversés par ce lien mystérieux, ils commencent à se rapprocher timidement en plein jour aussi… La réalisatrice hongroise Ildikó Enyedi raconte cette histoire d’amour insolite entre deux âmes blessées avec des images magnifiquement composées et un humour subtil et laconique. Les deux acteurs principaux brillent par leur jeu à la fois doux et intense. «On Body and Soul» (Corps et âme) a fait un carton plein au festival de Berlin où il a remporté le prestigieux Ours d’or du meilleur film et le Prix de la critique. Le public du festival a été véritablement envoûté par ce film à la magie étincelante de sensualité et de suspense.

La famille Badri a fui Beyrouth, devenue irrespirable, pour vivre isolée dans les montagnes. Lorsque le gouvernement fait construire une décharge devant leur maison, les tensions se multiplient. En écho aux récentes explosions et à la crise des déchets dans la capitale, la jeune réalisatrice libanaise Mounia Akl a réussi une allégorie sublime de l’engagement politique et de la décadence d’un monde corrompu.

Happy Birthday Markus Imhoof (Suisse, 1968, 9 Min.) Le jour de ses 16 ans, Röbi Keller détruit la voiture de son père. Le voilà qui doit raconter à la police comment il en est arrivé là. Avec Lukas Strebel dans le rôle principal, qui deviendra par la suite son chef opérateur, Markus Imhoof décrit de manière limpide comment, en 1967, les jeunes s'écartent des doits chemins vantés par leurs parents, ceux-là même qui mènent à la bourgeoisie capitaliste. Rondo Markus Imhoof (Suisse, 1968, 42 Min.) Le film documentaire traite des problèmes du système pénal suisse. Il utilise un cas individuel pour illustrer les mécanismes auxquels un détenu est soumis dans la prison. En outre, le film montre la vie passée du prisonnier, ses crimes et rechutes antérieurs, ainsi que ses conflits constants avec l'environnement social. Ce film de 40 minutes est un collage de séquences d'images, de photos, d'interviews, de citations et d'éléments sonores. Ormenis 199+69 Markus Imhoof (Suisse, 1969, 25 Min.) Il montre comment les animaux sont gardés et soignés et à quelles fins ils sont utilisés. Dans les commentaires, les paysans qui fournissent des services s'expriment positivement sur le moral de la cavalerie, mais les officiers qui pensent que la cavalerie a fait son temps s'expriment aussi. Imhoof lui-même a servi comme sous-officier dans la cavalerie, le titre fait référence au nom et au numéro de son cheval. Le film documentaire, réalisé avec le soutien financier des associations de cavalerie, dresse un portrait critique des troupes montées. Le film pose la question de savoir si ce type d'arme est encore contemporain ou seulement un symbole irréaliste de la volonté suisse de se défendre.

Michael est un homme mystérieux et solitaire, constamment en mouvement, se fuyant lui-même. Pendant la journée, il voyage à travers la Suisse dans une camionnette blanche. La nuit, il observe secrètement la vie d’Anna, une femme au caractère rebelle, qui surmonte difficile- ment un traumatisme. Après avoir découvert l’obsession de Michael, Anna tisse une forme singulière d’intimité avec lui, qui conduit rapidement à une relation tendre et en même temps troublante. Mais ce fragile équilibre est menacé par un obscur secret… Avec cette histoire, le réalisateur tessinois Francesco Rizzi crée un premier film prometteur sur l’amour, la perte et le déni qui a remporté de nombreux prix à travers le monde.

2003, la statue de Saddam Hussein vient de tomber sur la place centrale de Bagdad. Asad et Rachid célèbre l’événement avec leurs camarades miliciens kurdes. Nous sommes au nord du pays, dans la partie kurde. Les deux compères ont pour mission de ramener de la nourriture d’un autre quartier de la ville. Sur le chemin du retour, le jovial Asad décide de recueillir un jeune garçon, qui semble perdu, et de le ramener chez ses parents. Rachid n’est pas très chaud, ayant toujours en tête le but de leur mission. Sa froideur tournera en quasi haine, presque par réflexe, lorsqu’il apprendra le prénom du gamin: Saddam. Dans le même temps, deux parents éplorés cherchent leur garçon qui se prénomme lui aussi Saddam. S’agit-il du même enfant ? Dans le même style qui a fait la réussite de Kick Off, le réalisateur kurde irakien Shawkat Amin Korki, traite sur un ton léger, ou le drame n’empêche pas l’humour, une histoire tirée d’un fait réel : sous Saddam Hussein, les parents donnant à leurs garçons le prénom du dictateur se voyaient récompensés en monnaies sonnantes et trébuchantes. Un prénom maintenant difficile à porter pour les enfants. Amin Korki entretient le suspens jusqu’au bout de ce road-movie urbain que l’on regarde avec beaucoup de plaisir.

