Heshmat, Pouya, Javad et Bahram, quatre hommes, dans quatre histoires, qui ont dû faire un choix engageant leur existence entière et celle de leurs proches. Quatre histoires où Mohammad Rasoulof persévère dans sa démarche sans pareille et scrute le régime autoritaire qui régit l’Iran, son pays, où les autorités lui interdisent le droit de faire son métier. Composé de quatre histoires distinctes, mais qui se rejoignent, ce film de Mohammad Rasoulof décrit les dilemmes moraux de personnages pris dans un système totalitaire devenu banal, en passant du drame au thriller ou à la romance, sans jamais sacrifier l’émotion. Tourné en catimini par le réalisateur menacé de prison, un conte moderne sur la condition iranienne.

Cette fois Jafar Panahi tourne en Turquie un film sur un couple d’amoureux qui projette de fuir vers la France. Mais comment ce réalisateur iranien s’y prend-il puisqu’il a interdiction de travailler et de quitter le pays ? Panahi s’est retiré dans une province proche de la frontière turco-iranienne et donne à son assistant de réalisation des instructions en utilisant une connexion internet des plus instables. De nuit, ils se rencontrent dans le plus grand secret pour se passer le disque dur avec les dernières scènes tournées. Les films de Jafar Panahi sont toujours multidimensionnels. Comme par le passé, il mélange habilement fiction et réalité car le cadre villageois est également le lieu d’une histoire fictive à propos d’un réalisateur qui tente de continuer à faire des films malgré la répression étatique. Même s’il est discret, pour ne pas se faire identifier et dénoncer aux autorités, il se retrouve en difficulté puisqu’on lui reproche d’avoir fait une photo d’un couple d’amoureux dont le jeune homme n’était pas le fiancé auquel la fille avait été promise. En un rien de temps c’est tout le village qui est en ébullition. Comme pour ses films précédents, les expériences autobiographiques de Panahi et les circonstances du tournage sont un motif essentiel de son dernier opus « Aucun Ours ». Il a ainsi découvert un moyen surprenant quoique dangereux pour lui, de se battre pour la liberté de créer en Iran. « Aucun Ours » est une parabole riche aux multiples facettes. Le film fait voir et sentir l’immobilisme oppressant d’une société et le refus total de tout changement : en ville sous le joug des autorités, au village sous l’emprise de la superstition. Comment faire de l’art pour faire bouger la société si cette dernière n’en a pas envie ? C’est à cette question que revient sans cesse « Aucun Ours » tandis qu’un doux désespoir du monde commence à se dessiner. Au Festival de Venise, le film a remporté le Prix Spécial du Jury. Jafar Panahi, lui, a été à nouveau arrêté en juillet 2022.

Reza et sa femme se sont installé·es en province, espérant échapper à la corruption de la capitale. Lui a créé une pisciculture, elle enseigne. Las, une compagnie convoite le terrain où se situe leur ferme. Mais Reza refuse toujours la compromission, seul face à tout un système. Le récit de Mohammad Rasoulof est, lui aussi, sans concession. Et nous plonge dans un thriller politique à portée universelle. Mohammad Rasoulof n'attend pas, dès les premières images, on perçoit quelle sera l'intrigue. Reza, en face d’une banque, est avec un des employés lui expliquant comment contourner les règles et ne pas rembourser ses dettes. On imagine le courage qu'il a fallu à toute l'équipe de tournage - technicien·nes et acteur·trices y compris - pour se lancer dans la réalisation d'un tel brûlot politique. Car dans «Un Homme intègre», on appelle un chat un chat. La corruption qui gangrène quasiment toute la population de cette province y est décrite sans ambiguïté aucune. Ce franc-parler a l'immense mérite de rendre l'intrigue fluide et intelligible même pour un public qui ne serait pas au fait de la politique iranienne. Cependant, Rasoulof ne se contente pas de ce constat politico-social. Ses personnages sont faits de chair et de sang, ils ne peuvent pas être simplement tout d'une pièce. Comment peuvent-ils réagir et se défendre face aux attaques multiples auxquelles ils font face? Les drames intimes se mêlent alors aux conflits économiques. Voici alors une autre qualité qui fait de «Un Homme intègre» un vrai film à suspense où les protagonistes se démènent pour survivre. Le récit est porté par une image très naturaliste, une bande son ultra-minimaliste qui ne garde que les bruits de la nature, laissant au public le temps de se concentrer sur l'intrigue elle-même. Il ne fait aucun doute que le film est destiné avant tout au public de son pays. Profondément enraciné dans la vie iranienne, le film développe pourtant une réflexion plus universelle: jusqu'à quel point un homme peut-il conserver son intégrité en luttant contre un système corrompu?