Au cœur du Cerrado, la savane brésilienne, vivent les Krahô, de tout temps en lutte pour sauver leurs terres et leur liberté. En décrivant les rites, la résilience et le combat de ce peuple, Renée Nader Messora et João Salaviza nous invitent à épouser une autre relation au monde et à la nature, dans un film infiniment envoûtant! Primé à Cannes Un Certain Regard, le film explore l’existence des Krahô, constamment menacée depuis la colonisation, et leurs luttes actuelles contre la déforestation ou le braconnage. D’une grande puissance d’évocation, le récit restitue leur vision si respectueuse de l’environnement, qui à elle seule pourrait garantir l’avenir de l’humanité, et revient sur leurs drames, dont les massacres perpétrés en 1940 et les persécutions de la dictature brésilienne (1964 à 1985). Convoquant tout un imaginaire poétique lié à une mémoire ancestrale, cette œuvre hypnotique nous rappelle à notre berceau originel: la nature.

Marlene et Nick attendent le jugement de leur divorce devant la salle d’audience et font un dernier bilan de leur mariage: du voyage de noces à la «cruauté d’esprit», en passant par leurs premières disputes. Mettront-ils fin à leur union ou lui donneront-ils une nouvelle chance?

Paul, un mécanicien de marine, s'établit dans un petit bar-hôtel lors d'une escale à Lisbonne. La jolie serveuse, Rosa, devient très vite sa maîtresse. Paul continue cependant d'écrire à sa compagne restée en Suisse, Élisa. Il ne se décide pas assez vite et Rosa s'éclipse.

1974, Buenos Aires. Benjamin Espósito enquête sur le meurtre violent d'une jeune femme. 25 ans plus tard, il décide d'écrire un roman basé sur cette affaire « classée » dont il a été témoin et protagoniste. Ce travail d'écriture le ramène à ce meurtre qui l'obsède depuis tant d'années mais également à l'amour qui portait alors à sa collègue de travail. Benjamin replonge ainsi dans cette période sombre de l'Argentine où l'ambiance était étouffante et les apparences trompeuses.

Peut-il y avoir réconciliation sans reconnaissance de l'autre? Non, bien sûr, et c'est ce que DARATT raconte avec brio. Mais cette reconnaissance ne vient qu'avec le temps qu'on se donne. Les nombreuses commissions «justice et réconciliation» africaines ont pour but que soient enfin brisés les cycles de violences. Réconciliation signifie reconnaissance de l'autre justice, que la faute soit reconnue. Tels sont les thèmes de DARATT. Et ce sera une des réussites du film de Mahamat Haroun Saleh que d'avoir su donner au temps l'«espace» nécessaire, en limitant les dialogues d'une sobriété toute bressonienne. L'absence de musique fait aussi partie de cette trame toute tournée vers la relation du jeune Atim avec Nasarra, le bourreau de son père. Il y a, enfin, ce ballet silencieux des corps au travail, qui marchent ou qui courent, mais qu'on sent toujours en attente. C'est donc une mise en scène superbe parce qu'intelligente et pertinente. Pour en arriver là, il fallait une maîtrise du discours. Mahamat Haroun Saleh est tchadien. Son pays est déchiré par les guerres civiles. Il sait donc de quoi il parle, mais il a surtout su approfondir une réflexion sur la situation de son pays. Pour faire comprendre, ou au moins saisir, ce que vivent ses compatriotes, il lui fallait dépasser les slogans faciles pour aller à la rencontre des hommes qui sont faits de chair, qui vivent avec leurs sentiments. DARATT est une belle histoire car elle nous parle de l'humanité à partir d'un homme. Mahamat Harou Saleh est un grand cinéaste car il sait nous raconter cette belle histoire.