Hasan, cinéaste iranien, est sur une liste noire et ne peut plus tourner. Situation déjà pénible pour quelqu’un sûr de son talent. Et voilà qu’un psychopathe se met à décapiter ses collègues, semblant l’ignorer, lui, qui est le meilleur... Et moi, et moi? Maniant l’humour avec un sens certain de l’absurde, Mani Haghighi occupe définitivement une place à part dans le cinéma iranien, pour le plus grand plaisir du spectateur, de la spectatrice. Surréalisme à l’Iranienne. Lorsqu’on évoque le cinéma iranien en Europe, c’est le plus souvent le réalisme et un cinéma minimaliste qui vient à l’esprit des critiques. Eh bien, Mani Haghighi est en train, film après film, de casser toutes ces conventions associées au cinéma de son pays. On rencontre le ventripotent Hasan, accoutré d’un agressif t-shirt à la gloire d’AC/DC, lors du vernissage d’une exposition. Il vient d’apprendre qu’un quatrième cinéaste vient d’être assassiné, un ami à lui. Mais ce n’est pas là son problème immédiat: Shiva, son actrice fétiche et sa maîtresse, lassée d’attendre, va le «trahir» en allant jouer dans un film du bellâtre Saïdi. Pour Hasan, c’en est trop: son bannissement qui n’en finit pas, le psychopathe qui continue de l’ignorer, et maintenant Shiva... Il retourne chez sa mère qui le consolera en lui promettant que l’assassin, en fait, garde le meilleur pour la fin! Des scènes ubuesques à la Buñuel, des dialogues et des situations qu’on pourrait croire sortir d’un film de Woody Allen et, pour couronner le tout, des répliques à la logique très «Monty Pythonienne». C’est un véritable festival que nous propose Mani Haghighi - qui n’hésite d’ailleurs pas à «s’exécuter» lui-même. Khook (Cochon en farsi) est une comédie surréaliste qui tire sur tout ce qui bouge autour de la caméra. Bien sûr, les autorités de censure en prennent pour leur grade et sont défiées - relations hommes-femmes libérales, bals costumés, musique de hard rock, etc., mais les milieux artistiques de Téhéran, du cinéma en particulier, ne sont pas épargnés non plus: ainsi le tournage ubuesque d’un spot publicitaire, dirigé par un Hasan qui y voit une occasion de remontrer son talent, pour une marque d’insecticide. C’est jouissif, drôle et ici le charme de la bourgeoisie (du cinéma) n’est pas du tout discret. Martial Knaebel

À Téhéran, Jalal est abasourdi lorsqu’il rencontre une inconnue prénommée Bita: elle ressemble à s’y méprendre à son épouse Farzaneh. À partir d’un subtil jeu de miroirs et de substitutions, le cinéaste iranien Mani Haghighi livre un thriller doux-amer, mêlé de réalisme social, qui interroge le fondement même d’une société figée par l’impossibilité de se réaliser en dehors des dogmes.

Deux mains gantées manipulent un téléphone portable sous les instructions d’une voix off. L’écran finit par s’éclairer pour montrer Hanna qui se filme elle-même et son ami Murry. Ce smartphone sera alors acteur et chroniqueur de l’odyssée d’Hanna et Murry. Ils vont entraîner avec eux Azi, musicien des rues, lorsque celui-ci les prendra en autostop. Ils atteindront ainsi Téhéran pour devoir la quitter lorsque le père et les frères d’Hanna auront retrouvé leur trace. Alors que le récit est un long flash-back, le mélange d’images provenant du smartphone ajoutées à celles d’une caméra le plus souvent portée, donne au spectateur le sentiment d’assister aux événements en temps réel. Sentiment accentué par le choix Parviz Shahbazi de tourner avec les rues de Téhéran comme décor. La vie de la jeunesse téhéranaise et sa vivacité, malgré les multiples contraintes, ses difficultés face à la police des mœurs, donnent du souffle au récit. En particulier cette soirée mémorable où les jeunes fêtent l’annonce de la signature de l’accord nucléaire entre l’Iran et le groupe des 5+1. Malaria est en fait une ode à la jeunesse iranienne, et aussi un portrait affectueux de Téhéran. Cependant, si la joie de vivre de la jeunesse existe bel et bien, Parviz Shahbazi n’élude pas la réalité et les dangers d’un avenir compromis par des politiques sur lesquelles cette jeunesse n’a aucune prise. Troisième film du réalisateur centré sur les jeunes, après Deep Breath (2003) et le thriller Trapped (2013), Malaria, joué par des acteurs amateurs mais inspirés, est un témoignage passionnant et émouvant sur une génération qui aimerait vivre sa vie, tout simplement. Martial Knaebel

Un homme déclare la naissance de son fils. Une mère habille sa fille pour la rentrée. Une élève est convoquée par la directrice. Une jeune femme conteste une contravention. Une jeune fille se présente à un entretien d’embauche. Un jeune homme vient retirer son permis de conduire. Un homme au chômage répond à une annonce. Un réalisateur demande une autorisation de tournage. Une femme cherche à retrouver son chien. Neuf visages de la vie quotidienne à Téhéran.

Iran, de nos jours. Maryam, 22 ans, tue accidentellement son mari Nasser, 65 ans. Elle est condamnée à mort. La seule personne qui puisse la sauver est Mona, la fille de Nasser. Il suffirait que Mona accepte de pardonner Maryam en direct devant des millions de spectateurs, lors d’une émission de téléréalité. En Iran cette émission existe, elle a inspiré cette fiction. BONUS: Entretien avec Massoud Bakhshi (Georges Wyrsch)

Il y a 40 ans, la révolution iranienne était sur le point de balayer la dictature du Shah. Mais son principal soutien, le monde occidental, et sa culture, furent aussi visés. Des cinémas furent brûlés et l’un de ces incendies fit 478 victimes. Ce drame va-t-il se reproduire dans le présent en pleine projection?

1980, Abadan. La capitale de l’industrie pétrolière iranienne résiste à un siège irakien. Omid, quatorze ans, a bravé le siège et est resté dans la ville avec son grand-père en attendant le retour de son frère aîné du front. Avec Omid, toute une série de personnalités extraordinaires sont restées dans la ville, chacune avec ses propres raisons et résistant à sa manière. Mais l’étau se resserre lorsqu’Omid tente de sauver ses nouvelles connaissances à l’aide d’un bateau abandonné qu’il trouve dans le port et qui devient son arche. Sepideh Farsi a utilisé le pouvoir d’abstraction et de guérison de l’animation pour créer un conte d’aventures débordant d’optimisme, qui place les femmes et les marginaux sociaux comme acteurs silencieux d’une guerre qui avait déjà commencé avant les attaques irakiennes avec la révolution islamique en Iran.

Il y a peu de temps qu'Ali est sorti de prison. Il travaille maintenant comme veilleur de nuit à Téhéran. Il a trouvé un emploi dans une usine de telle façon qu'il peut nourrir sa petite famille, sa femme Sara et leur fille Saba. Toutefois, un jour qu'Ali revient du travail, Sara et Saba ont disparu. Quand il n'en peut plus d'attendre, Ali décide de s'adresser à la police. Mais le chaos règne au commissariat et des heures s'écoulent avant qu'on puisse lui fournir une information. C'est alors qu'on lui apprend qu'il y a eu une fusillade avec des manifestants. Sara, la femme d'Ali, se trouvait par hasard sur place et a été tuée. Quant à Saba, elle passe encore pour disparue. Ali recherche sa fille dans un état de profond désespoir d'autant plus que pour finir, on retrouve son cadavre. Dans un acte de vengeance aveugle, Ali tue alors au hasard deux officiers de police. Il prend ensuite la fuite en direction des forêts du Nord. Mais la police est depuis longtemps sur ses traces. Cela se termine par un accident d'Ali qui court à nouveau vers la forêt en cherchant à se cacher parmi les arbres - mais en vain. Hassan et Nazem, les deux policiers qui le talonnaient, finissent par le capturer. Ali semble s'abandonner à son sort. Il suit les deux hommes qui le gardent de près. C'est alors qu'ils se perdent dans la forêt; ils ne voient plus que des arbres de toutes parts. Dans un tel environnement, à l'écart de tout, il est difficile de faire la distinction entre chasseurs et chassé...