Robert Bilott est un avocat spécialisé dans la défense des industries chimiques. Interpellé par un paysan, voisin de sa grand-mère, il va découvrir que la campagne idyllique de son enfance est empoisonnée par une usine du puissant groupe chimique DuPont, premier employeur de la région. Afin de faire éclater la vérité sur la pollution mortelle due aux rejets toxiques de l’usine, il va risquer sa carrière, sa famille, et même sa propre vie...

Mis au ban de la société par des événements tragiques, les habitants de Darwin (35 personnes) doivent désormais trouver un moyen de coexister dans un lieu dépourvu de gouvernement, d’église, d’emploi et d’enfants. La survie de cette ville quasi fantôme dépend d’une fragile conduite d’eau qui descend des montagnes où des armes top secrètes sont testées. Les habitants plaisantent à moitié quand ils disent qu’une bombe larguée « par accident » pourrait anéantir leur ville entière. «Darwin» est un documentaire de Nick Brandestini sur une communauté isolée au bout d’une route érodée par le temps dans la Vallée de la Mort, en Californie. Il raconte l'histoire d'un lieu ancestral et pourtant unique, même pour les Américains.

Ruza (Mirjana Karanović) a quitté son pays, la Serbie, il y a plus de trente ans et vit actuellement à Zurich. Son quotidien n'est qu'une longue répétition de moments identiques. Jusqu'au jour où Ana (Marija Škaričić) fait apparition: soudain, le monde bien ordonné de Ruza bascule. D'une part, la jeune femme de Sarajevo est belle et amoureuse de la vie. De l'autre, elle se sent un peu perdue. Entre les deux femmes naît alors une amitié pleine de tendresse. Andrea Štaka pose son regard tout en pudeur sur trois femmes originales qui vivent en Suisse, toutes originaires de différentes régions d’un pays qui n’existe plus (la Yougoslavie). « Das Fräulein » aborde le déracinement et la nostalgie à une époque charnière, où de plus en plus de personnes circulent entre les différentes cultures, religions et pays, qu’elles soient déplacées, apatrides ou simples voyageuses.

C'est dans ce rôle que Samuel Goldwyn allait découvrir Anna Sten et l'emmener à Hollywood: celui d'une fille qui vit avec son grand-père dans la banlieue enneigée de Moscou, travaille dans un magasin de chapeaux du centre-ville et passe beaucoup de temps à échapper à son voisin follement amoureux. La pénurie de logements et un billet de loterie (qu'elle reçoit à la place de son salaire) donnent lieu à un mariage et à d'épiques péripéties. Pour Bernard Eisenschitz, «La jeune fille au carton à chapeau justifie qu'on appelle Boris Barnet le fondateur de la comédie soviétique». Le premier film que Barnet réalise en solo est déjà imprégné de son génie: un diamant brut, charmant, romantique et, dans son imprévisibilité totale, un heureux mélange très physique de mélancolie et d'extase. (C.H.)

Allemagne de l'est, 1956. Kurt, Theo et Lena ont 18 ans et s'apprêtent à passer le bac. Avec leurs camarades, ils décident de faire une minute de silence en classe, en hommage aux révolutionnaires hongrois durement réprimés par l'armée soviétique. Cette minute de silence devient une affaire d'Etat. Elle fera basculer leurs vies. Face à un gouvernement est-allemand déterminé à identifier et punir les responsables, les 19 élèves de Stalinstadt devront affronter toutes les menaces et rester solidaires.

David, un jeune réalisateur de films, fervent admirateur de David Lynch, suit ce dernier dans le monde de la méditation transcendantale (TM). Ce faisant, il retrouve les traces du fondateur du mouvement, Maharishi Mahesh Yogi, auprès duquel les Beatles, en leur temps, avaient déjà fait un pèlerinage. Le gourou indien a fait de la TM la plus grande organisation ésotérique du monde, qui, avec ses programmes de cours, se consacre à la paix dans le monde et au vol yogique.