Un taxi roule dans les rues animées et bigarrées de Téhéran. Les gens les plus variés y montent. Le conducteur parle avec les passagers qui disent ouvertement ce qu'ils pensent. Comme ce pirate du web qui vend des films censurés en Iran. Ou cet homme qui a trop peur pour déposer plainte, ou ces deux dames superstitieuses qui doivent de toute urgence amener le contenu d'un bocal à poisson rouge vers une source afin d'éviter qu'un malheur ne les touche personnellement. Pendant les trajets tantôt drôles, tantôt dramatiques à travers la ville, le ton est soit à la blague soit au discours politique. Au volant, rien de moins que le réalisateur Jafar Panahi en personne. Il est frappé depuis des années par le régime iranien d'une interdiction d'exercer son métier et de voyager. Mais Jafar Panahi ne se décourage pas. Il réalise ses films en secret et les fait transporter hors du pays en contrebande. Avec beaucoup d'humanité et d'humour, il capte l'ambiance qui règne dans la société iranienne. «Taxi Téhéran», un film vibrant et dévoilant de multiples facettes, a remporté le prix principal du Festival de Berlin, l'Ours d'or.

Simin voudrait quitter l’Iran avec son mari Nader et leur fille Termeh. Elle a entrepris toutes les démarches nécessaires et tout réglé en prévision de leur départ. C’est alors que son mari lui fait part de ses scrupules : il ne veut pas abandonner son père qui souffre de la maladie d’Alzheimer. Nader annule le voyage. Simin dépose alors une requête de divorce auprès du tribunal des affaires familiales. Sa requête étant rejetée, elle quitte le domicile conjugal et retourne vivre chez ses parents. La petite Termeh décide de rester avec son père tout en espérant que sa mère reviendra bientôt à la maison. Confronté aux nouvelles circonstances, Nader a du mal à se débrouiller, ne serait-ce que par manque de temps. Il engage alors une jeune femme pour s’occuper de son père malade. Razieh est enceinte et elle accepte cet emploi sans en informer son mari. Un jour, en rentrant du travail, Nader trouve son père tout seul à la maison ; le vieil homme déficient est en outre attaché à une table. Quand Razieh est de retour, la réaction de Nader a des conséquences tragiques qui bouleversent non seulement sa propre existence mais affectent aussi l’image que sa fille avait jusqu’alors de lui.

Le road movie d’une famille extravagante vers une destination secrète. A l’arrière, le père a une jambe cassée, mais est-elle vraiment cassée ? La mère essaie de rire quand elle ne se retient pas de pleurer. L’enfant n’a de cesse d’exploser dans un karaoké chorégraphié. Ils s’inquiètent tous du chien malade et s’énervent les uns les autres. Seul le mystérieux grand frère reste silencieux. Présenté en grande première au Festival de Cannes et récompensé de nombreux prix, « Hit the Road » est le premier long-métrage de Panah Panahi, le fils du grand cinéaste iranien Jafar Panahi (« Taxi Téhéran »). Tantôt délicieusement humoristique, tantôt doucement émouvant, ce road-movie empli de force poétique déborde d’énergie. Il se distingue aussi par une profonde humanité et une grande tendresse.

Zaffan, 12 ans, vit dans une petite communauté rurale en Malaisie. En pleine puberté, elle réalise que son corps se transforme à une vitesse inquiétante. Ses amies se détournent d’elle lorsqu'une crise d'hystérie collective frappe l’école. La peur se répand et un médecin intervient pour chasser le démon qui hante les filles. Comme un tigre harcelé et délogé de son habitat, Zaffan décide de révéler sa vraie nature, sa fureur, sa rage et sa beauté.

Jeune mère, Shilan (Avan Jamal) vit prise au piège d’une union sans amour avec son mari à Souleimaniye, grande ville du Kurdistan irakien. Sa petite sœur, Rojin (Vania Salar), est sur le point d’être mariée de force à un inconnu. Pour lui éviter de subir le même sort qu’elle, Shilan décide d’aider Rojin à passer ses examens d’entrée à l’université. Faire des études lui permettrait en effet d’échapper à un mariage arrangé, mais les places sont chères et, pour réussir, il faut savoir tricher et profiter de la corruption endémique. C’est ce qui amène Shilan à contacter un promoteur immobilier véreux et son complice, tous deux à la tête d’un trafic bien huilé de copies d’examen. En échange d’une importante somme d’argent, Rojin recevra les bonnes réponses pendant ses examens, aussi discrètement que possible… Réalisé par Shawkat Amin Korki (Crossing the Dust, Memories on Stone), l’un des rares cinéastes kurdes reconnus à l’international, The Exam tire son intrigue des réalités bien présentes qui minent le Kurdistan irakien – d’une part la corruption qui noyaute les institutions, jusque dans le système scolaire, d’autre part le patriarcat religieux qui pèse de tout son poids sur la condition des femmes. Grâce à une mise en scène tirée au cordeau, des éclairages clairs-obscurs et un hors-champ faisant miroiter la violence des guerres d’Irak, le cinéaste restitue avec brio l’atmosphère sombre et tendue dans laquelle évoluent ses personnages. Porté par deux jeunes actrices non-professionnelles impressionnantes de justesse, The Exam allie ainsi le drame social au polar noir et au thriller. Mais le film va au-delà de son sujet en répercutant par la bande les inégalités de genre et les disparités sociales en vigueur au Moyen-Orient. En résulte non seulement un puissant plaidoyer pour l’accès à l’éducation et la liberté des femmes, mais aussi un réquisitoire implacable contre la violence et l’impunité des hommes. Diffusion exclusive en streaming sur filmingo.

Meera filme les déclarations d’une victime de viol avec son iPhone avant de confronter la police à sa passivité. Pour elle, le journalisme étayé est la clé de la justice. Elle décide alors de fonder l’unique journal d’Inde édité entièrement par des femmes Dalits, la caste des «Intouchables». Jour après jour, elles abordent des thèmes brûlants et luttent pour le changement social au péril de leur vie. WRITING WITH FIRE suit de près ce groupe de femmes qui remettent en question le système social et rompent courageusement avec les traditions.

Parti à la cherche de sa mère disparue, le jeune Emiliano se retrouve chez les Aldama, une famille de stars et d’artistes. Avec Perdidos en la noche, présenté dans le cadre de Cannes Première 2023, le cinéaste mexicain Amat Escalante signe une œuvre d’une grande richesse thématique et d’une superbe amplitude formelle.

Bonne à tout faire, Yarisa est entrée à l’âge de quinze ans au service d’un couple de nantis issus de la colonisation à Saint-Domingue, en République dominicaine. Elle a vu grandir Sara, la fille de ses patrons, et s’est occupée d’elle au point de devenir sa plus proche complice, sa seconde mère en quelques sortes. Tandis que Sara connaît les premiers émois de l’adolescence et suit son grand-frère Alvaro dans des virées endiablées, la riche famille quitte la capitale pour emménager sur la côte nord-est, à Las Terrenas. Probablement afin que Pedro, le patriarche, puisse y poursuivre ses activités lucratives et corrompues en toute tranquillité. C’est justement de cette région que vient Yarisa. Elle y a laissé grandir sa propre fille, Mallory, aujourd’hui adolescente, ne lui rendant visite qu’à de très rares occasions. Hélas, à la suite d’une fête arrosée, le fragile équilibre que Yarisa a construit au sein de sa «nouvelle» famille se brise brutalement… En débutant avec la relation forte qu’entretiennent Yarisa et Sara, puis leur confrontation avec Mallory faisant figure de fille déchue, «Carajita» (qui signifie «gamine») décrit tout d’abord avec sensibilité la situation des innombrables nourrices d’Amérique latine, qui alimentent leurs proches tout en les abandonnant. Dès lors que le drame se noue et passe de la simple rivalité à une âpre culpabilité, la dimension du film se décuple en venant refléter avec force les différences de classes et le racisme qui perdurent. Entre les colonisateurs décadents au pouvoir et les descendants des esclaves, il y a un fossé dont le duo hispano-argentin Silvina Schnicer et Ulises Porra Guardiola restitue l’abîme en reflétant deux mondes que tout oppose: d’une part celui des non-dits et des banquets huppés où l’on invite les députés et s’échange de faux sourires, d’autres part l’univers traditionnel de la culture caribéenne et son mélange de croyances, de superstitions et de fantômes… Partant, les cinéastes expriment la détresse de leurs protagonistes principales, victimes indirectes d’une injustice sociale qui n’en finit plus, en convoquant une bande-son étourdissante et des éléments de la nature environnante – la mer, la jungle, un troupeau de chèvres – atteignant ainsi à une symbolique et richesse d’interprétation magnifiques!