Pendant 15 ans, debout à la fenêtre de son atelier, le réalisateur a filmé. La vision d’un quartier industriel zurichois en pleine transformation se mêle aux appels sur son répondeur téléphonique. Son père meurt, un enfant naît, une famille se désagrège. Le paysage urbain se mue lentement en paysage intérieur de l’homme à la caméra. Observation mélancolique des changements en cours et film qui exerce une forte attraction sur le spectateur.

Un vieux paysan, le « Grotzepuur », exploite sur sa ferme un élevage industriel de bétail et de poules. Son fils et la femme de celui-ci sont scandalisés par les mauvais traitements infligés aux animaux, conséquence de l’élevage intensif seul capable de maximiser les profits. Le vieux paysan lui-même tombe toujours plus sous la dépendance d’un fournisseur sans scrupules d’aliments destinés aux animaux. Pas de chance, son système de ventilation tombe aussi en panne… Un film qui a provoqué un choc dans la population suisse au milieu des années 1970 au sujet (déjà) de l’élevage intensif.

Il y a cinq siècles l’anatomiste André Vésale ouvrait pour la première fois le corps au regard de la science. «De Humani Corporis Frabica» ouvre aujourd'hui le corps au cinéma. On y découvre que la chair humaine est un paysage inouï qui n'existe que grâce aux regards et aux attentions des autres. Les hôpitaux, lieux de soins et de souffrances, sont des laboratoires qui relient tous les corps du monde... «De Humani Corporis Fabrica» allie le regard humain au regard technique, ouvrant ainsi une dimension étrange, souvent vertigineuse. L'on s'autorisera pour une fois à fermer les yeux lorsque nécessaire.

La route DE LA CUISINE AU PARLEMENT a été longue et semée d’embûches pour les Suissesses – quatre générations ont dû se battre pour que l’électorat masculin accorde aux femmes le droit de participation aux décisons politiques. Le documentaire de Stéphane Goël, DE LA CUISINE AU PARLEMENT, retrace ce chemin avec sensibilité et humour. Des femmes politiques et des activistes comme Elisabeth Kopp, Ruth Dreyfuss, Tamara Funicello, Marina Carobbio, Amélie Christinat, Marthe Gostelli, Gabrielle Nanchen, Patricia Schulz, Brigitte Studer et Simone Chaupuis-Bischof décrivent leur combat pour la cause égalitaire. Complétées par de riches images d’archives, dans lesquelles les citoyens ordinaires ont également leur mot à dire et dans lesquelles se reflète l’évolution des mentalités au cours d’un siècle.

Au Burkina Faso, les coutumes ancestrales font souvent force de loi, dans un état confronté à la misère et au poids des traditions. Dans les campagnes, en effet certaines morts inexpliquées sont attribuées à des mangeuses d'âmes, c'est-à-dire des femmes qui en raison de leurs pouvoirs occultes et maléfiques sont selon les villageois responsables de ces disparitions. Ces femmes sont alors marginalisées et deviennent les boucs émissaires de toute une société.

Et si montrer des solutions, raconter une histoire qui fait du bien, était la meilleure façon de résoudre les crises écologiques, économiques et sociales, que traversent nos pays ? Suite à la publication d'une étude qui annonce la possible disparition d'une partie de l'humanité d'ici 2100, Cyril Dion et Mélanie Laurent sont partis avec une équipe de quatre personnes enquêter dans dix pays pour comprendre ce qui pourrait provoquer cette catastrophe et surtout comment l'éviter. Durant leur voyage, ils ont rencontré les pionniers qui réinventent l'agriculture, l'énergie, l'économie, la démocratie et l'éducation. En mettant bout à bout ces initiatives positives et concrètes qui fonctionnent déjà, ils commencent à voir émerger ce que pourrait être le monde de demain...

Renko, onze ans, rêve d'une famille unie et heureuse mais voit avec douleur ses parents se séparer. La petite fille se révolte d'abord intérieurement puis finit, traumatisée, par commettre des actes insensés prouvant combien son psychisme est perturbé. D'une surprenante maturité, elle refuse cependant d'accepter la situation et son attitude devient de plus en plus extrême et dangereuse pour elle-même et son entourage. « Déménagement » a été présenté au Festival de Cannes en 1993 dans le cadre de la section Un certain regard. Le film est resté inédit en France et n’a pas eu beaucoup d’échos au Japon lors de sa sortie. La réputation du film n’a cessé pourtant de croître chez les cinéphiles et les cinéastes au Japon. Le film a été numérisé et restauré en 2023.

Mamo, un vieux chanteur kurde célèbre et têtu décide de se rendre au Kurdistan irakien avec ses dix fils, dans un vieux bus, pour y donner avec eux un concert dont il rêvait depuis longtemps. Pour cette musique, cependant, la voix d'une femme est fondamentalement importante, mais les femmes ne sont pas autorisées à chanter en Iran. Donc avec une femme à bord, ils doivent voyager illégalement en Irak. Bahman Ghobadi est l'un des réalisateurs iraniens les plus renommés et a courageusement confronté la réalité contemporaine de la vie kurde avec des films tels que A Time for Drunken Horses et Turtles Can Fly, se déplaçant souvent habilement entre la tragédie profonde et un humour chaud et crû. Half Moon (Demi-lune) est plus léger, même si le film touche encore et toujours la réalité de la lutte kurde pour son identité et sa culture. Inspiré par cette mission influencée par Mozart, Ghobadi a créé un film imprégné par l'amour de la musique et qui souligne le rôle des femmes dans la création de la beauté musicale. La musique du film a été créée par l'un des artistes et compositeurs les plus célèbres d'Iran: Hossein Alizadeh.

Les patrons ont des ouvriers, c'est fatal. Malamine Diaby dirige une usine de cycles et il a pour employé, Sekou. Il a également une femme, Fanta, une nièce, Adam et une fille Ténin qui est muette. Il est en équilibre instable entre son héritage culturel et ce qu'il pense être le progrès. A Bamako, des jeunes vont en bande se baigner dans le Niger, danser, faire l'amour. Ils forment un groupe marginal, qui attire des jeunes filles d'un milieu aisé, dont Adam et sa cousine Ténin. Dénué de scrupules face à une situation sociale floue, Sekou viole Ténin. Elle est enceinte.

Dans «Der andere Anfang», Friedrich Kappeler s’intéresse à un collègue du même âge que lui, qui refuse de suivre le chemin qu’on a tracé pour lui. Le cinéaste révèle ainsi la difficulté de s’imaginer et de se réaliser en allant à l’encontre de ce qui existe déjà et de la normalité. Lors de la réalisation du film, Kappeler a cherché à supprimer tout ce qui n’apportait rien au récit: c’est-à-dire le langage lui-même, qui est visualisé à l’identique, et les sons, qui ne fournissent qu’un arrière-plan. «Der andere Anfang», c’est donc aussi ce que l’on attend toujours et qui n’arrive que rarement quand on ne fait que l’espérer.

Une époque de mutations: la guerre fait rage aux frontières. Paysan et ouvrier pacifiste, Jakob Nüssli cherche à mettre au point une invention utile à sa famille et à l'humanité. Mais la guerre le rattrape... Bruno Ganz brillant dans le rôle de l'inventeur.

Un détective privé survit grâce à des petits mandats. Déçu par la manière dont son supérieur a étouffé un délit, cet ex-policier veut désormais lui-même faire régner l’ordre. Quand il accepte un mandat délicat et succombe au charme d’une jeune femme, sa propre chute est proche. Dernière œuvre de Kurt Früh, le film – hommage au film noir – montre toute la tristesse d’une banlieue suisse des années 1970.

Dans la vraie vie, jamais Emil et Larissa ne formeraient un couple – elle est une chanteuse courtisée, lui un marginal timide. Ironie de l’histoire, Emil a sa chance le jour où elle disparaît. Il se dit son ex-petit ami. Du coup, il gagne l’estime qu’il cherchait et trouve même une famille de remplacement. Tout irait à merveille si Emil ne tombait pas amoureux… et qui plus est de Nora, la sœur de Larissa ! Nora ne doit en aucun cas découvrir la vérité. Profond et léger.