À 17 ans, Sasha vient de terminer le lycée. Sophia, sa jeune mère célibataire, s’inquiète de son avenir et tente de le convaincre de s’inscrire à l’université, mais lui n’a aucun projet en vue, si ce n’est de faire de la peinture et du graffiti avec Maks, artiste graffeur. Tandis que son amie Julia tente de le séduire, Sasha rencontre par hasard une jeune femme de son âge, la magnifique Zhenya, qui souffre parfois de crises d’angoisses. Sur cette trame d’une simplicité trompeuse, Julia Trofimova livre un très beau portrait de l’adolescence, parcouru par la grâce et moucheté de vérités, que la cinéaste fait passer via une tendresse qui n’est jamais feinte. En atteste la performance éblouissante des jeunes acteurs et actrices du film. Adapté du roman homonyme de l’écrivaine Gala Uzryutova, «The Land of Sasha» (Strana Sasha en russe) est un récit initiatique d’une grande sensualité, marqué par un profond respect pour ses personnages attachants et bienveillants. Suivant leur évolution au cours d’une romance estivale, le film restitue leurs tendres relations naissantes et leurs questionnements secrets sur l’avenir. À mesure qu’ils et elles se trouvent et apprennent à se connaître, Julia Trofimova, réalisatrice sensible au passage à l’âge adulte, exprime avec talent l’aspiration à la créativité de la jeunesse – sans doute en contrepoint aux très sombres réalités qui traversent la Russie. Dès lors aussi subtiles qu’incisives, la critique des chances accordées aux jeunes, comme la chronique de l’adolescence, atteignent à l’universel et confèrent une fraîcheur inattendue au paysage cinématographique russe.

Joana vit à Porto Alegre, au bord du Rio Guaíba. Elle aime se déplacer à vélo. Traductrice à la voix douce, elle partage un bel appartement avec son amie Cecilia, qui espère tant avoir un jour un enfant. En se rendant un soir à une conférence, elle est victime d’un étrange accident de la route dont elle sort heureusement indemne. C’est ainsi qu’elle rencontre Maicon, un jeune garçon qui a filmé l’incident et l’a publié en ligne…

Jeune femme de 21 ans, Mariana appartient à une communauté religieuse très pieuse, où elle s’efforce de cultiver son image de future épouse idéale: belle et docile. À la nuit tombée, elle et ses amies expriment leur foi d'une manière différente. Parcourant les rues, elles traquent les femmes aux mœurs qu’elles considèrent comme légères et les agressent en leur demandant d’accomplir leur rédemption. Blessée lors de l’une de ces expéditions punitives, Mariana se retrouve avec une cicatrice au visage. Son image de femme parfaite étant mise à mal, elle commence à douter de sa foi. Dans son deuxième long-métrage sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes, la réalisatrice brésilienne Anita Rocha Da Silveira joue avec le fantastique pour aborder des enjeux bien réels. En travaillant de subtiles réminiscences au cinéma de genre, la cinéaste crée une atmosphère aussi forte que poignante et fait de Medusa une forme de miroir grossissant qui reflète le Brésil sous Bolsonaro – et plus largement tous les pays où les mouvements d’extrême droite, racistes, misogynes et homophobes, menacent la liberté. Plus particulièrement, le film dénonce l’union fatale des évangélistes et des antiféministes, qui pratiquent une terreur de la beauté et véhiculent une hostilité vis-à-vis des droits et plaisirs. En résulte un brûlant manifeste, féministe et libertaire.

Le jeune Samnang, ses parents et ses amis habitent un immeuble historique au cœur de Phnom Penh, le White Building. L’annonce de la démolition imminente du bâtiment va bouleverser leur existence… À la faveur d’une mise en scène douce et enveloppante, le film reflète avec mélancolie les injustices qu’engendre le profit à tout prix.