Fin des années 1980: Ernst, un bon vivant que tous appellent «Goalie», revient dans la petite ville de Schummertal, après avoir passé un an en prison. C’est là qu’il a grandi et qu’on le connaît. Goalie veut redémarrer une nouvelle vie, loin de la drogue. Il cherche un emploi et tombe amoureux de la serveuse Regula. Il lui est indifférent de savoir que son meilleur ami Ueli le tienne pour un conformiste mesquin. Têtu, un peu naïf, mais charmeur, il veut remettre sa vie sur les rails. Mais, juste avant de trouver son nouveau bonheur, il se fait rattraper par son passé.

Au mitan des années 1980. Trois vieux photographes, dont un patron d’entreprise familiale couvrant plusieurs générations et un original documentant la vie nocturne zurichoise avec son appareil Polaroid. Le tout avant l’arrivée de la photographie numérique. Tous deux formés à la photographie, Friedrich Kappeler et son cameraman Pio Corradi brossent le portrait de leurs collègues de métier avec beaucoup d’empathie, de poésie et d’humour.

A son retour de chasse, Louis XIV ressent une vive douleur à la jambe… Une quinzaine de jours plus tard, il est alité à Versailles. C’est le début de la lente agonie du plus grand roi de France qui doit aussi organiser sa succession et qui est entouré de ses fidèles : son médecin, sa favorite Madame de Maintenon, son chirurgien, son premier valet de chambre...

Theres et Kenneth sont tous deux jeunes lorsqu'ils se rencontrent pour la première fois pendant leurs vacances. Ils tombent amoureux mais ne peuvent s'empêcher de se perdre. Trente ans plus tard, dans un autre pays, un autre couple : Ariane quitte son mari David parce qu'elle ne l'aime plus. Les chemins qu'ils empruntent tous les deux les mènent à Kenneth et Theres. Disponible avec sous-titres en allemand et en anglais.

Après son mariage, Antoine monte à l’alpage avec son oncle pour s’occuper des troupeaux. Les deux hommes sont engloutis par un terrible éboulement. Quelque temps après, Antoine réapparaît au village – mais est pris pour un revenant. Quand il décide de repartir dans la montagne, sa femme enceinte le suit.

Une nuit de 1902, alors qu’il bivouaque avec quelques soldats lors d’une expédition dans la région de l’Oussouri, le capitaine russe Vladimir Arseniev, grand explorateur de l’Extrême-Orient, voit arriver un petit homme trapu, Dersou Ouzala, habile chasseur d’origine mongole et familier de la région. Les deux hommes sympathisent immédiatement et Dersou accepte de servir de guide à l’expédition bientôt soumise à de terribles obstacles tels que le froid, la fatigue et la faim. Cinq ans plus tard, les deux hommes se retrouvent pour un nouveau périple. «Dodeskaden (1970), le précédent film du réalisateur japonais, fut un échec commercial. Ostracisé par les producteurs, malade, suicidaire, Akira Kurosawa s’enferma dans un long silence qu’il ne rompit qu’après avoir accepté la proposition de tourner en Russie. Kurosawa, féru de culture russe, se souvint alors de sa lecture des mémoires de l’écrivain et explorateur Vladimir Arseniev (Derzu Uzala, 1907, Dans la contrée de l’Oussouri, 1921), par ailleurs très appréciés par Maxime Gorki. L’humanisme généreux de Kurosawa avait été frappé par les qualités morales qui faisaient du chasseur mongol un vieux sage, ainsi que par la très forte amitié qui soudait deux hommes a priori très différents. Ayant obtenu carte blanche de la part des producteurs, le cinéaste put tourner sur les lieux mêmes explorés par Arseniev et donner ainsi le souffle nécessaire à la beauté de son sujet.» (CNDP)

Alger, Bab el Oued, 2016. Habib, 16 ans, rêve de devenir vétérinaire. Mais alors qu’il a arrêté l’école, il décide d’entraîner un bélier nommé «El Bouq», espérant en faire un champion de combats de moutons. Samir, 42 ans, n’a plus d’autres rêves que de survivre aux difficultés de son quotidien en vendant des moutons pour gagner un peu d’argent. Alors que l’Aïd approche et que tout le pays s’apprête à sacrifier un mouton, une occasion unique s’offre à Samir d’augmenter ses bénéfices. Mais pour Habib, c’est une autre histoire. El Bouq deviendra-t-il un champion? Ou sera-t-il destiné à une fin plus tragique?