Dans le Liban de 2006, Marwan prend la route au départ de Beyrouth, direction le sud, pour retrouver son père. Dans le village de son enfance, il rencontre deux amis de sa famille, qui sont parmi les rares personnes à être restées sur place. Tandis que les combats reprennent tout à coup, Marwan se réfugie avec eux au sous-sol d’une maison miraculeusement préservée des bombes. Les voilà pris au piège. L’artiste et cinéaste libanais Ahmad Ghossein livre une fiction inspirée de son propre vécu, qui revient sur la Guerre de Juillet. Jouant avec le hors-champ, l’espace, la musique et un brin d’onirisme, le film dépasse la dénonciation de l’absurdité de la guerre pour dire, d’un point de vue existentiel et philosophique, tout le désenchantement du Liban.

Après « A Girl at My Door » (2014), l’histoire d’une jeune commissaire qui prend sous son aile une collégienne martyrisée par son entourage, la réalisatrice sud-coréenne July Jung est de retour avec un long-métrage de la même eau rare. Tiré d’un fait réel, « About Kim Sohee » est un film porté par un magnifique duo d’actrices, qui oscille avec délicatesse entre drame et polar. Lycéenne passionnée de dance-pop, Sohee (Kim Si-eun) est une jeune femme courageuse, entourée d’amies qui se débattent pour gagner leur vie. Envoyée en stage par son école, elle se retrouve dans le call center d’une boîte de télécom, où elle est chargée de vendre des abonnements et surtout d’éviter coûte que coûte les résiliations. Sous pression comme toute l’équipe composée majoritairement de femmes, Sohee est coachée de manière insidieuse et jugée en permanence sur ses résultats, à tel point que le stage vire au cauchemar… Tandis que se multiplient les événements macabres, une inspectrice volontaire, Oh Yoo-jin (Bae Doo-na), enquête sur l’entreprise, mettant au jour ses pratiques oppressantes. Grâce à une mise en scène d’une intelligence lumineuse, July Jung laisse peu à peu affleurer la profondeur de ses deux personnages et exprime leur courage face au système ultralibéral qui broie non seulement les employées, mais aussi les managers et la basse hiérarchie. Passant du drame intime à l’enquête policière, la cinéaste atteint une dimension universelle en scrutant la complexité d’une chaîne de responsabilité guidée par les impératifs de rentabilité, qui n’hésite pas à se défausser et à recourir à l’humiliation. En résulte un film d’une grande beauté, féministe et révolté.

Un matin, il est là, le mystérieux nuage rose. On dit qu’il est mortel, et donc tout le monde se retrouve confiné chez lui sans possibilité de sortir à l’air libre. Pour Giovana et Yago, ce qui ne devait être qu’une aventure d’un soir après une fête prend une tournure inattendue. Les voilà installés dans une relation de couple sur la durée car le nuage ne semble pas vouloir disparaître. Les deux amants d’un soir sont obligés de vivre une relation de couple qui dure, allant de la passion, en passant par la responsabilité, jusqu’à la rupture, puis la réconciliation – tous les états des liens qui peuvent unir deux êtres. Iuli Gerbase nous plonge dans les strates les plus profondes de ces relations et des états d’âme et des contradictions des deux personnages. On pourrait appréhender The Pink Cloud comme un film de circonstance en écho au confinement actuel que vit quasiment toute l’Europe. Il n’en est rien, la jeune réalisatrice et scénariste brésilienne avait écrit son scénario en 2017 déjà, le tournage ayant eu lieu en 2019. Il ne s’agit pas non plus d’une énième hypothèse sur la fin du monde. Iuli Gerbase pensait plus à une métaphore sur la pression du conservatisme sur la société qui s’est renforcé dans son pays ces dernières années. On pourrait d’ailleurs ajouter: et pas seulement au Brésil. L’appartement est cossu, le gouvernement – ou les autorités – pourvoit à l’approvisionnement du nécessaire, et de ce qui l’est moins, par un sas où des drones déposent les colis. Les relations avec l’extérieur se font via internet. En fait tout fonctionne, si ce n’est l’impossibilité absolue de sortir. Ce sont donc la relation du couple et les états psychologiques de deux partenaires - qui sont étudiés avec minutie – qui forment le nœud de l’intrigue. Mise en scène et jeu des acteurs donnent une puissance impressionnante au récit. Accentuée, dans le cas présent, par une diffusion exclusive en streaming sur filmingo.